Jan Vermeer

 

 

 

  

de Georg Rode

Johannes (Jan) Vermeer van Delft fue un pintor del siglo XVII. Está clasificado como perteneciente al barroco holandés. Hoy en día todavía existen 35 cuadros suyos. En total se dice que ha pintado unos 45. Por lo general, trabajaba directamente por encargo, por lo que sus obras apenas aparecían en las subastas. Hasta el comienzo de la guerra franco-holandesa en 1672 pudo ganarse bien la vida con ello, pero a causa de la guerra sus clientes se retiraron y se empobreció.

A pesar del reducido número de obras, es uno de los pintores más famosos. Sus cuadros suelen tener como tema una o varias personas en interiores, a menudo enriquecidos con el contenido simbólico típico de la época.

Jan Vermeer, Joven con collar de perlas (1663 – 1665); © Foto: Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz; Fotógrafo: Christoph Schmidt; CC BY-NC-SA 3.0 ES; Enlace: Para la licencia 

Johannes Vermeer, El escritor de cartas, 1655; Acceso abierto; National Gallery of Art Washington; Enlace: a la imagen

 

Una dama con una chaqueta de seda con ribetes de armiño, por ejemplo, con pendientes de aspecto precioso y con un collar de perlas que alinea en el cuello para que se vea claramente en la imagen. Parece estar de pie frente a un espejo. En general, se considera que esta imagen representa el conflicto entre el vicio y la virtud. Las joyas y las espléndidas ropas son un ejemplo de ello, al igual que la mirada tal vez ensimismada en el espejo, que es en sí misma un símbolo de orgullo.

Veo en la mujer un gran parecido con la escritora de la carta, vestida de la misma manera, el collar sobre la mesa, el pelo atado con adornos. Dado que el primer plano y el fondo están en la oscuridad y la luz ilumina el centro con el escritor y la mesa, por un lado se intensifica el efecto de profundidad y por otro se destaca el sujeto real. La joven, supuestamente la esposa de Vermeer, no está escribiendo, sino sonriendo con la cabeza inclinada hacia el pintor y, por tanto, hacia el espectador.

También veo este giro hacia el espectador en el famoso cuadro de la chica con el pendiente de perla. También hay un cierto parecido con la Mona Lisa de Leonardo. De hecho, también se la llama la «Mona Lisa del Norte».

Johannes Vermeer, La joven con el pendiente de perla, 1655; Mauritshuis, La Haya; Enlace: a la imagen

Leonardo da Vinci, La Jaconde (Mona Lisa), 1503-1506; adquirido a través de Depositphotos, © biggereye; enlace: a la licencia

Ambos están representados de medio perfil, de cara al espectador. La extraña sonrisa de la Mona Lisa se debe a que el lado derecho de la boca está sonriendo, pero el izquierdo no. Sin embargo, la sonrisa puede interpretarse como un coqueteo tentativo. Debido a las dos formas de la boca, la expresión parece seductora y rechazante al mismo tiempo. En el cuadro de Vermeer, la boca está ligeramente abierta con los labios brillantes, lo que también se interpreta como una señal de giro hacia un observador masculino. La cabeza podía girarse hacia pero también alejarse en ese momento, mostrando así una ambivalencia similar a la de la boca de la Mona Lisa. El fondo oscuro es una excepción para Vermeer. El cuadro se denomina «tronie», un género pictórico que no se ocupa de las personas y los antecedentes concretos, sino de un estudio de carácter ejemplar, en este caso una joven con ropas exóticas. La colocación de la figura a la derecha confiere al cuadro una ligera tensión que da lugar a un movimiento hacia delante.

