Dalla Francia al mondo intero
da Anja Weinberger
Dalla Francia al mondo intero
da Anja Weinberger
Dalla Francia al mondo intero – il flauto e la sua strada nel XXI secolo
Il flauto come lo conosciamo e lo suoniamo oggi è un progetto di Theobald Böhm, costruttore di strumenti e musicista tedesco. Ha rivoluzionato il flauto traverso e il flauto traverso in un lavoro lungo, preciso e tecnicamente molto avanzato.
Ecco una citazione molto azzeccata del flautista Konrad Hünteler: Il flauto degli anni 1810 – cioè prima di Böhm – era come “una vecchia casa che, nel corso del tempo, era diventata così confusa a causa di numerosi ampliamenti, bovindi […] e soffitte che nessuno riusciva ad orientarsi nella complicata disposizione di corridoi […] e scale”. A quanto pare, la paura di un cambiamento completo del sistema di diteggiatura, che avrebbe richiesto una tecnica delle dita completamente nuova, aveva sempre prevalso. Nessuno prima di Theobald Böhm ha osato fare dei cambiamenti fondamentali e inventare un flauto completamente nuovo, quasi moderno.
Nel 1847, Böhm presentò finalmente il risultato finale dei suoi molti anni di armeggiare: un flauto completamente nuovo, per lo più in argento e con un corpo cilindrico. In Francia, questa nuova invenzione cadde immediatamente su un terreno fertile. Nel suo paese, tuttavia, il profeta non fu ascoltato per molto tempo.
Il flauto è uno degli strumenti più antichi della storia della musica e ha fatto molta strada – dall’osso o dall’ancia con pochi o nessun foro allo strumento tecnicamente molto complicato di oggi. Se vuoi saperne di più, puoi leggere nel mio libro “Kulturgeschichten – nicht nur für Flötisten” o in altri testi qui sul blog.
È emozionante vedere il nuovo flauto Boehm farsi strada da Parigi fino a noi nel 21° secolo.
Ma torniamo indietro di qualche anno.
Nel 1795, il Conservatorio di Parigi aprì le sue porte. I compositori Cherubini, Gossec e Mehul formavano il consiglio di amministrazione, e il corpo insegnante comprendeva i più importanti musicisti del paese. Sono state create diverse cattedre di flauto.
Uno di questi era tenuto da François Devienne, e gli studenti avanzati erano principalmente seguiti da Georg Wunderlich, che veniva da Bayreuth ed era uno dei maestri più rispettati della sua gilda alla fine del XVIII secolo. Devienne, d’altra parte, ha lasciato la sua impronta nel mondo del flauto meno come suonatore ma più come insegnante e compositore. Dopo tutto, i suoi concerti, le sue sonate e i suoi duetti ci accompagnano per tutta la vita, anche oggi.
Uno dei tanti allievi di questi due fu Jean-Louis Tulou. E il giovane è diventato col tempo un vero maestro del suo mestiere.
Tulou godeva di un’altissima reputazione come musicista e virtuoso, e la sua intonazione impeccabile fu ripetutamente lodata. Suonava sugli strumenti da quattro a dodici tasti del periodo pre-Böhm. In realtà, una buona intonazione era impossibile su questi flauti. Dal 1829, Tulou assume la cattedra di Wunderlich al Conservatorio. Proprio come Fürstenau in Germania, Tulou non amava il suono potente del flauto Boehm e riuscì a impedire l’introduzione del nuovo strumento fino alla fine del suo mandato nel 1856. Ha scritto circa 200 composizioni, la maggior parte delle quali estremamente eleganti, di cui i 15 Grands Solos sono ancora oggi parte integrante del repertorio. Tra i suoi allievi c’erano Henri Altès e Jules Demersseman. Quest’ultimo fu proposto da Tulou come suo successore al Conservatorio, ma sotto la guida di Berlioz fu deciso che il prossimo professore di flauto dovesse essere un flautista di Boehm.
Un piccolo inserimento per chi vuole saperne di più:
In Francia, dopo la Rivoluzione francese (dal 1789), la responsabilità dell’educazione dei bambini e dei giovani non era più della Chiesa, ma dello Stato. Da questo momento in poi, una buona educazione non fu più vista come un privilegio, ma come un prerequisito per una vita civile responsabile.
