L’école de Mannheim –

die Mannheimer Schule

de Anja Weinberger

L’école de Mannheim –
l’orchestre symphonique du futur voit le jour

Le 31 décembre 1742, Charles IV Théodore entre en régence en tant que comte palatin, prince-électeur du Palatinat et duc de Jülich-Berg, comme prévu depuis l’âge de 10 ans. Il succède à Charles III Philippe du Palatinat, dont il n’avait épousé la petite-fille Elisabeth Auguste qu’en janvier de la même année. Il est né Karl Theodor von Pfalz-Sulzbach (1724 – 1799), de la lignée palatine de la maison Wittelsbach. L’ensemble de son règne aura une énorme importance pour le développement culturel de la région du sud de l’Allemagne dans le champ de tension Mannheim – Munich.

Son prédécesseur, le comte palatin Karl III Philipp, avait déjà transféré la résidence de Heidelberg à Mannheim en 1720, après de longues tergiversations. C’est dans ce contexte qu’il a posé la première pierre de ce qui allait devenir la chapelle de la cour de Mannheim. Il trouva les musiciens nécessaires entre autres à Innsbruck, où il vivait encore peu de temps auparavant, et à Düsseldorf, la résidence de son prédécesseur. Carlo Luigi Grua (1700 – 1773) fut désigné comme maître de chapelle de cette nouvelle formation musicale. Celui-ci était déjà venu à la cour avec son père alors qu’il était encore un garçon, à Düsseldorf. Il y reçut une formation complète. Par la suite, Grua fut également nommé directeur de l’opéra et la maison d’opéra, construite pour les festivités du mariage du futur prince électeur Karl Theodor, fut inaugurée en 1742 avec son opéra de fête « Meride ».

Et à partir de 1743, le destin de l’orchestre était donc entre les mains de Karl Theodor. Les débuts furent plutôt lents, l’orchestre était déséquilibré et moyennement composé. Karl Theodor lui-même ne se sentait pas heureux à Mannheim et envisagea de déménager à Düsseldorf. Mais à l’automne 1747, pour diverses raisons, les eaux agitées se calmèrent et le prince électeur fit imprimer un calendrier de la cour et de l’État pour l’année suivante. Cela eut un effet de signal et fut également compris comme tel par la chapelle de la cour. Karl Theodor était un souverain éclairé, cultivé, voire intellectuel. Il encouragea les sciences et les arts bien au-delà de ce qui était habituel chez les souverains. Sous son règne, Mannheim deviendra bientôt une brillante ville de résidence. Il aimait la musique et jouait lui-même assez bien de la flûte et du violoncelle. Un grand orchestre bien sonnant lui semblait donc tout indiqué pour représenter sa puissance et sa richesse nouvellement acquises. Dans les années à venir, la crème de la crème du monde musical allait s’installer à Mannheim ou conquérir le monde à partir de là. Tout a commencé par un véritable coup de chance, l’engagement de Johann Stamitz.

Johann Stamitz (1717 – 1757) est né en Bohème dans la ville de Deutschbrod, son père était l’organiste de la ville. Au lycée jésuite, il entra en contact avec la musique italienne et reçut une formation de haut niveau. Il étudia ensuite la philosophie à l’université de Prague à partir de 1734. Depuis le couronnement de Charles VI, de nombreux compositeurs italiens avaient séjourné à Prague plusieurs années auparavant et Stamitz a donc pu découvrir la symphonie de concert italienne. Sa virtuosité très précoce indique en outre qu’il a dû faire des études de violon très approfondies. En 1742 au plus tard, il fut admis comme violoniste dans l’orchestre de la cour de Mannheim. En 1743, Karl Theodor nomme le violoniste virtuose premier violon de la musique de cour de Mannheim. Et en 1747, Stamitz commença à développer systématiquement la classe de violon. Il fit notamment venir dans l’orchestre les frères Johannes et Carl Joseph Toeschi, tous deux excellents violonistes et fils d’Alessandro Toeschi, le deuxième premier violon de l’orchestre de Mannheim, originaire d’Italie.

