Gabriel Fauré e Claude Debussy

da Anja Weinberger

Gabriel Fauré e Claude Debussy – Contemporanei nella Francia di fine secolo

Gabriel Fauré e Claude Debussy erano contemporanei.  Fauré è nato in Francia nel 1845 e Debussy nel 1862. In senso stretto, erano separati da quasi un’intera generazione, 17 anni, ma entrambi facevano parte di questo periodo emozionante, a cui furono dati nomi diversi come Fin de Siècle, Belle Époque o Année folles.  Entrambi hanno avuto molto successo con la loro musica e straordinariamente presenti nella vita culturale della loro patria, entrambi hanno lasciato opere molto speciali per il nostro bellissimo strumento. Eppure c’è una grande differenza. Il nome Fauré non è proprio familiare a tutti, mentre con Debussy lo si conosce subito. E ancora più strano: la musica di Fauré è in realtà estremamente popolare, suonata frequentemente. Eppure rimane uno dei grandi sconosciuti della musica classica, perso nella “nebbia impressionista”.

Perché?

Gabriel Urbain Fauré è nato nel 1845 a Pamiers, nell’estremo sud della Francia, vicino a Carcasonne. Lì, il ragazzo ancora molto giovane ha mostrato chiari segni di un eccezionale talento musicale suonando intuitivamente su un armonium. Non c’era musica in famiglia, quindi ricevette lezioni di pianoforte, presumibilmente da un insegnante di musica all’École normale, dove suo padre aveva assunto l’incarico di direttore nel 1849. All’età di 8 anni, i suoi progressi erano già così grandi che la famiglia fu consigliata di mandarlo all’École Niedermeyer di Parigi. Finanziariamente, però, questo sarebbe stato un peso troppo grande, così che dovettero prima cercare una borsa di studio parziale. Un anno dopo, nel 1854, era arrivato il momento e Gabriel poteva iniziare i suoi studi. Rimase all’École Niedermeyer fino al 1865.

La scuola, ben strutturata, offriva ai ragazzi l’istruzione in materie educative classiche e un’educazione musicale e storico-musicale veramente completa. Dalla musica gregoriana alla letteratura organistica e corale dell’inizio del XIX secolo e al periodo classico viennese, gli alunni sono stati introdotti a tutto. E all’École Niedermeyer, Gabriel incontrò anche Camille Saint-Saëns, di 10 anni più grande di lui, che prese in mano la scuola dopo la morte di Niedermeyer nel 1861 e si prese cura in particolare di Fauré, uno studente di soli 10 anni più giovane. Sotto la guida di Saint-Saëns, il curriculum fu modernizzato e si poterono studiare anche opere contemporanee di Liszt, Wagner e Schumann. Saint-Saëns e Fauré rimasero amici per tutta la vita, anzi Fauré riveriva il suo mentore con un rispetto commovente.

Senza essere particolarmente religioso, Gabriel Fauré lavorò come organista fin da giovane, prima a Rennes, poi a Parigi (anche alla Madeleine) e dintorni. Suonare l’organo gli procurava da vivere, ma non poteva ispirarlo veramente. Dava anche lezioni di pianoforte e accompagnava i cori. Forse è così che si è risvegliato il suo grande interesse per la voce umana come strumento.

Fortunatamente tornato illeso dalla guerra franco-prussiana, Fauré fu uno dei membri fondatori della Société Nationale de Musique, che si occupava principalmente di musica strumentale contemporanea di compositori francesi. All’inizio, fu spesso coinvolto come pianista in concerti, soprattutto con opere di Saint-Saëns, ma presto utilizzò questo forum anche per la sua musica.

Nel 1877, la Sonata per violino in la maggiore op.13 di Fauré fu pubblicata da Breitkopf & Härtel. Saint-Saëns aveva previsto che questo lavoro avrebbe segnato l’inizio di una grande carriera per lui, e quella sonata è ancora oggi un’opera molto suonata. La sua stampa in una casa editrice tedesca – piuttosto insolita – fu organizzata dal ricco ingegnere Camille Clerc, nel cui salone di famiglia Fauré amava passare molto tempo.

I saloni, dopo tutto! Gabriel Fauré era apprezzato come brillante improvvisatore al pianoforte e per il suo aspetto piacevole e discreto. Era anche sempre felice di accompagnare i cantanti e di introdurre i bambini della casa allo strumento (anni dopo avrebbe incontrato in questo modo Lili Boulanger di 5 anni).