In questo contesto, il Conservatorio di Parigi fu creato nel 1795 fondendo la Scuola Municipale di Musica e la Scuola Reale di Canto e Declamazione (École Royale). Fino ad allora, la scuola di musica (École de musique municipale) formava principalmente musicisti per il Corpo della Guardia Nazionale e l’École Royale formava la generazione successiva per l’Opera di Parigi.
L’opera in Francia è vista e amata meno come luogo di spettacolo che come istituzione. I cittadini si sentono tradizionalmente molto attaccati, e musicisti orchestrali, cantanti, ballerini e anche attori hanno una posizione sociale elevata.
Prima della Rivoluzione, l’Opéra era chiamata Académie Royale de musique e fu incorporata nell’Académie Royale. Questo risale all’iniziativa di Luigi XIV, che promosse la scienza e l’arte su larga scala, raccogliendo intorno a sé il meglio del mondo allora conosciuto. L’Académie Royale è un’organizzazione precursore dell’Institut de France.
Un premio ambito del Conservatorio era il Prix de Rome, il più antico e probabilmente più importante concorso francese per giovani compositori. Il vincitore viveva per almeno due anni a spese dello stato a Villa Medici a Roma e doveva presentare regolarmente opere specifiche. I vincitori del premio includono Debussy, Berlioz, Gounod, Bizet, Massenet, Ravel, Ibert, Charpentier, Bozza e Dutilleux. La prima donna a ricevere una medaglia d’oro fu la talentuosa Lili Boulanger, che purtroppo morì giovane.
In passato, ancor più di oggi, il Conservatorio di Parigi aveva una reputazione come un tuono. Era una destinazione ambita da molti musicisti di tutta Europa per studiarvi.
Il collega più giovane di Tulou, Louis Dorus, con il quale suonava nell’orchestra dell’Opera di Parigi, fu allora uno dei primi flautisti a scegliere lo strumento di Boehm. Tra il 1837 e il 1839, non diede alcun concerto pubblico per passare al flauto Boehm. Paul Hippolyt Camus, che divenne il rappresentante permanente del nuovo strumento in Francia dopo la presentazione di Böhm del nuovo flauto all’Académie des Sciences, ebbe probabilmente un ruolo importante in questo. Camus era lui stesso un eccellente flautista, e Böhm gli dedicò la sua Grande Polonaise op.16.
Nel 1859 il successore di Dorus Tulou al Conservatorio di Parigi introdusse immediatamente il nuovo flauto. Dorus era un insegnante molto colto, tollerante e molto stimato e può essere considerato il capostipite della “scuola francese”. Si ritirò nel 1868. Gli successe Henri Altès, che aveva ancora studiato con Tulou ma che era passato presto al flauto Boehm.
Infine, nel 1893, Paul Taffanel diventa professore di flauto al Conservatorio di Parigi. In retrospettiva, questo è probabilmente il momento decisivo di questa storia. Il suo contributo allo sviluppo del flauto può difficilmente essere sopravvalutato; era l’uomo giusto nel posto giusto al momento giusto. Taffanel coltivava un modo di suonare espressivo, sensibile, pieno di eleganza e flessuosità, dando la massima priorità ad un tono naturale e mettendo rispettosamente la sua tecnica virtuosa al servizio dell’interpretazione del testo musicale. Si sforzò anche di far rivivere la tradizione della musica da camera, indicando il suo urgente desiderio di liberare la cultura musicale dal puro virtuosismo. Ha continuato ad avere una carriera impressionante e brillante come musicista e insegnante. Dal nostro punto di vista, oggi, lo vediamo come il padre della moderna scuola francese di flauto.
Ecco alcuni dettagli:
Paul Taffanel è nato a Bordeaux nel 1844 come figlio di un musicista professionista.
