Le tilleul

par Thomas Stiegler

Dans le dernier article, nous avons traité de la grande forme du « tilleul ». Aujourd’hui, nous faisons un pas de plus et nous examinons la chanson de plus près.

« Der Lindenbaum » fait partie du cycle de chansons « Die Winterreise », le drame de l’âme d’un vagabond solitaire.

Si vous regardez attentivement le texte, vous remarquerez qu’il est divisé en quatre parties.

Les deux premiers vers évoquent une idylle : « Je rêve dans son ombre… » et nous rappellent notre passé commun : « Il s’est déplacé dans la joie et la tristesse… ».

Les versets trois et quatre racontent des expériences actuelles. « Je dois me promener aujourd’hui, moi aussi… » À propos du désir que l’arbre déclenche pour trouver un point de repos dans la vie agitée du vagabond : « Ici, tu trouveras ton repos ».

Soudain, le vent lui souffle au visage et lui fait tomber le chapeau sur la tête. Mais le vagabond reste provocateur et ne se détourne pas, mais continue son chemin.

Dans le sixième couplet, le désir ressort à nouveau. Le vagabond est maintenant loin de son arbre bien-aimé et se languit de la paix qu’il pourrait y trouver.

Mais y aspire-t-il vraiment ? N’est-ce pas plutôt le désir d’errer toujours dans le désir ?

Comment Schubert a-t-il traduit cela dans sa composition ?

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Dans le prélude au piano (0:00 – 0:25), il laisse émerger l’ambiance idyllique du début du poème. Les triplés ascendants et descendants, calmes et ondulants, représentent le doux murmure du vent dans les feuilles du tilleul. A 0h18 et 0h23, on croit entendre des cors de chasse au loin (quintes de cors dans le piano).

Dans le premier verset (0:26 – 1:21), l’errant rêve lui-même au lieu de son désir. A l’endroit où il a passé tant de temps dans « la joie et la souffrance ». Schubert compose ici avec les moyens les plus simples. Probablement aussi pour préciser que le protagoniste était plus jeune et « plus simple » à l’époque.

Dans la voix, il utilise principalement les notes des triades correspondantes et le rythme prend un cours calme et légèrement exalté. En outre, la mélodie reste presque la même et ne change qu’à quelques endroits.

Le piano assure également cette ambiance calme et détendue en se subordonnant au chant et en jouant autour de la voix chantée de façon clairsemée.

Dans le premier interlude (1:22 – 1:32), l’humeur change. Bien qu’il soit très similaire au Prélude, il s’agit là encore de triolets avec la même fin : huitièmes pointillés, seizièmes, quatrièmes. Mais pour augmenter la tension, la section est réduite à la moitié du nombre de mesures. L’harmonie devient nuageuse, du majeur au mineur.

Une courte note sur le ton genre.

Les sons peuvent sonner à l’unisson, par exemple comme une mélodie, ou ensemble comme un son ou un accord. Nous le savons grâce à la musique pop, où la guitare joue les accords principaux.

De toutes les harmonies possibles, deux « genres », le majeur et le mineur, se sont imposés avec le début du baroque.

Nous percevons le major comme un être brillant et joyeux. Il est surtout utilisé pour des morceaux de musique vivants. Dans la musique pop aussi, on entend généralement des chansons en majeur.

Minor apparaît sombre et mélancolique. Dans la musique actuelle, elle est souvent utilisée pour des ballades ou des chansons tristes.

Nous avons vu que la musique de « Lindenbaum » est passée du majeur au mineur dans l’interlude. Au début du deuxième verset, cela résonne encore, car la nouvelle harmonie traverse la partie allant de « Je dois aussi aujourd’hui … » à  » … fermer les yeux » (1:32 – 1:59).

On peut très bien voir sur l’enregistrement comment Fischer-Dieskau exprime la nouvelle ambiance. Comment il baisse la tête et tombe apparemment en deuil.

La musique de Schubert est très basée sur le texte et l’ambiance de la « nuit profonde » et de la « nuit sombre ».

Dans l’accompagnement, on entend comment l' »errance » est représentée par un mouvement de roulement. À mon avis, il y a un niveau plus profond à ce stade. Dans le triplet, le désir d’errer, dans le huitième pointillé, l’hésitation, l’hésitation à s’arrêter après tout. Et puis la décision de recommencer.

Avec « Et ses branches … » on revient à l’idylle. L’harmonie redevient majeure. L’accompagnement au piano renforce ce dispositif en enrichissant le son en soutenant la voix par tiers.

A 14h30, un accent Sforzato, comme un coup de tonnerre, déchire l’accord. Le doux murmure du vent s’est transformé en tempête. Les chaînes de triolets deviennent plus sauvages en raison des changements de position et de l’espacement supplémentaire des notes, intensifiés par les sforzati (accentuation soudaine) sur les accords individuels.

Le chant est réduit à des lambeaux de motifs et de répétitions de tons. Ici, le chant n’est plus beau, mais plutôt la récitation et la parole. Peut-être Schubert voulait-il exprimer qu’il est impossible de chanter une chanson dans une tempête.

Dans l’intermède (à partir de 2:49), la tempête s’éloigne et tout se calme à nouveau. Nous revenons à l’ambiance du début et entendons le signal du klaxon qui nous est déjà familier.

Dans le quatrième verset (3:05 – 4:19), le vagabond est différent de celui d’avant. La mélodie du chant est la même que dans le premier couplet, mais l’accompagnement rappelle ce qu’il a vécu.

Schubert compose ici sur deux niveaux. D’une part, le vagabond dans l' »ici et maintenant », d’autre part, son rêve et son désir d' »avant et là-bas ».

Il l’illustre musicalement, le chant reprenant la mélodie du premier couplet de tilleul, tandis que le piano reprend l’accompagnement du deuxième couplet, le Wanderer, qui n’est modifié qu’à quelques endroits.

Une astuce remarquable !

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Le postlude est la répétition littérale du prélude, mais sans signaux sonores.

Grâce à la répétition, la chanson est équilibrée et se termine dans le même état d’esprit de base que celui dans lequel elle a commencé.

Mais seule la musique se termine de la même façon. Le vagabond, et dans le meilleur des cas aussi l’auditeur, a changé et entend ce passage différemment qu’auparavant.

On voit ce qui se cache sous l’apparente simplicité de la chanson pour une richesse de procédés musicaux, de drames et de développement.

Et comme Schubert l’a merveilleusement composé.

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