L’art du Moyen Âge

de Ulrich Henze

En histoire de l’art, le terme « Moyen Âge » est traditionnellement utilisé pour décrire les œuvres d’art créées entre l’Antiquité tardive, c’est-à-dire la fin des 4e et 5e siècles, et le début de la période dite moderne, qui a débuté aux 14e et 15e siècles.

Dans le passé, l’accent a toujours été mis exclusivement sur l’Europe ; seule la production artistique de l’Empire byzantin (395 – 1453) a trouvé son chemin dans le canon de l’histoire de l’art. Récemment, notamment en raison des progrès de la mondialisation à tous les niveaux, une nouvelle réflexion a été engagée : L’art européen – non seulement celui du Moyen Âge – n’est plus considéré comme isolé dans la recherche, mais de plus en plus dans la conscience des visiteurs des musées et des galeries ; par exemple, les relations de l’art européen avec l’art du Moyen-Orient et du monde arabe ou avec le continent africain sont de plus en plus au centre des études sur l’art.

La recherche actuelle est plutôt critique à l’égard de cette pensée d’époque, car elle reconnaît que ces différentes phases stylistiques ne peuvent être ni clairement définies ni clairement distinguées les unes des autres. Par exemple, « gothique tardif » signifie quelque chose de complètement différent dans les régions germanophones que, par exemple, dans les anciens territoires et républiques urbaines d’Italie : alors que le terme de style décrit ici la période autour de 1300, il est commun pour les régions au nord des Alpes jusqu’aux années autour de 1500. Enfin, il y a même eu récemment des appels à considérer le terme « Moyen Âge » comme un terme d’époque comme complètement obsolète, comme on peut le voir dans une discussion tenue dans le Frankfurter Allgemeine Zeitung en août 2018.

On voit qu’il y a certainement des pièges quand on parle d’art « médiéval ». Néanmoins, il n’existe pas encore de terme de remplacement adéquat.

En outre, nous avons tous nos idées en tête lorsque nous parlons de l’art médiéval, qui n’est généralement pas mauvais, mais qui doit être modifié et complété ici et là. Avec cette prise de conscience, il semble légitime de continuer à utiliser le terme « Moyen Age » et ses implications. Cela semble moins approprié pour les noms de style traditionnels : On associe trop souvent des termes tels que « roman » ou « gothique », une définition large des phénomènes stylistiques (par exemple, roman signifie « arc rond », gothique signifie « arc pointu »), car on peut en fait les concilier avec l’apparence des bâtiments et des œuvres picturales de l’époque ; c’est pourquoi il est logique de renoncer autant que possible à ces divisions plutôt rigides en périodes stylistiques – nous verrons que cela ne réussit pas toujours – et d’utiliser des siècles et des décennies plutôt que des grilles chronologiques.

Qu’est-ce qui distingue l’art médiéval ? Y a-t-il une tranche supérieure, un plus grand dénominateur commun sur lequel on puisse s’entendre ?

En ce qui concerne l’architecture, il semble que le point commun soit que, pendant les siècles dont il est question ici, l’architecture sacrée était la priorité absolue. Mais attention : des bâtiments profanes représentatifs ont bien sûr été érigés, comprenant non seulement des forteresses et des installations d’urbanisme, mais aussi des châteaux, des palais et des résidences nobles de conception artistique, dont il ne reste malheureusement que très peu de choses, ce qui limite notre vision de l’architecture médiévale.

Néanmoins, on peut dire que la majeure partie de l’énergie a été dépensée pour la construction ou la conversion d’églises, de monastères et de cathédrales, et c’est dans ce domaine que l’on trouve les derniers développements en matière de conception statique-structurelle et architecturale.

En ce qui concerne les arts visuels, la situation est similaire : Certes, il y avait des thèmes picturaux profanes qui ornaient les châteaux et les palais, mais aussi les mairies et les hôtels de ville. Mais la majeure partie des œuvres picturales peut être attribuée à la sphère sacrée. Mais là aussi, il faut dire que seule une très petite partie, estimée à cinq ou dix pour cent, de tout ce qui a existé autrefois nous est revenue. Les pertes et les décimations causées par les effets de la guerre, des catastrophes naturelles ou de l’iconoclasme sont immenses et doivent toujours être prises en compte dans toutes nos considérations sur l’art médiéval.

Il y a un autre aspect à considérer : ce qui a été préservé jusqu’à ce jour n’est la plupart du temps ni à sa place ni dans son état d’origine. D’innombrables œuvres d’art médiévales sont aujourd’hui exposées et exposées dans de nombreux musées du monde entier, petits et grands, importants et moins importants. C’est merveilleux et louable, car nous pouvons les étudier de cette manière, protégés et souvent à bout portant. Mais ils sont isolés dans un musée et complètement arrachés à leur ancien contexte. Mais c’est très important pour leur compréhension. Nous pouvons admirer dans un musée une Madone du XIIIe siècle, sculptée et colorée, grâce à son savoir-faire, mais nous ne pouvons pas comprendre son contexte fonctionnel – le contexte est absent.