Imparò a suonare il flauto in tenera età, e si dice che diede il suo primo concerto pubblico all’età di dieci anni. Nel 1858, la famiglia si trasferì a Parigi, forse a causa di migliori opportunità di insegnamento per il figlio dotato. Divenne presto allievo di Louis Dorus, che all’epoca era il flautista solista dell’Opéra. Quando Dorus assume la cattedra al Conservatorio di Parigi, Taffanel entra nella sua classe all’età di 15 anni. Dopo pochi mesi, ha ricevuto l’ambitissimo Premier Prix, una distinzione che uno studente di solito ottiene solo dopo uno o anche due anni di studio.
Poco dopo, Taffanel suonò nell’orchestra dell’Opéra e rimase primo flauto per molti anni. Inoltre, prese posizioni come flautista dell’Opéra-Comique e della Société des concerts. Ha intrapreso tour di concerti come solista in tutta Europa e in Russia, più volte accompagnato da Camille Saint-Saëns.
Nel 1871 Taffanel fondò la Société classique e nel 1878 la Société de musique de chambre pour instruments à vent, per dare impulso alla rinascita della musica da camera esigente in generale e della musica da camera a fiato in particolare in una città dominata dall’opera. Fu anche colui che riportò in vita le opere a lungo trascurate di Bach, Handel e Mozart. Per esempio, i concerti per flauto di Mozart – oggi inimmaginabili – all’epoca erano quasi dimenticati.
Ha incoraggiato molti dei suoi colleghi a comporre nuova musica da camera per flauto. Fauré e Gounod sono solo due esempi di molti. Ha anche composto se stesso. Il suo bellissimo quintetto di fiati, sorprendentemente ricco di clarinetto e non di flauto, è premiato, così come l’Andante pastorale degli ultimi anni della sua vita, che ha dedicato al suo allievo preferito Philippe Gaubert.
I testimoni contemporanei riferiscono di un tono straordinariamente bello, di perfezione tecnica e di grande carisma. Saint-Saëns era il suo più grande ammiratore ed espresse più volte la sua profonda tristezza per questa perdita quando Taffanel scambiò il flauto per la bacchetta. Dal 1893, infatti, fu direttore principale dell’Opéra e successore di Altès al Conservatorio di Parigi. Come insegnante era un’ispirazione, e gli studenti di tutto il mondo venivano da lui. Tutti riferiscono di un insegnamento dedicato che ha tirato fuori il meglio da ogni studente. Questo iniziò la diffusione della “scuola francese” in tutti i punti della bussola.
Paul Taffanel muore nel 1908 e gli succede Adolphe Hennebains. Quest’ultimo conosceva già la classe dal 1893 come assistente di Taffanel e la transizione, di conseguenza, è avvenuta senza problemi. È anche succeduto al suo venerato predecessore e amico nelle orchestre. Hennebains era un partner molto ricercato per la musica da camera e un membro fondatore del Double Quintet, celebrato in tutta Europa. È uno dei primi flautisti di cui esistono registrazioni.
E ora Georges Barrère si esibirà. Ha studiato con Altès e Taffanel e ha ricevuto il Premier Prix nel 1895. Fu anche flautista in diverse orchestre parigine e continuò con successo le ambizioni cameristiche di Taffanel. Come risultato, in dieci anni sono state eseguite 61 prime di oltre 40 compositori europei. Nel 1905 si unì alla New York Symphony come primo flautista. Walter Damrosch, il direttore principale, che era nato a Breslavia ed era emigrato negli Stati Uniti, attirò alcuni musicisti francesi nel Nuovo Mondo in quel periodo. Con il suo flauto d’argento francese, flessibile e dal suono brillante, Barrère ha iniziato una rivoluzione nel flauto americano. Fino ad allora, i flautisti americani avevano preferito suonare su pesanti flauti di legno tedeschi. Anche i costruttori di flauti americani se ne accorsero, e nel 1913 la ditta Haynes iniziò a produrre nuovi tipi di flauti d’argento nel sistema Boehm.
Barrère fondò numerosi ensemble con i quali introdusse la musica francese in America e commissionò nuova musica americana; e fu insegnante all’Institute of Musical Art, poi la Juilliard School of Music. La mecenate americana Elizabeth Sprague-Coolidge gli regalò un flauto Haynes fatto del prezioso metallo platino. Per l’inaugurazione dello strumento nel 1936, Edgard Varèse scrisse per lui il pezzo solista Density 21.5 (che è il peso specifico del platino), che rimane un pezzo importante della letteratura solistica fino ad oggi.
