Der Lindenbaum

En el último artículo tratamos la gran forma del «tilo». Hoy vamos un paso más allá y miramos más de cerca la canción.

«Der Lindenbaum» es parte del ciclo de canciones «Die Winterreise», el drama del alma de un vagabundo solitario. Si observan detenidamente el texto, notarán que está dividido en cuatro partes. Los dos primeros versos evocan un idilio: «Sueño a su sombra…» y nos recuerdan nuestro pasado común: «Se movía en la alegría y la tristeza…». Los versículos tres y cuatro cuentan las experiencias actuales. «Yo también debo vagar hoy…» Sobre el anhelo que el árbol desencadena para encontrar un punto de descanso en la vida inquieta del vagabundo: «Aquí encontrarás tu descanso». De repente el viento sopla en su cara y le quita el sombrero de la cabeza. Pero el vagabundo permanece desafiante y no se aparta, sino que continúa su camino. En el sexto verso el anhelo sale de nuevo. El vagabundo está ahora lejos de su amado árbol y anhela la paz que pueda encontrar allí. Pero, ¿realmente lo anhela? ¿No es más bien el deseo de vagar siempre en el anhelo?   ¿Cómo tradujo Schubert esto en su composición?
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En el preludio del piano (0:00 – 0:25) deja que surja el estado de ánimo idílico del comienzo del poema. Los tranquilos y ondulantes trillizos ascendentes y descendentes representan el suave murmullo del viento en las hojas del tilo. A las 0:18 y a las 0:23 uno cree oír a lo lejos cuernos de caza (quintas partes de cuernos en el piano).   En el primer verso (0:26 – 1:21) el vagabundo sueña con volver al lugar de su anhelo. Al lugar donde ha pasado tanto tiempo en «alegría y sufrimiento». Schubert compone aquí con el más simple de los medios. Probablemente también para dejar claro que el protagonista era más joven y «más simple» en ese momento. En la voz cantante utiliza principalmente las notas de las tríadas correspondientes y el ritmo toma un curso tranquilo y ligeramente exaltado. Además, la melodía sigue siendo casi la misma y cambia sólo en unos pocos lugares. El piano también proporciona este estado de ánimo tranquilo y relajado al subordinarse al canto y al tocar alrededor de la voz cantante de forma dispersa.   En el primer interludio (1:22 – 1:32) el humor cambia. Aunque es muy similar al Preludio, de nuevo trillizos con la misma terminación: octavas punteadas, dieciseisavos, cuartos. Pero para aumentar la tensión, la sección se reduce a la mitad del número de medidas. La armonía se enturbia, de mayor a menor.   Una breve nota sobre los géneros de los tonos. Los tonos pueden sonar al unísono, por ejemplo como una melodía, o juntos como un sonido o un acorde. Lo sabemos por la música pop, donde la guitarra toca los acordes principales. De todas las armonías posibles, dos «géneros», el mayor y el menor, se han establecido con el comienzo del barroco. Percibimos al mayor como brillante y alegre. Se utiliza principalmente para piezas de música animada. En la música pop, también, se suelen escuchar canciones en la mayoría de los casos. El menor aparece oscuro y melancólico. En la música de hoy en día se usa a menudo para baladas o canciones tristes.   Hemos visto que la música de «Lindenbaum» ha cambiado de mayor a menor en el interludio. Al principio del segundo verso esto todavía resuena, porque la nueva armonía corre a través de la parte desde «también hoy debo…» hasta «… cerrar los ojos» (1:32 – 1:59). Se puede ver muy bien en la grabación cómo Fischer-Dieskau expresa el nuevo estado de ánimo. Cómo baja la cabeza y aparentemente cae en duelo. La música de Schubert se basa mucho en el texto y el estado de ánimo de la «noche profunda» y la «oscuridad». En el acompañamiento escuchamos como el «vagabundeo» es representado por un movimiento de rodadura. En mi opinión, hay un nivel más profundo en este punto. En el trillizo, el deseo de vagar, en el octavo punteado el titubeo, la duda de si uno debe detenerse después de todo. Y luego la decisión de continuar de nuevo. Con «Y sus ramas…» se vuelve al idilio. La armonía cambia a mayor otra vez. El acompañamiento de piano refuerza esto al enriquecer el sonido apoyando la voz en terceras partes.   A las 2:30 un acento de Sforzato, como un trueno, desgarra la melodía. El suave murmullo del viento se ha convertido en una tormenta. Las cadenas de tresillos se vuelven más salvajes por los cambios de posición y el mayor espaciamiento de las notas, intensificado por el sforzati (énfasis repentino) en los acordes individuales. El canto se reduce a jirones de motivos y repeticiones de tono. Aquí el canto ya no es bello, sino la recitación y el discurso. Tal vez Schubert quería expresar que es imposible cantar una canción en una tormenta.   En el interludio (desde las 2:49) la tormenta disminuye y todo se calma de nuevo. Volvemos al estado de ánimo del principio y oímos la señal de la bocina que ya nos es familiar.   En el cuarto verso (3:05 – 4:19) el vagabundo es diferente que antes. La melodía del canto es la misma que en el primer verso, pero el acompañamiento es una reminiscencia de lo que ha experimentado. Schubert compone aquí en dos niveles. Por un lado el vagabundo en el «aquí y ahora», por otro lado su sueño y anhelo de «antes y allí». Lo ilustra musicalmente, con el canto que repite la melodía del primer verso del tilo, mientras que el piano retoma el acompañamiento del segundo verso, el Vagabundo, que sólo se modifica en algunos lugares. ¡Un truco notable!
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El postludio es la repetición literal del preludio, pero sin señales de bocina. A través de la repetición, la canción se equilibra y termina con el mismo estado de ánimo básico con el que comenzó. Pero sólo la música termina de la misma manera. El vagabundo, y en el mejor de los casos también el oyente, ha cambiado y escucha este pasaje de forma diferente a como lo hacía antes. Uno ve lo que se esconde bajo la aparente simplicidad de la canción por una riqueza de procesos musicales, drama y desarrollo. Y qué maravillosamente la compuso Schubert.
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