Cependant, l’art médiéval se caractérise précisément par le fait que ses œuvres picturales ont toujours été contextuelles, c’est-à-dire que l’endroit où elles se trouvaient dans la topographie sacrée d’une église ou d’un site sacré comparable est indispensable pour comprendre la signification des objets.

Trop souvent, au cours des siècles, ils ont été modifiés, réécrits, « modernisés », adaptés à un goût nouveau et les rites liturgiques ou de piété ont été altérés. C’est surtout aux XVIIe et XVIIIe siècles que l’on aimait habiller les œuvres d’art médiévales d’un vêtement moderne. On peut citer en exemple les nombreuses adaptations baroques des églises « romanes » du sud de l’Allemagne ou encore la reprise de la célèbre Vierge byzantine de Luc dans le trésor de la cathédrale de Freising en 1629, qui avait déjà été modifiée vers 1330.

Outre les questions de contexte et d’état de conservation, il y a aussi des considérations de matériel et de technologie qui doivent être adressées à une œuvre d’art médiévale.

La recherche le reconnaît de plus en plus, de sorte qu’aujourd’hui, aucune conclusion fondamentale et de grande portée sur l’histoire de l’art d’une œuvre ou d’un ensemble d’œuvres – par exemple lors du traitement de catalogues d’inventaire – ne peut être tirée sans consulter des experts en restauration et en technologie de l’art.

La connaissance des matériaux et des techniques artistiques est également importante pour les objets médiévaux, car nous avons affaire à des matériaux et des méthodes de traitement très précieux et parfois extraordinaires à cette époque. Ainsi, les métaux précieux tels que l’or et l’argent ont joué un rôle majeur, non seulement dans l’art de l’orfèvrerie, qui est l’un des genres médiévaux les plus importants, mais aussi en relation avec la peinture et la sculpture.

De nombreuses œuvres picturales sont (ou ont été) décorées de façon élaborée avec des feuilles d’or ou d’argent en plus de leur cadre coloré, qui non seulement évoquait une apparence noble mais soulignait également la signification du modèle ou des événements visibles dans l’image.

En harmonie avec les murs de l’architecture de l’église, qui à l’origine étaient également partiellement ou totalement colorés – aujourd’hui la plupart du temps à peine visibles – nous devons donc imaginer l’image autrefois extrêmement solennelle d’une œuvre d’art totale, composée de peintures murales ou de mosaïques, d’arsenaux d’autels précieusement revêtus, de vitres chatoyantes comme des pierres précieuses, et des reliquaires, sculptures et peintures sur panneau brillants d’or et de couleurs dont était meublée une église médiévale. Les pigments utilisés pour les peintures, tels que l’exotique lapis-lazuli importé d’Afrique, faisaient également partie des matériaux précieux et coûteux utilisés tant dans la peinture sur panneau que dans l’enluminure, qui ont fleuri au Moyen Âge et avec lesquels les manuscrits liturgiques et profanes en scriptoria monastique et plus tard séculière étaient décorés artistiquement et dans une grande variété.

Avec le thème de l’enluminure, qui doit toujours être considérée en relation avec le texte qu’elle décore et illustre, nous touchons au cosmos de l’art des trésors, qui a joué un rôle particulier au Moyen Âge.

Alors qu’à l’époque post-médiévale, les genres prédominants étaient les cycles de fresques sur les plafonds et les murs, les peintures de petit et de grand format, principalement à l’huile sur toile, ainsi que les sculptures et les sculptures, au Moyen Âge, au moins jusqu’au XIIIe siècle, nous avons également affaire à des œuvres de petit à très petit format. Créés à partir des matériaux les plus précieux et réalisés avec le plus grand savoir-faire, ils comprenaient des panneaux et des diptyques sculptés dans l’ivoire, des récipients reliquaires en cristal de roche ou en or et argent, souvent richement décorés de pierres précieuses, de perles, de pierres de taille antiques, d’émail coloré chatoyant et d’autres techniques de fusion, des peintures miniatures sur parchemin ou de petites sculptures en bronze comme des crucifix et des aquamanilies.

L’historien de l’art Hanns Swarzenski (1903-1985) a démontré de façon éclatante l’importance de ces œuvres d’art microscopiques pour le Moyen Âge dans un ouvrage novateur publié en 1954 sous le titre programmatique de « Monuments de l’art roman ». Il a contribué de façon décisive à ce que ces œuvres d’un raffinement artistique et d’un contenu fonctionnel des plus élevés du domaine des « arts et métiers », jusqu’alors assez peu valorisées dans l’histoire de l’art, deviennent le centre du débat scientifique sur l’art médiéval.