Nel frattempo, la Francia si stava dirigendo verso la prima guerra mondiale. Nel 1914, Léopold Lafleurance assume la direzione della classe di flauto, non essendo più chiamato al servizio militare all’età di 49 anni. Fu così la prima persona a detenere una cattedra al Conservatorio senza avervi mai studiato. E dal 1891 fu flautista all’Opera, dove rimase per un orgoglioso sessantennio. Solo all’età di 81 anni si ritirò come ottavino. Un curriculum vitae insolito. Duplaix lo chiamava “un hérisson au cœur tendre” – un riccio dal cuore tenero.
Philippe Gaubert fu un soldato al fronte durante la prima guerra mondiale e fu premiato con la Croix de Guerre a Verdun. Tornato a Parigi, prese la cattedra al Conservatorio. Aveva una grande classe piena di nomi conosciuti ancora oggi e continuò il lavoro di Taffanel in modo impressionante.
Philippe Gaubert è nato a Cahors nel 1879. La famiglia suonava musica in casa e il ragazzo imparò dapprima il violino. Nel 1886, i Gaubert si trasferirono a Parigi e iniziarono le lezioni di flauto – subito come studente privato con Taffanel. Philippe aveva solo sette anni all’epoca, e il suo esperto insegnante notò subito il suo insolito talento. Quando Taffanel prende la sua cattedra nel 1893, accetta immediatamente Gaubert nella sua classe. Anche Gaubert ha vinto il Premier Prix dopo pochi mesi. Già nel 1897 divenne primo flautista all’Opéra e nel 1904 direttore d’orchestra alla Societé des Concerts.
Dopo la guerra, la sua vita fu piena di parti uguali di flauto, insegnamento, direzione e composizione. Gaubert era da un lato un lavoratore irrequieto e duro e dall’altro un musicista naturalmente molto dotato. Esistono diverse registrazioni di lui che hanno catturato il suo tono caldo di flauto, il suo legato estremamente flessibile e l’uso meravigliosamente economico del vibrato. Ha impressionato per la leggerezza del suo modo di suonare e la varietà di timbri. Il suo modo di suonare staccato è considerato come un vero e proprio caposcuola della “scuola francese”. L’unico problema che i suoi studenti, altrimenti entusiasti, avevano con lui era che lui, baciato dalla musa, non poteva comprendere molte difficoltà. Tuttavia, giocava volentieri e possedeva anche una straordinaria quantità di pazienza.
Le sue numerose composizioni non sono semplicemente musica occasionale e sono composte interamente nello stile dell’epoca. Soprattutto le tre sonate per flauto e pianoforte e i Trois Aquarells per flauto, violoncello e pianoforte convincono sia gli esecutori che gli ascoltatori con le loro armonie molto colorate, i giri melodici morbidi ma sorprendenti e i loro passaggi molto brillanti senza virtuosismo….
La sua morte improvvisa nel 1941 gli risparmiò almeno l’umiliante andirivieni al Conservatorio nella Parigi occupata e dopo la seconda guerra mondiale.
La situazione fu diversa per Marcel Moyse, nato in Borgogna nel 1889, che studiò brevemente con Taffanel, poi con Hennebain e infine con Gaubert. Ha vissuto in questo periodo straordinario all’inizio del XX secolo, quando tutte le arti si stavano sviluppando ad un ritmo mozzafiato e Parigi era il centro dell’avanguardia artistica. Ha suonato il flauto nella prima mondiale del Sacre du Printemps di Stravinsky e anche in Daphnis e Chloë di Ravel.
Già professore al Conservatorio dal 1932, Moyse era uno dei grandi luminari del suo campo allo scoppio della seconda guerra mondiale, esibendosi anche con la maggior parte delle orchestre europee. Si rifiutò di insegnare nella Parigi occupata dai tedeschi e il suo posto fu occupato altrove.
