Concierto op. 67

M. Arnold

En una pequeña serie me gustaría presentarles los más bellos conciertos de guitarra.
Algunos pueden pensar que llevo búhos a Atenas con ellos, pero desafortunadamente mucha gente sólo conoce el «Concierto de Aranjuez». Pero todas esas maravillosas obras que aún existen han desaparecido casi por completo de nuestras salas de conciertos.

Esto seguramente tiene que ver con el hecho de que apenas hay conciertos de guitarra de compositores famosos. Joaquín Clerch dijo una vez: «Si Mozart o Beethoven hubieran escrito un concierto para la guitarra, ¡todos los años tocaríamos con la Filarmónica de Viena!»

Y estoy seguro de que tenía razón en eso. Porque para llenar una sala de conciertos hoy en día, se necesita el nombre de un famoso virtuoso o de un famoso compositor, y sobre todo falta casi por completo el segundo para la guitarra.

Pero tantos conciertos, que pueden no tener la grandeza del Tercer Concierto para Piano de Beethoven, pero que sin embargo están llenos de belleza y riqueza interior, son empujados cada vez más lejos hacia los márgenes y finalmente desaparecen completamente de la conciencia.

 

Por lo tanto, me gustaría darle un pequeño resumen de lo que queda por encontrar aparte del gran lanzamiento de Rodrigo. Me gustaría presentarles obras que me conmueven personalmente, me hacen soñar y, al menos por un momento, me hacen olvidar el dolor de la vida.

Pero primero quiero hablar brevemente sobre lo que significa un concierto. Puede ser un poco confuso para los legos: Puedes ir a un concierto, pero este término puede significar cualquier cosa, el disfrute de una velada de música de cámara cultivada, así como el de una extraña obra orquestal.

Pero cuando los músicos hablamos de un concierto, nos referimos a un género musical muy específico. Sólo hablamos de un concierto solista cuando un solo instrumento interpreta una pieza musical en interacción y en conflicto con una orquesta.

Los conciertos para piano y violín son ciertamente los más conocidos, pero difícilmente hay un instrumento para el que no haya una contribución a este género, como puede verse en los conciertos para armónica o arpa de judío.

 

Los predecesores de esta forma se pueden encontrar bastante temprano en la historia de la música europea, pero fue sólo con el surgimiento de la cultura de concierto de la clase media en la segunda mitad del siglo XVIII que adquirió su forma y significado actuales.

Antes de eso, sólo había unos pocos virtuosos que actuaban en una «cámara» de la aristocracia (el ejemplo más famoso es sin duda el pequeño Mozart). Pero debido a la gran comprensión musical de muchos aristócratas, el virtuosismo puro fue naturalmente frenado.

Pero cuando el público de clase media empezó a acudir a las salas de conciertos, el gusto musical cambió drásticamente. La mayoría de los oyentes buscaban ahora distraerse de la aburrida vida cotidiana y querían estar «bien» entretenidos, una necesidad que el concierto en solitario satisfacía de la manera más perfecta.

Especialmente cuando la personalidad del solista se hizo más y más evidente. Con el paso del tiempo, esto finalmente tomó excesos tan extraños como los que conocemos de las historias sobre N. Paganini o F. Liszt.

 

En su forma más conocida hoy en día, el concierto en solitario consiste en tres movimientos en la secuencia rápido-lento-rápido.

En el primer movimiento la orquesta introduce un tema y el instrumento solista responde con una variación del mismo o de su propio material.

El segundo movimiento es en un tempo lento y le da al solista la oportunidad de demostrar su sutileza y cualidades líricas. Finalmente, en el movimiento final suele haber un virtuosismo que se asemeja a un «Kehraus», es decir, la expulsión de una orquesta de baile.

Una característica especial del concierto clásico es la cadencia de solista, en la que el solista puede brillar sin acompañamiento. Originalmente, esta parte fue improvisada, pero hoy en día las cadenzas están compuestas y ya no se trata de su invención, sino de su interpretación más personal posible y de la habilidad del músico para integrarlas en el concepto global de la obra musical.

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El Concierto op. 67 de Malcolm Arnold, que me gustaría presentarles hoy, también se concibe tradicionalmente en su forma de tres partes, y aunque utiliza un lenguaje musical moderno, apenas rompe los límites de la tonalidad, pero siempre permanece arraigado en los principios de la composición clásica.

Esto no es sorprendente, ya que el inglés Malcolm Arnold (además de Benjamín Britten, el compositor inglés más famoso de la posguerra) era un compositor comparativamente conservador.

Mientras que la mayoría de sus colegas se entregaron a su deseo de experimentar y buscaron liberarse de los grilletes de la tradición, él escribió música llena de melodías vocales, desinhibida y poco preocupada por el espíritu de la época.

 

Debido a estas virtudes y a su trabajo como compositor de películas, uno se siente fácilmente tentado a pensar en él como un músico «superficial». Pero en sus obras más importantes, especialmente las nueve sinfonías, se ve a un artista completamente diferente trabajando. Se caracterizan por la profundidad espiritual y la oscura pasión y muestran a un grandioso compositor en la cima de su producción creativa.

A pesar de su popularidad, también se le pidió repetidamente que escribiera para diferentes instrumentos. A lo largo de su vida, escribió más de veinte conciertos en solitario, entre ellos para músicos tan renombrados como Yehudi Menuhin, Benny Goodman o incluso el Concierto op. 67 para Julian Bream.

 

Este concierto, interpretado por primera vez en 1959, refleja maravillosamente la actitud y el gusto musical de los dos músicos.

Aquí un compositor arraigado en la tradición, dispuesto a contribuir a la literatura moderna de la guitarra que va en contra del espíritu de la época, allí un intérprete que, además de la guitarra, también tocaba el laúd con maestría, y que se esforzaba sobre todo por el repertorio clásico.

El resultado es una obra que ya está llena de temas elegantes en el primer movimiento y cautiva al oyente con un diálogo entre instrumento solista y orquesta que alterna entre lugares de brillantez técnica y música de cámara íntima.

El movimiento lento se inspiró en el toque de guitarra de Django Reinhardt. Un tema largo, como el del blues, lleva la vida emocional del oyente a aguas profundas y proyecta un brillo oscuro sobre toda la obra.

Sigue un excéntrico minué, restaurando el equilibrio entre los dos primeros movimientos, y todo termina trágicamente, con breves interjecciones de la guitarra.

 

El biógrafo del compositor, Piers Burton-Page, lo llama: «Uno de los inventos más destacados de Arnold. … Una vez escuchado, nunca olvidado» («Concierto filarmónico», Methuen, 1994).

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