Outre les genres spécifiques tels que les reliquaires, les tombeaux ou l’enluminure déjà mentionnée, ce sont surtout les modes de représentation et les phases stylistiques changeantes qui constituent l’art entre environ 600 et 1400.

On peut généralement supposer que, contrairement aux périodes ultérieures, les commissaires et les artistes de l’époque étaient moins préoccupés par une représentation du monde réel et visible que par une forme d’illustration de l’événement chrétien du salut ou des idées princières de « monde » et de « règle » qui étaient hiérarchisées sous divers aspects.

Toutefois, cette déclaration générale ne doit pas être comprise comme signifiant que les tendances au naturalisme étaient totalement étrangères au Moyen-Âge – au contraire. La représentation des plantes et des animaux, de l’homme et de « l’environnement » a joué un rôle majeur dans la conception picturale, les questions telles que la perspective et l’espace jouant également un rôle important, bien que dans un sens différent de celui auquel nous sommes habitués depuis l’art de la Renaissance.

Mais il est vrai que l’antiquité joue un rôle important dans l’architecture et l’art pictural médiévaux. De la salle de la porte de Lorsch et de la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle à la cathédrale de Spire ou au troisième bâtiment de l’abbatiale de Cluny, on trouve partout des échos de formes de construction anciennes ou des éléments décoratifs architecturaux d’origine romaine. La situation est similaire pour les œuvres picturales : Dans l’enluminure carolingienne ainsi que dans les travaux d’orfèvrerie de Nicolas de Verdun à partir de 1200 environ, des modèles anciens scintillent, ce qui n’est pas surprenant au vu des ruines et des débris anciens encore visibles en de nombreux endroits au Moyen Âge, d’autant plus que l’Antiquité et sa culture n’ont jamais été complètement oubliées. Ainsi, des petites œuvres d’art luxueuses et très appréciées de l’époque romaine, telles que des pierres précieuses et des camées, des récipients taillés dans du cristal de roche ou des pierres précieuses, et des pièces de monnaie et des médailles remplissaient les chambres au trésor séculaires et ecclésiastiques.

Enfin, il y a une autre caractéristique qui distingue l’art médiéval de celui des temps plus tardifs : il s’agit très clairement d’un art de commande.

Jusqu’aux XIIe et XIIIe siècles, presque aucune œuvre d’art n’a été créée sans commande. En règle générale, ce n’est pas l’artiste qui est responsable de l’apparence d’une œuvre, mais la personne au nom de laquelle elle a été commandée et pour laquelle il ou elle a payé. Les princes, les rois, la petite noblesse ou même les empereurs romains en sont tout autant responsables que les représentants du clergé, les évêques et les abbesses, les chanoines et les chanoines ; à partir du XIIIe siècle, les villes et leurs représentants apparaissent de plus en plus souvent sur la scène en tant que clients.

Les artistes jouaient un rôle plutôt secondaire dans cette structure, c’est pourquoi – à quelques exceptions près – ils n’étaient généralement pas tenus en très haute estime et ne sont donc que très rarement connus de nom.

Au Moyen-Âge, il n’y avait pas de marché de l’art de caractère moderne ; seul le commerce des pèlerins est redevable d’un commerce d’objets de dévotion préfabriqués tels que les signes de pèlerinage ou les ampoules conservées de Monza ; à partir du XIIIe siècle et de plus en plus au XIVe siècle, on a commencé à tenter de produire des œuvres picturales pour le marché. Néanmoins, le travail à la commission est resté longtemps la forme prédominante de la production picturale.

Au terme de ces brèves et générales réflexions, il convient de signaler un fait trop souvent oublié ou trop peu ancré dans les consciences : le Moyen-Âge n’est pas une époque statique.

De nombreuses personnes à qui l’on confiait la production d’œuvres de construction et de peinture – des artistes tels que des peintres, des peintres au tonneau, des doreurs, des tailleurs de pierre, des maîtres d’œuvre et des œuvres de construction entières, mais aussi des menuisiers et autres artisans, des orfèvres, des émailleurs et des meules de pierre, ainsi que des clients de toutes sortes – étaient extrêmement mobiles et parcouraient souvent de très longues distances. Cela s’applique non seulement à l’art de l’époque des croisades et à l’échange étroit entre l’Orient et l’Occident qui lui était associé, mais aussi à presque tous les siècles et dans toutes les directions.

En outre, les supports tels que les livres de patrons, les modèles, les plans et les fissures ont également migré et ont pu être transmis de main en main, d’atelier en atelier. Tout cela a eu pour effet de généraliser les motifs et les idées, les plans et les caractéristiques iconographiques ainsi que les phénomènes et les techniques stylistiques, ce qui nous confronte aujourd’hui à des questions souvent insolubles de datation et de localisation.

Mais en même temps, la reconnaissance de la grande mobilité de l’art médiéval favorise notre compréhension de l’aspect global et en réseau et des conditions dans lesquelles ces œuvres fascinantes, qui proviennent d’un passé lointain, ont été créées.