Nello stesso anno (1877) accompagnò Saint-Saëns a Weimar per la prima della sua opera Samson et Delila. Lì incontrò Franz Liszt e da allora Fauré viaggiò più volte nelle città tedesche (tra cui Bayreuth) per ascoltare le opere di Wagner. Nonostante il grande fascino che la musica di Wagner esercitava su di lui, come sulla grande maggioranza dei compositori, rimase fedele al proprio stile.

Nel 1883, Fauré sposò Marie Fremiet, la figlia di un famoso scultore. Erano uniti più in un matrimonio di convenienza, ma in amicizia, che in grande passione. Negli anni seguenti nacquero due figli, uno dei quali scriverà una biografia di suo padre. Diciassette anni dopo, il grande amore sarebbe entrato nella vita di Fauré. La trovò nella giovane pianista Marguerite Hasselmans, che divenne ufficialmente sua moglie e rimase con lui fino alla sua morte.

Fauré semplicemente non doveva avere fortuna con le grandi opere orchestrali, per esempio le sinfonie. Il suo campo di attività divenne la strumentazione minore, la forma insolita. Anche le sue composizioni per pianoforte erano per lo più notturni, barcarolles e impromptus. E nessuno poteva reggere il confronto con lui in termini di canzoni orchestrali e pianistiche. Nelle sue opere, ha messo in musica poesie di Verlaine e Villiers de l’Isle-Adam, che sono tra i vertici dell’arte canora francese.

Nel 1896, Fauré prese allora la direzione di una classe di composizione al Conservatorio di Parigi nella successione di Massenet, di cui sarebbe poi diventato l’apprezzato direttore dal 1905 al 1920. Nel periodo tra il 1896 e il 1905, tuttavia, per essere finanziariamente sicuro, dovette assumere ulteriori incarichi, che gli occuparono molto tempo ed energie. La composizione è stata un po’ trascurata in questi anni.

Negli anni seguenti, tuttavia, il suo riconoscimento crebbe sia nei circoli pedagogici che tra gli ascoltatori. Fauré era un insegnante molto aperto e tollerante e cercava di accompagnare i suoi studenti di composizione nei loro percorsi individuali. Tra questi allievi c’erano Nadia Boulanger, Enescu, Ravel, Schmitt, Aubert, Kœchlin – in altre parole, il who’s who della nuova generazione. E come compositore celebra ora anche i suoi primi grandi successi all’estero. A Ginevra, c’era già stato un intero festival dedicato unicamente alle sue opere nel 1894. E come direttore del Conservatorio, ha ripulito e rinnovato a fondo il curriculum, cosa che naturalmente non gli ha fatto solo amici. Ma il suo obiettivo era quello di lasciare che tutti gli studenti decidessero da soli quale musica dovesse servire come esempio o stimolo per loro. E per Fauré bisognava includere Wagner o Strauss, il che sarebbe stato impensabile nella Francia di allora.

Così ora era a capo della più prestigiosa istituzione educativa di Francia, finalmente sicuro finanziariamente e riconosciuto socialmente. Nel 1909 fu eletto membro dell’Institut de France e nel 1920 anche Grand Officier della Legion d’Onore.

Ora è stato in grado di rinunciare ai suoi posti aggiuntivi. Dal 1903, la sua unica attività collaterale fu quella di scrivere regolarmente recensioni per il rinomato quotidiano Le Figaro.

Sempre nel 1903, accadde qualcosa di terribile per un musicista: gli fu diagnosticata una perdita progressiva dell’udito, accompagnata anche da distorsioni del suono nei registri superiore e inferiore. Negli anni che seguirono, questo avrebbe pesato molto su di lui, non solo come compositore ma anche come esecutore e ascoltatore.

Gli anni prima della prima guerra mondiale furono un periodo straordinariamente importante per lo sviluppo della musica francese. I giovani compositori cercarono di staccarsi dal wagnerismo e di formare un’Ars gallica indipendente. La fondazione della citata Société Nationale de Musique fu anche molto importante per questo. Nel 1909, la Société musicale indépendante si separò e Fauré ne divenne il primo presidente – un altro segno della sua simpatia di sempre per la musica contemporanea e i suoi compositori.