Por lo demás, los cuadros de Vermeer muestran principalmente un ambiente contemplativo, con una o pocas personas, en escenas en las que, en palabras del KHM de Viena, «no pasa nada realmente». Hay una obra en Viena que también se ajusta a esta descripción, aunque se considera una de sus obras más destacadas, «El arte de la pintura» (uno de los varios títulos de la obra). Vermeer trabajó exactamente en perspectiva, en el punto de fuga bajo el pomo del mapa se descubrió un pequeño agujero, en el que probablemente se clavó una aguja con un hilo para colocar las líneas de fuga con exactitud. Vermeer, por cierto, fue autodidacta. El colorido está dentro de su marco armónico típico, aquí, como en otras ocasiones, con el contraste entre el beige y el azul claro, que, como todos los contrastes complementarios, crea tensión y armonía al mismo tiempo. El uso de símbolos, habitual en la época, es algo más frecuente aquí que en otros cuadros. Así, la mujer se muestra como Clío, la diosa de la historia, cuyos atributos de libro y trompeta no dejan lugar a dudas. El pintor, elegantemente vestido, representa el arte de la pintura en sí. El mapa muestra un estado anterior de las fronteras neerlandesas, por lo que también puede deducirse una referencia a la historia.

Johannes Vermeer van Delft, El arte de la pintura, 1664 – 1668, © KHM-Museumsverband; Enlace: a la imgaen

La cortina de la izquierda es una clara alusión a una anécdota sobre la competencia entre los pintores Zeuxis, que representaba las uvas con tanta precisión que los pájaros las picoteaban, y Parrhasios. Este último pintó una cortina tan realista que Zeuxis quiso apartarla para poder ver mejor el cuadro que había detrás.

Johannes Vermeer van Delft, Vista de Delft, 1660/61, Mauritshuis, La Haya; Enlace: a la imagen

La «Vista de Delft» es una obra maestra no menos destacada, una de las dos únicas pinturas que no muestran interiores. Durante la pandemia, la Mauritshuis estableció un acceso a la pintura que cumple con los requisitos de la corona, donde esta obra es la única que cuelga en una sala y se permite a los espectadores un periodo de 10 minutos durante el cual pueden mirar el cuadro a solas. Esto expresa suficientemente la apreciación de este cuadro. La imagen muestra una vista de la ciudad de Delft. Nubes oscuras en primer plano sobre la orilla de un curso de agua, mientras que la ciudad, más atrás, está bañada por la luz del sol, una división de luz y oscuridad como la del escritor de la carta. La disposición es paralela a los bordes del cuadro; Vermeer ha prescindido de las calles habituales que conducen a las profundidades de este tipo de representaciones, lo que confiere al cuadro un aura de calma.

Otro artista cuya participación en la recepción de la obra es digna de mención es el escritor Marcel Proust, autor de la monumental obra En busca del tiempo perdido. Proust, ya enfermo físicamente, visitó una exposición de Vermeer en París en 1921. Sufrió un desmayo en las escaleras. Procesó este incidente insertando posteriormente en su obra un episodio en el que el personaje de la novela, Bergotte, un escritor, dice ante un cuadro de Vermeer:

«…debería haber usado más color en ella, hacer que mi lengua fuera tan preciosa en sí misma como lo es este pequeño rincón amarillo de la pared».

Un momento después, Bergotte sufre un desmayo, en cuyo transcurso muere más tarde. Quintaesencia del trabajo artístico, pues, este pequeño rincón amarillo de la pared, al final de una vida, tanto para Bergotte como para Proust. Murió en 1922.

El cuadro en cuestión sólo podía ser la «Vista de Delft», en la que se buscaba el elogiado rinconcito amarillo de la pared. Pero en vano, porque no existe.

Dieter E. Zimmer, del «Zeit», resolvió la contradicción en la edición navideña del periódico de forma brillante:

«Me gusta pensar que él [Proust] lo inventó. Imagino cómo consideró el detalle que bien podría haber en el cuadro pero que no lo es, cómo se acercó al cuadro para convencerse de que en realidad no contenía ningún trocito de pared amarilla con un dosel… y cómo supo ahora lo que tenía que hacer».

«Como mucho, se puede ver en el interior. En el exterior, esos lugares perfectos sólo se pueden buscar, no encontrar». (Ambas citas: Dieter E. Zimmer, SZ, 24.12.1996)

Proust rinde homenaje a la perfección de la imagen imputándole un detalle igualmente perfecto que sirve de símbolo inasible de la perfección, sin que la imagen carezca nunca de tal elemento.

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