Ce qui va de soi aujourd’hui a été quasiment « inventé » par Johann Stamitz à Mannheim : un coup d’archet uniforme des cordes et le fait de commencer et de terminer la musique ensemble, suggéré par un geste du directeur de la musique instrumentale. Avec le temps, l’orchestre s’est considérablement agrandi et des instruments à vent ont également été ajoutés.

L’année 1753 apporta plusieurs changements. Une deuxième scène d’opéra fut construite dans la résidence d’été de Schwetzingen. Cela signifiait bien sûr un surcroît de travail important pour l’orchestre. Afin de soulager Stamitz, le Viennois Ignaz Holzbauer (1711-1783) fut appelé à Mannheim comme maître de chapelle supplémentaire, surtout pour le théâtre. Holzbauer était également très cultivé, jouait de plusieurs instruments et chantait. Ses opéras l’avaient rendu célèbre et dominaient l’affiche dans les années cinquante. Il étendit à tous les groupes vocaux de l’orchestre le travail de développement cohérent et minutieusement pensé par Stamitz. En outre, il veilla à ce que de nouvelles recrues arrivent, y compris dans l’ensemble vocal. D’excellents musiciens ont été engagés de manière ciblée. Le compositeur, chanteur et violoniste Franz Xaver Richter (1709 – 1789), les deux violoncellistes Antonin Fils (1733 – 1760) et Innocenz Danzi (vers 1730 – 1798), les hautboïstes Friedrich Ramm (1745 – 1813) et Ludwig August Lebrun (1752 – 1790), le flûtiste Johann Baptist Wendling (1723 – 1797) et le violoniste Wilhelm Cramer (1746 – 1799) arrivèrent à Mannheim au cours des années suivantes, tous des grands de leur profession. Par leurs fréquentes tournées dans les métropoles musicales du monde de l’époque, ils contribuèrent en outre à répandre la bonne réputation de l’orchestre de la cour de Mannheim. Et le plus important – ils enseignaient aussi tous. En effet, outre les musiciens expérimentés, de jeunes élèves, souvent leurs propres enfants, étaient éduqués dès le début dans leur propre esprit. Cela devait être à long terme la recette du succès de Mannheim : travail d’équipe et investissement dans la jeunesse.

Le meilleur exemple en est le violoniste Christian Cannabich (1731 – 1798), né à Mannheim et élève de Johann Stamitz dès l’âge de 10 ans. A 12 ans, il rejoint la chapelle de la cour en tant que scholar, et trois ans plus tard, il est musicien de la cour.

Mais l’éducation orchestrale n’était pas la seule nouveauté dans le Palatinat. L’école de Mannheim se considérait également comme une école de composition. Il s’agissait d’une part d’apprendre le métier de compositeur et d’autre part d’acquérir des expériences pratiques avec les nouvelles œuvres de nombreux compositeurs allemands et étrangers. Les élèves particulièrement doués étaient envoyés en Italie pour des séjours d’études aux frais du prince électeur.  C’est le cas de Christian Cannabich qui, de 1750 à 1756, séjourna à Rome chez Niccolò Jommelli et à Milan chez Giovanni Baptista Sammartini. Après la mort prématurée de Johann Stamitz, Cannabich reprend ensuite le poste de premier violon en 1758 et devient ainsi le directeur du plus célèbre orchestre de l’époque. Dans les années qui suivirent, il composera 70 symphonies et plus de 40 musiques de ballet, deviendra un chef d’orchestre et un pédagogue d’orchestre très respecté et enseignera à de nombreux élèves. Parmi eux, les fils de son prédécesseur, Carl et Anton Stamitz. Ces deux derniers n’étaient d’ailleurs pas seulement des violonistes virtuoses, mais jouaient et composaient également pour l’alto. L’un des premiers concertos pour alto a été composé par Carl Stamitz, qui a connu un grand succès dans toute l’Europe et qui fait encore aujourd’hui partie du répertoire standard de tout altiste.