Fauré era già da tempo all’attenzione dei grandi editori francesi; sia Durand che Heugel continuano a pubblicare le sue opere fino ad oggi. E la sua musica di scena, per esempio Pelléas et Mélisande op. 80, che fu scritta in sole sei settimane, e Prométhée op. 82, godettero di grande successo. La sua unica opera, Pénélope, fu presentata per la prima volta all’apertura del Theatre an den Champs-Elysée e incontrò una risposta entusiasta.

Lo scoppio della guerra ha colto di sorpresa il 69enne durante una cura a Bad Ems. Il ritorno al suo paese d’origine si è poi rivelato piuttosto difficile. Finalmente tornato a Parigi, Fauré continuò a comporre ininterrottamente durante gli anni della guerra, anche se nel frattempo la sua vista si era deteriorata. Sono stati scritti gli ultimi cicli di canzoni, così come la musica da camera – il suo unico quartetto d’archi – e le opere per pianoforte. Tutto è stato accolto con grande entusiasmo dal pubblico. Nelle sue ultime composizioni, non percepiamo nulla della sua sofferenza. Al contrario, le opere sembrano ancora più fresche, più sonore di alcune delle precedenti.

Gabriel Fauré può essere considerato con la coscienza pulita come uno dei pionieri della nuova musica francese. Lui stesso non ha mai frequentato il Conservatorio, ma ha iniziato la sua formazione musicale da ragazzo all’École Niedermeyer. Forse questa è una delle ragioni principali per cui si è lasciato influenzare poco o per niente dalle tendenze – il suo linguaggio musicale si era già formato molto presto. Senza nemmeno abbandonare il linguaggio tonale tradizionale, lo portò ai suoi limiti estremi. Come nessun altro, era in grado di raggiungere armonie lontane attraverso modulazioni veloci e leggere. Eppure rimase sempre fedele alla sua ricerca di forme chiare e di un’eleganza classica. Il suo lavoro è caratterizzato da una così grande colorazione, un melodismo oltraggiosamente fantasioso e una semplicità unica e incantevole che si può veramente parlare di un suono completamente suo. Debussy, a proposito, chiamava Fauré “il maestro della grazia”.

Morì nel 1924, quasi sordo, all’età di 79 anni.

Noi flautisti abbiamo una quantità sorprendente di Fauré nel nostro programma, anche se in realtà ha composto solo due opere per flauto e pianoforte.

La Fantasia op.79 fu scritta nel 1898 per il Concours del Conservatorio di Parigi e da allora è stata suonata con entusiasmo. La bella introduzione elegiaca è seguita da un movimento veloce pieno di cascate melodiche scintillanti, canore, elegiache ed esuberanti.  Anche il Morceau de lecture fu scritto da Fauré, sempre nel 1898 e come suggerisce il nome, come pezzo d’esame per il Conservatorio. È un gioiello della letteratura flautistica, anche se il pianoforte ha una funzione puramente tonale-accompagnatoria, ed è servito come pezzo di lettura a vista negli esami. Come tale, richiedeva una visione d’insieme ritmica e un buon controllo del suono in tutti i registri del flauto Boehm, che si era appena affermato in quel periodo.

Ma noi giochiamo ancora di più! La Sicilienne è originariamente il 3° movimento della suite orchestrale Pelléas et Mélisande. Presumibilmente perché il flauto orchestrale è già molto solista nella versione originale, il compositore fece un arrangiamento per flauto e pianoforte, che purtroppo è andato perso. Così, molti flautisti hanno successivamente creato la propria versione.

La Berceuse op.16 era originariamente un lavoro per violino e pianoforte. Questo pezzo molto precoce divenne una delle opere più popolari di Fauré e fu molto rapidamente pubblicato in arrangiamenti con una grande varietà di strumenti melodici. Allo stesso modo, il Notturno della suite orchestrale Shylock del 1890 e la Berceuse op.56 della suite per pianoforte Dolly.

Il viaggio più sorprendente è stato fatto dalla Pavane op.50, che anche noi amiamo suonare, spesso anche con il flauto contralto. Era originariamente un lavoro per pianoforte con accompagnamento corale opzionale. Fauré stesso ha poi creato diverse versioni per grande orchestra, a una delle quali ha aggiunto poco dopo un coro. Tutte le versioni hanno avuto un successo straordinario. Nel 1917, Léonide Massine ha coreografato una versione di balletto per i Ballets russes. Anche in questo caso, Fauré scrisse un arrangiamento per pianoforte e flauto dopo il grande successo del pezzo – e anche questo purtroppo è andato perduto. Tuttavia, si può ripiegare su alcune versioni fatte dai suoi allievi. La pavane di Fauré ha ispirato molti compositori a riportare in vita questa vecchia forma di danza.