Dopo la guerra, si trasferì negli Stati Uniti, fondò la Marlboro School of Music e l’omonimo festival, vi tenne corsi di perfezionamento molto richiesti e tornò più volte in Europa per tali corsi. Morì negli Stati Uniti nel 1984 e nel 1989 fu fondata la Marcel Moyse Society a Pittsburgh.
Numerose opere sono dedicate a Marcel Moyse, tra cui il concerto di Jaques Ibert, che lui stesso ha eseguito nel 1934, e diverse opere di Bohuslav Martinů.
I suoi lavori di scuola e di studio sono sui leggii dei flautisti di tutto il mondo. E tra i suoi allievi troviamo i noti flautisti di oggi.
Non dobbiamo assolutamente dimenticare Louis Fleury, perché ha avuto il privilegio di presentare in anteprima la Syrinx di Debussy. Perché proprio lui?
La sua biografia è insolita. Fin dall’infanzia, era interessato alla musica. Tuttavia, non c’erano collegamenti con i musicisti, così il ragazzo imparò a suonare l’ottavino da un maestro barbiere e più tardi a suonare il flauto da un farmacista. I due devono essere stati degli ottimi insegnanti, perché quando la famiglia si trasferì a Parigi, Georges Barrère preparò solo brevemente il quindicenne all’esame di ammissione al Conservatorio, che superò immediatamente. Taffanel lo ha accettato nella sua classe. Fleury non era un bambino prodigio, né fu plasmato dalla casa dei suoi genitori in un ambiente musicale, ma era uno studente entusiasta e diligente, desideroso di essere integrato in questo mondo delle arti. Dopo aver completato i suoi studi con il Premier Prix, è stato flautista in una grande varietà di formazioni, tra cui le Folies-Bergère, l’Association des grands Concerts, i Concerts Berlioz e i Concerts Rouge. E divenne membro della Société Moderne d’Instruments à vent fondata da Barrère, che rilevò poco dopo.
Nel 1906 fondò la Société des Concerts d’Autrefois, un ensemble che girò tutta l’Europa. Interessato a tutti i tipi di musica, era insaziabile e lavorò presto con giovani compositori ancora sconosciuti – tra cui Mel Bonis e Albert Roussel. Era anche affascinato dall’idea di un collegamento tra le diverse arti. Questo è il modo in cui Syrinx è stato presentato in anteprima da lui, perché il breve lavoro per flauto solo è stato, dopo tutto, scritto come musica per il palcoscenico.
Fu il primo flautista francese a rinunciare a tutti i suoi lavori per dedicarsi esclusivamente all’attività solistica e alla musica da camera. La sua carriera ebbe molto successo in tutta Europa, ma soprattutto in Inghilterra. I suoi programmi, che mescolavano musica vecchia e nuova e molto spesso includevano prime mondiali, erano estremamente insoliti per l’epoca. Ebbe anche successo come critico musicale e autore; e i suoi testi molto impegnati, appassionati, ma mai sgradevolmente istruttivi, incontrarono un grande riscontro.
Anche il flauto d’argento arrivò in Inghilterra attraverso una diversione francese. Geoffrey Gilbert, il flautista inglese, ascoltò le registrazioni di Marcel Moyse e successivamente prese lezioni con René Le Roy. Dopo la seconda guerra mondiale, si allontanò dal flauto di legno e si orientò verso il flauto d’argento. Adottò lo stile francese che stava appena emergendo, tornò al suo posto come primo flautista della London Philharmonic Orchestra e divenne un iniziatore e un modello per la generazione successiva in Inghilterra.
Cosa successe a Parigi dopo la guerra? Gaubert morì nel 1941 e Gaston Crunelle prese una cattedra che tenne fino al 1969. Aveva studiato con lo stesso Gaubert e preferì dedicarsi alla musica da camera. Succede a René Le Roy nel leggendario Quintette instrumental de Paris, poi Quintette Pierre Jamet. Questo quintetto, composto da flauto, trio d’archi e arpa, ha ispirato un’intera generazione di giovani compositori. Jolivet, Ibert, Roussel, Françaix, Honegger, d’Indy, Kœchlin, Cras, Jongen e molti altri composero per questa strumentazione finora sconosciuta. Ed è così che oggi possiamo attingere a una letteratura così ricca in questo campo. Il nucleo di questa storia di successo fu la Sonata per flauto, viola e arpa di Debussy, che Jamet eseguì in anteprima con i colleghi nel 1917. Inoltre, Gaston Crunelle è stato flautista solista all’Opéra-Comique dal 1933 al 1964 nella buona vecchia tradizione.