Dans sa double fonction de professeur de composition et de chef d’orchestre, Cannabich a formé l' »atelier d’orchestre » de Mannheim. Et ses propres œuvres orchestrales reflétaient les énormes capacités techniques de l’orchestre, ce qui n’avait jamais été le cas auparavant à un tel degré. Les musiciens de Mannheim ont misé sur la variété et la surprise, sur des motifs mélodiques plus petits, traités de manière presque théâtrale. Ce nouveau langage orchestral très expressif fut plus tard qualifié de « Mannheimer Manieren » par Hugo Riemann. Grâce à la perfection technique de l’orchestre de la cour, le crescendo et la dynamique des contrastes parfaitement maîtrisée ont fait forte impression. Les mots clés « Mannheimer Seufzer », « Mannheimer Rakete », « Mannheimer Walze », « Mannheimer Bebung » et « Vogelchen » sont passés dans le langage musical courant.

Cannabich, ses élèves et ses collègues ont composé une musique orchestrale d’un genre nouveau, qui utilisait surtout les instruments à vent existants de manière différente pour la sonorité globale. Jusqu’alors, les bois et les cors n’étaient utilisés que pour doubler les violons ou renforcer l’harmonie. Désormais, ils gagnent en autonomie, ils ont souvent leur propre matériau thématique soliste, qui n’apparaît pas du tout chez les cordes. Ils sont conduits de manière plus différenciée, couplés en duos ou en trios, afin de créer de nouvelles variantes sonores.

Et deux autres changements importants dans la sonorité de la musique d’orchestre eurent alors lieu presque simultanément. A partir de 1758, le son des instruments à vent se transforma encore une fois à Mannheim, car la clarinette, nouvel instrument à l’époque, fut utilisée dans les œuvres composées pour l’orchestre. En outre, l’école de Mannheim gagna un ambassadeur dans tout le monde musical en la personne du « staroboiste » de l’époque, Ludwig August Lebrun. Lebrun épousa Franziska Dorothea Danzi, la fille d’Innocenz Danzi, l’une des chanteuses les plus remarquables et les plus célèbres de son époque. Le couple a voyagé dans toute l’Europe et a étonné par une présence scénique commune parfaitement coordonnée et quasiment artistique. De nombreux compositeurs ont créé pour eux des arias avec hautbois obligé. Il est intéressant de noter que Franziska Dorothea n’était pas seulement la sœur de Franz Danzi, mais aussi la nièce de Carl Joseph Toeschi (voir ci-dessus). Le fait que des dynasties entières de chanteurs, de compositeurs et d’instrumentistes soient restées pendant des décennies à la chapelle de la cour a contribué à la précision et à la communauté uniques de l’orchestre de Mannheim. De nombreux musiciens de haut niveau recrutés à l’extérieur s’installèrent non seulement à Mannheim, mais transmirent également leur savoir-faire et leurs connaissances non seulement à leurs élèves, mais aussi à leurs propres enfants, au cours de leurs 25 années de service. De nombreux liens d’amitié et de parenté entre les musiciens sont documentés.

Et le deuxième changement radical, au moins aussi important : à partir de 1760, les habitants de Mannheim ont de plus en plus renoncé au clavecin et au luth, et donc à la basse continue. Et c’est d’ailleurs aux compositeurs de Mannheim que nous devons l’introduction du menuet comme mouvement supplémentaire avant le final d’une symphonie.

Ce furent donc les étapes décisives vers ce que l’on appelle l’orchestre symphonique classique et la symphonie classique. Et comme, année après année, des milliers de visiteurs issus de la haute noblesse, mais aussi de nombreux artistes, des voyageurs instruits et des mélomanes venaient à Schwetzingen et Mannheim pour assister aux concerts de la cour et aux représentations d’opéras, la réputation de l’orchestre et de sa musique se répandit comme un tonnerre. Mozart, Haydn et Beethoven ont alors utilisé ce son orchestral comme base de leurs symphonies. Jusqu’à aujourd’hui, cela n’a guère changé.