Per inciso, era abbastanza comune presentare le proprie opere in diverse versioni – sia in diverse dimensioni di strumentazione o anche per diversi strumenti melodici. La ragione di ciò era semplicemente le rispettive richieste dei clienti, lo spazio disponibile o la disponibilità attuale dei musicisti. Il desiderio di molti musicisti dilettanti di suonare melodie conosciute sul loro strumento era anche una ragione. Resta da ricordare che la musica poteva essere vissuta solo dal vivo, sia come suonatore che come ascoltatore. La musica in scatola nascerà solo tra qualche anno. Gabriel Fauré fu uno dei compositori più eseguiti e popolari del suo tempo.

Claude Achille Debussy era probabilmente anche una specie di prodigio del pianoforte. Perché la sua angusta casa dei genitori, senza alcuna impronta musicale o artistica, non offriva alcuno stimolo. Nacque nel 1862 a Saint-Germain-en-Laye, una piccola città dell’Île-de-France, dove i suoi genitori gestivano un’attività di porcellana, che però non si rivelò redditizia. Perciò, qualche anno dopo la nascita di Claude, si trasferirono a Parigi e suo padre vi divenne un contabile. A casa, la madre insegnava ai bambini da sola e il piccolo Claude non è mai andato a scuola. Una zia gli diede qualche lezione di pianoforte e fu solo per caso che venne in contatto con Antoinette Mauté, che notò il suo talento. Debussy aveva già nove anni. Fino a questo punto, le due biografie sono davvero molto simili. In soli due anni era pronto – almeno nel suo 1° piano maggiore – per l’esame di ammissione al Conservatorio di Parigi. Il resto è storia…

13 anni dureranno i suoi studi musicali, 13 anni in cui ha attraversato alti e bassi. Ha incontrato insegnanti molto diversi che non erano sempre favorevoli a questo ragazzo e giovane uomo con un talento musicale naturale, come un turbine. In molte materie, Debussy, a differenza dei suoi compagni di scuola, aveva solo conoscenze rudimentali. Ha dovuto recuperare molta teoria, e in uno o due esami, per esempio di armonia, era inizialmente destinato a fallire. Tuttavia, il suo talento per l’improvvisazione nell’accompagnamento del pianoforte lo fece emergere e fu così ammesso a studiare composizione oltre alla sua materia principale, il pianoforte. Nel corso degli anni successivi, trascurerà sempre di più questo modo di suonare il pianoforte e, di conseguenza, otterrà voti più bassi di quelli che ci si aspetta da lui. La sua mente voleva essere occupata in modo diverso; i buoni voti e il superamento degli esami non erano particolarmente importanti per lui. Voleva comporre.

Nei mesi estivi dei primi anni ’80, Claude Debussy accompagnò Nadežda von Meck nei suoi viaggi in Europa. Uno dei suoi insegnanti aveva fatto in modo che lo facesse, e così ha potuto guadagnare il denaro di cui aveva bisogno. Debussy era un partner di musica da camera, un insegnante di pianoforte, un compositore e un ospite in vetrina tutto in uno. Dalla corrispondenza superstite di Frau von Meck con Tchaikovsky, si può imparare molto su quei mesi pieni di arte e musica.

Nel 1884, Debussy, sorprendentemente per se stesso, vinse il Prix de Rome, all’epoca il più alto riconoscimento per un compositore francese. In realtà, avrebbe preferito rimanere a Parigi, ma alla fine ha tratto una conclusione soddisfacente dal periodo “romano”. Quando tornò nel 1887, iniziò una vita bohémien, guadagnandosi da vivere con piccole composizioni e nessun impiego fisso. Ma ha preso in considerazione ciò che stava accadendo nel mondo musicale intorno a lui.  Due volte si recò a Bayreuth per ascoltare Wagner e l’Esposizione Universale del 1889 gli diede l’opportunità di conoscere la musica russa e dell’Asia orientale. Ha letto molto e si è imbattuto in Maurice Maeterlinck, Mendès e Mallarmé.