E René Le Roy, il cui nome è già stato menzionato due volte? Anche lui è un uomo importante per la corporazione dei flautisti, perché fu lui che eseguì per la prima volta la Partita in la minore di Johann Sebastian Bach dopo la sua riscoperta da Karl Straube nel 1918.
E ha fondato il già citato Quintette instrumental de Paris per poter eseguire il maggior numero possibile di opere di musica da camera attraverso questa varietà di strumenti.
Nato nel 1898, ha studiato con Hennebain, Lafleurance e Gaubert. Il suo Premier Prix nel 1918 ebbe un’eco ben oltre i confini del Conservatorio, Gaubert era pieno di lodi. Nel 1929, si recò per la prima volta negli Stati Uniti e incontrò Franklin Roosevelt, con il quale ebbe poi una lunga e stretta amicizia. Dal 1952 al 1968 è stato primo flauto nell’orchestra dell’Opera di New York e dal 1971 professore di musica da camera al Conservatorio di Parigi.
Anche Gustav Scheck deve essere menzionato in questo contesto “francese”. Perché fu uno dei primi a suonare un flauto d’argento Boehm in Germania. All’inizio è stato duramente criticato, ma ha ricevuto sempre più consensi su larga scala.
Gustav Scheck è nato a Monaco di Baviera nel 1901 e ha acquisito solide competenze di flauto come studente di scuola superiore sul flauto Boehm fatto di legno con una testa d’argento e un foro di bocca di riforma, che era comune in Germania a quel tempo. Ha studiato prima medicina, ma poi flauto, musicologia e teoria musicale, e presto ha iniziato una carriera stellare come musicista orchestrale. Dal 1924 lo si può trovare come flautista a Friburgo, Düsseldorf, Kiel, Brema, Königsberg e infine alla State Opera di Amburgo. Era anche richiesto come solista e musicista da camera in tutta la Germania. La musicologia lo ha accompagnato per tutta la vita, numerose trasmissioni su Deutschlandfunk hanno contribuito alla sua fama. Il suo circolo di musica da camera Scheck-Wenzinger, in cui suonava anche il flauto traverso, ha dato importanti contributi alla necessaria rinascita della musica barocca, anche attraverso numerose registrazioni. Dal 1934 al 1942, Gustav Scheck insegnò alla Musikhochschule di Berlino e, dopo la seconda guerra mondiale, fondò la Hochschule für Musik Freiburg insieme a Willibald Gurlitt. È stato il suo direttore fino al 1964. Molte opere importanti della letteratura flautistica sono state dedicate a lui, tra cui opere di Genzmer, Fortner, Hessenberg e Heinrich Kaspar Schmid. Il suo libro Die Flöte und ihre Musik (Il flauto e la sua musica), pubblicato nel 1975, è di importanza senza tempo e contiene le numerose e ponderate intuizioni della vita di un musicista. Respirazione, suono, tecnica, storia della musica, analisi – tutto è considerato ed è formulato in modo memorabile e coerente.
Il suo passaggio al flauto d’argento fu inizialmente accolto con interesse ma piuttosto con disapprovazione. Ciononostante, prevalse, e la sua ricerca di “un canto incantevole, una colorazione contrastante e una brillantezza virtuosistica”, come disse lui stesso, convinse anche l’ultimo critico. Così aveva dato un contributo significativo all’unione della tradizione tedesca con la tecnica esecutiva francese. Il flauto d’argento è finalmente arrivato in Germania.
Forse un logopedista potrebbe fornire informazioni più dettagliate. Forse in questo modo si potrebbero trovare le ragioni per lo staccato insolito e le linee speciali e ininterrotte.
Tutte le speculazioni! Eppure, che fortuna che la geniale invenzione di Theobald Böhm sia caduta su un terreno così fertile nel mondo francofono.