Les musiciens de la cour pouvaient bien sûr aussi briller avec des concertos pour solistes, qu’ils écrivaient en général pour eux-mêmes ou pour un élève. Le nombre de concertos de cette époque est vraiment considérable. Johann Stamitz (14 concertos pour flûte et probablement le premier concerto pour clarinette), Carl Stamitz (15 concertos pour violon, 7 concertos pour flûte, 4 concertos pour violoncelle et 11 concertos pour le « nouvel » instrument qu’est la clarinette, dont le n°3 en si bémol majeur est aujourd’hui encore exigé lors des examens d’entrée dans les conservatoires), Franz Danzi, Christian Danner, Ignaz Fränzl, Ludwig August Lebrun (entre autres 6 concertos pour violon et piano). concertos pour hautbois), Alessandro Toeschi, Jean Baptist Wendling, Antonin Fils et Franz Xaver Richter.

Bien sûr, on écrivait aussi de la musique de chambre. Franz Danzi s’est surtout illustré avec ses quintettes à vent pour flûte, hautbois, clarinette, cor et basson, une formation « inventée » quelques années plus tôt par Anton Reicha. Au fond, on peut considérer qu’il s’agit d’une continuation du travail d’orchestre, car les cinq voix de vents sont dirigées par lui de manière hautement virtuose, avec une belle sonorité et pour ainsi dire « symphonique », une véritable nouveauté dans la musique de chambre, qui est encore aujourd’hui très appréciée et souvent jouée. Les habitants de Mannheim ont également participé au développement du genre « quatuor à cordes ». Les publications de quatuors de Franz Xaver Richter (1709 – 1789) sont, après l’op.2 de Boccherini, les premières dans lesquelles la quatrième voix est désignée par « violoncelle » et non plus par « basse » (donc « basse continue »). L’indépendance et la virtuosité que le compositeur accorde à chacun des quatre instruments sont presque sans précédent pour les débuts du quatuor à cordes. Cela ne nous étonne pas et est extrêmement logique au regard du travail orchestral de l’école de Mannheim (voir ci-dessus). Grâce à Haydn, Mozart et Beethoven, le quatuor à cordes finit par devenir LA formation de musique de chambre par excellence.

La bonne rémunération des musiciens, surtout en temps réel, était également inhabituelle. En plus de leur salaire fixe, ils recevaient également une indemnité d’habillement et des prestations en nature. Une sorte d’allocation sociale était même versée si une famille de musiciens tombait dans le besoin suite à la maladie ou au décès du principal soutien de famille, ce qui était extrêmement inhabituel à l’époque. Des travaux supplémentaires comme la répétition, la copie ou autres permettaient de gagner un peu plus d’argent. Mais ce sont les compositions prêtes à être jouées qui étaient les mieux payées.

Ce salaire inhabituellement sûr et très généreux ne pouvait être versé que parce que l’épouse de Johann Wilhelm von der Pfalz, Anna Maria Luisa de’ Medici, avait déjà mis à disposition, deux générations auparavant, une somme d’argent très généreuse pour l’existence et le maintien de la chapelle de la cour, qui ne devait être utilisée pour rien d’autre.

Wolfgang Amadeus Mozart est venu pour la première fois à Mannheim à l’âge de sept ans, en 1763. Il était déjà considéré comme un enfant prodige et avait fait une tournée de concerts avec son père Léopold. Il a joué deux concerts pour Karl Theodor dans sa résidence d’été de Schwetzingen. Leopold Mozart décrit déjà l’orchestre comme « le meilleur d’Allemagne ». Pour la deuxième fois, Wolfgang voyagea avec sa mère pendant plusieurs mois de l’année 1777 et logea chez Cannabich. Il donna quelques leçons de piano à sa fille Rosine et lui dédia la sonate pour piano KV 309. Mozart souligna à plusieurs reprises l’attitude attentionnée et amicale de Cannabich dans des lettres adressées à son père et il décrivit Cannabich comme « le meilleur directeur qu’il ait jamais vu ».