Questo periodo segna anche l’inizio del suo lavoro come critico musicale per La Revue blanche.

La prima della sua opera Prélude à l’après-midi d’un faune ebbe finalmente luogo nel 1894. Lungo solo 10 minuti circa, questo pezzo, ispirato da una poesia di Mallarmé, mostra per la prima volta il linguaggio tonale unico di Debussy.

Quando Les Nocturnes fu finalmente finito nel 1900, quasi 8 anni di lavoro su questo lavoro orchestrale erano alle sue spalle. Il pubblico e la critica erano entusiasti, ma gli portò pochi soldi.

E nel 1902 fu eseguita l’opera Pelléas et Mélisande, quasi in contemporanea con l’omonima musica incidentale di Fauré. Debussy si era assicurato i diritti del testo per un’opera al Théȃtre des Bouffes-Parisien subito dopo la prima teatrale dell’opera di Maeterlink nel 1893. E divenne l’opera che gli aveva dato il periodo creativo più lungo e angosciante. Ma questa prima ha finalmente reso Debussy un compositore celebrato e di successo. Un segno esteriore di ciò fu la sua nomina a Cavaliere della Legione d’Onore nel 1903.

Dal 1903 al 1905, lavora a La Mer, l’opera che avrà difficoltà con il pubblico contemporaneo. Il costante sviluppo di Debussy della propria tonalità ha spesso sopraffatto gli ascoltatori e i musicisti. Le forme si sono dissolte, le costellazioni sonore sono state rivalutate. Molto di ciò che era familiare e utile ai musicisti e agli ascoltatori come guida attraverso un’opera non aveva più luogo. L’onda chiamata più tardi “impressionista” è andata avanti.

Negli anni seguenti, dirigeva spesso le sue opere. Fortunatamente, questo divenne una nuova fonte di reddito e anche l’occasione per molti viaggi all’estero. Londra, Torino, Roma, Vienna, Bruxelles e alcune città russe erano in programma. È stato anche frequentemente ascoltato di nuovo come pianista e anche qui è stato circondato da ammiratori.

Nel 1909, Sergei Diaghilev, l’impresario dei Ballets russes, si avvicinò a Debussy e gli propose una collaborazione. A differenza di Stravinsky, però, per il quale i Ballets russes divennero il trampolino di lancio per una carriera internazionale, Debussy aveva poco interesse. Ha proseguito il progetto Masques et bergamasques più casualmente, poi Le Martyre de Saint Sébastien nel 1911 e Jeux nel 1913. Tuttavia, i Ballets russes ballavano anche su musiche non composte direttamente per loro. Ed è in questo contesto che la prima del balletto L’après-midi d’un faune con la musica di Debussy nel 1912 portò a uno scandalo teatrale indimenticato che rivoluzionò il mondo del balletto dell’epoca.

Se Debussy non riusciva a scaldarsi al mondo del balletto in quanto tale, il suo incontro con Stravinsky lo impressionò ancora di più. Conosceva bene l’opera di Stravinsky e avevano una corrispondenza animata. Una memorabile esecuzione del Sacre du printemps per quattro mani di Stravinsky e Debussy ebbe luogo a casa del musicologo e critico Louis Laloy. Se avessi un pass gratuito per viaggiare indietro nel tempo – lo incasserei per questo.

Nel 1909, tuttavia, la malattia che sarebbe costata la vita a Debussy si fece sentire per la prima volta. Non solo i problemi fisici, ma anche quelli finanziari, causati dagli alti costi delle cure mediche.

Sfortunatamente, fu anche in questo periodo che dovette pagare una grande somma in alimenti arretrati alla sua prima moglie Lilly. Si era separato da lei nel 1901 dopo meno di due anni di matrimonio. E nel frattempo Debussy era diventato anche padre di una bambina. Nel 1905, Emma Bardac ha dato alla luce Chouchou, il suo nomignolo. Children’s Corner è stato scritto per lei.

Il 1915 fu l’anno delle ultime grandi composizioni. La malattia permise a Debussy di fare un altro breve respiro. Il suo piano era di comporre sei sonate in diverse strumentazioni. Oltre ai tre realizzati per violoncello e pianoforte, per violino e pianoforte e per flauto, viola e arpa, erano previsti: una sonata per oboe, corno, clavicembalo, una per tromba, clarinetto, fagotto, pianoforte e una per 13 strumenti diversi, tra cui contrabbasso, arpa, pianoforte, trio d’archi e fiati. Queste erano strumentazioni insolite! Il suo editore e amico Durand gli aveva dato l’idea quando Debussy, dopo un concerto, riportò con entusiasmo il settetto con tromba di Saint-Saën.

E così, mentre infuriava la prima guerra mondiale, Debussy compose opere piene di bellezza, serenità e potenza di suono. Soprattutto la Sonata per flauto, viola e arpa ha cambiato la situazione nel campo della musica da camera. Per questa strumentazione, ma anche per il quintetto di flauti, il trio d’archi, l’arpa, innumerevoli compositori hanno composto incessantemente negli anni successivi.

Dopo una lunga e grave malattia, Debussy morì a Parigi nel 1918. Aveva solo 55 anni.

Claude Achille Debussy è considerato il più importante compositore francese della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo. Ha rotto con la tradizione, si è allontanato dal linguaggio tonale tardo-romantico, ha preferito modelli di scale modali o di toni interi, ha impostato superfici di suoni armonici e ha rinunciato alle risoluzioni modulatorie familiari. Fu pubblicato esclusivamente dal suo mecenate Durand e, anche se molto rispettato, fu finanziariamente in difficoltà per tutta la sua vita.

Il suo stile di composizione e creazione non sarebbe stato probabilmente possibile senza il lavoro preparatorio di Fauré e altri. Eppure era lui il vero rivoluzionario, quello che ha creato qualcosa di nuovo.

Debussy non ha lasciato molto a noi flautisti, ma ci ha lasciato questo in tre aree completamente diverse – musica da camera, letteratura orchestrale e per flauto solo.

Syrinx è stato originariamente composto come musica incidentale per la commedia “Psyché” di G.Mourey. Sebbene sia lungo solo 35 battute, occupa un ruolo centrale nella letteratura flautistica. Dopo tutto, nessun lavoro significativo è stato composto per flauto solo da quasi 150 anni, ed è stato il primo pezzo solista per l’allora nuovissimo flauto cilindrico Boehm. Tuttavia, queste non sono naturalmente le ragioni principali del suo alto status nella letteratura solista. No, il modo in cui Debussy è riuscito a catturare il carattere dello strumento e l’umore nella natura è semplicemente unico.

La Sonata per flauto, viola e arpa è anche, come già indicato sopra, un lavoro eccezionale in tutta la letteratura flautistica. Difficile da suonare per ciascuno dei tre strumenti, ci si sente come un giocatore, pur giocando solo in un trio, quasi come se portato da un’orchestra.

Le Chansons de Bilitis hanno una genesi molto contorta. Prima di tutto, sono stati pubblicati nel 1897 per voce e pianoforte con una dedica ad André Gide. I testi sono stati scritti da Pierre Louys. Nell’autunno del 1900, Debussy rivede e allunga l’opera, adattandola con la strumentazione ampliata di 2 flauti, 2 arpe e celesta ai desideri di F. Samuel, che all’epoca era direttore artistico del Theatre des Variétés di Parigi. Debussy stesso non era entusiasta di questa strumentazione e creò una versione per pianoforte, che lui stesso poi apprezzò molto. Tuttavia, è l’arrangiamento di quest’ultima versione di Ernest Ansermet per grande orchestra che viene suonato più spesso. Esiste un arrangiamento per flauto e pianoforte di Karl Lenski, che contiene sei dei 12 titoli originali sotto il nome di Bilitis.

Nelle opere orchestrali di Debussy, come Prélude à l’après-midi d’un faune o La Mer, tutti gli strumenti a fiato hanno molto da fare, ma al flauto viene sempre dato un rilievo speciale, spesso evocando lo stato d’animo dell’opera ed essendo trattato con cascate di suono straordinariamente dissolute. Debussy ha anche lanciato il flauto contralto.

La fille aux cheveux de lin, Clair de Lune e molte altre opere pianistiche di Debussy sono disponibili in arrangiamenti per flauto e pianoforte per lo più belli. In questo caso, ognuno deve decidere da solo se questo è favorevole alla musica.

Literaturliste

Adorjan, Andras (Hrsg.) u.a.: Lexikon der Flöte, Laaber 2009
Mgg online
Pešek, Ursula und Željko: Flötenmusik aus drei Jahrhunderten, Kassel 1990

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