Le jour de la fête du prince électeur, Mozart se produit alors en tant que pianiste dans la salle des chevaliers, c’est-à-dire la salle de concert de la cour, avec la musique de la cour. Et il découvre l’amour à Mannheim ! Son cœur s’enflamme pour Aloisia Weber, soprano colorature de la cour et fille du contrebassiste et copiste Fridolin Weber. Malheureusement, le jeune amour ne se concrétise pas. Cependant, ils se retrouvent des années plus tard à Vienne et Mozart épousera quelques mois plus tard la sœur d’Aloisia, Constanze. En 1778, Mozart dédie ses 6 sonates pour violon KV 301-306 à la princesse électrice Elisabeth Auguste et souligne dans le texte de la dédicace à quel point les nombreux compositeurs musiciens de Mannheim et leurs chefs-d’œuvre l’ont impressionné et influencé. De plus, il rapporte chez lui : « L’orchestre est très bon et fort… il est possible de faire une très belle musique ».

Lors de son dernier séjour à Mannheim, les 23 et 24 octobre 1790, il dirige son « Figaro » au Théâtre national. Son fauteuil de chef d’orchestre est conservé, mais les flammes le détruisent pendant la Seconde Guerre mondiale.

En 1771, Georg Joseph Vogler, plus tard gen. Abbé Vogler (1749 – 1814), à Mannheim. Ce fils de luthier, doué pour la musique, avait étudié le droit spirituel et profane et avait reçu une bourse du prince électeur Karl Theodor pour un voyage de deux ans en Italie. Ordonné prêtre et de retour d’Italie, il occupa en 1776 le deuxième poste de maître de chapelle aux côtés d’Ignaz Holzbauer. En outre, il se consacra à sa grande passion, l’éducation populaire. La première école de musique pour tous vit le jour. Vogler n’a pas eu la vie facile à Mannheim, ses méthodes d’enseignement et d’éducation n’ont pas été bien accueillies. Mais ce qui est particulièrement important pour nous, qui sommes nés après lui, c’est que sa revue « Betrachtungen der Mannheimer Tonschule » (Considérations sur l’école de musique de Mannheim) décrit bien et de manière détaillée la stylistique de la chapelle de la cour et de l’école qui y était rattachée. Il a également acquis de l’importance en tant que théoricien de la musique.

En 1775, l’ancien arsenal de Mannheim fut transformé en théâtre national allemand. Jusqu’alors, les spectacles français et les opéras italiens dominaient le programme. Désormais, des œuvres allemandes devaient s’y ajouter, car jouer exclusivement en langue allemande était considéré comme une innovation. Le visiteur pouvait d’abord admirer des pièces de théâtre et des singspiele, puis le mélodrame, un genre entièrement nouveau, fit son apparition.

Bien qu’il ait vu le jour en France, ce n’est qu’en Allemagne, dans les années 1770, qu’il s’est établi en tant que genre musical à part entière. Cela est probablement dû à la nature même de la langue allemande. En effet, l’opinion prévalait que la langue allemande était trop lourde pour être chantée. Dans le mélodrame, la langue parlée était associée à la musique instrumentale, et on ne trouvait que très rarement des passages chantés. Une fois de plus, les habitants de Mannheim participèrent à ce nouveau départ, une fois de plus, une grande histoire allait commencer avec le Nationaltheater Mannheim.

L’un des points culminants des années suivantes devait être la première représentation du drame de Schiller « Les Brigands » sur cette scène et bien sûr « Figaro » de Mozart (voir ci-dessus). Mais malheureusement, la chapelle de la cour de Mannheim n’existait déjà plus sous cette forme. En effet, le 30 décembre 1777, l’électeur bavarois Max III Joseph de Bavière mourut et Charles Théodore du Palatinat dut, comme le prévoyait l’union de la maison, transférer sa cour à Munich. Au passage, cela donna naissance au troisième plus grand complexe de pays du Saint Empire romain germanique et la huitième dignité électorale, à savoir celle du Palatinat, s’éteignit. Les deux chapelles de la cour furent réunies à Munich, mais ne purent plus jamais briller de la même manière.

Pendant exactement 35 ans, le Palatinat électoral et la ville de Mannheim ont donc été l’un des principaux centres musicaux d’Europe. Le grand engagement financier et idéel de Karl Theodor, de ses musiciens et de ses acteurs résonne encore aujourd’hui.

Bibliographie utilisée :

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