La storia del flauto

da Anja Weinberger

Lo sviluppo del repertorio musicale con l’esempio del flauto
Com’è in realtà la nostra letteratura? Ogni epoca aveva i suoi strumenti, ogni strumento le sue possibilità. D’altra parte, la musica non è sempre creata per uno strumento specifico, ma a volte nasce semplicemente nella mente dei compositori. O lo è? Con l’aiuto del mio strumento, il flauto, mi faccio strada attraverso i secoli. E credo che la storia non sia così diversa da quella di altri strumenti.

“Come uno degli strumenti musicali più antichi del mondo, il flauto ha sempre combinato nella sua lunga storia il potere dell’archetipo con la magia della sua intrinseca mutevolezza. È difficile esprimerlo meglio di Mirjam Nastasi.

Secondo il mito greco, la dea Atena scoprì il flauto. E da allora, lo strumento millenario con il suo significato mitico e magico nelle culture antiche si è sviluppato nel flauto Boehm di oggi. Nel nostro tempo, ora riempie il suo ruolo di protagonista nella musica.

Come attributo divino con Pan e Krishna, come accessorio della musa Euterpe, come leggendario strumento di seduzione, come status symbol aristocratico con Federico il Grande e come strumento amatoriale della borghesia emergente – il flauto ha sempre prodotto il suo suono direttamente attraverso il respiro e il diaframma. A differenza di tutti gli altri strumenti a fiato, suona indipendentemente da un’ancia come l’oboe, un imbuto come la tromba o un’intercapedine come il flauto dolce. Il suono del flauto emerge direttamente dal flusso d’aria attraverso il respiro e il diaframma, e da questo emerge questa connessione apparentemente unica tra l’anima umana e il suono. Considerazioni simili appaiono in numerose fonti storiche solo in relazione alla voce umana.

Almeno da quando esistono gli esseri umani in posizione eretta, esiste anche la musica. I più antichi ritrovamenti di flauti hanno più di 40.000 anni. Tuttavia, qui ci interessa soprattutto la musica che iniziò con la scrittura di note a partire dal IX secolo circa, si sviluppò in vera polifonia nei secoli XII e XIII e portò alla musica rinascimentale con il Minnesang e la musica del Trecento. È proprio qui che inizia la nostra escursione. È un buon punto di partenza, perché è proprio in questo periodo che si può notare la prima grande ondata di sviluppo strumentale in Europa. Insieme all’ulteriore sviluppo degli strumenti medievali, molti nuovi strumenti apparvero improvvisamente.

D’ora in poi, scialli, dulciani, tromboni, trombe naturali, la cornetta e un flauto traverso suonavano accanto alla viola da gamba, il liuto, il salterio e molti strumenti a percussione. Ottaviano Petrucci inventò la stampa musicale intorno al 1500, e vennero prodotte collezioni di brani di danza e i primi scritti sulla teoria musicale e lo studio degli strumenti. Molti degli strumenti rinascimentali scomparvero di nuovo nel corso del tempo, ma alcuni possono certamente essere considerati come precursori diretti degli strumenti di oggi.

Poi, finalmente, il Rinascimento viene sostituito dall’età del Barocco. Intorno al 1600, questo trionfo quasi monumentale iniziò in Italia. Ora un paio di cose ci sembrano familiari. Spiccano parole come “basso continuo” o “monodia”. Recitativi e arie si uniscono per formare le prime opere, oratori e cantate. Vengono alla ribalta compositori i cui nomi conosciamo ancora oggi: Claudio Monteverdi (1567 – 1643) in Italia, per esempio, ma anche Heinrich Schütz, nato in quello che allora era il Principato di Reuss, nell’attuale Germania, poi poco dopo Jean-Baptiste Lully, Dietrich Buxtehude e Henry Purcell. Bach (1685 – 1750), Handel e Telemann videro presto la luce. E infine, sotto la guida di Georg Philipp Telemann, un’unificazione transfrontaliera dei diversi stili regionali culminerà nel tardo barocco.

Cosa c’era nel repertorio e nei programmi in quel periodo?

Si può parlare di un repertorio flautistico veramente indipendente solo a partire dal 1700 circa. La Francia ha inizialmente assunto il ruolo di leader – come controparte dell’Italia, per così dire. Perché fu lì, in Italia, che il violino iniziò la sua rapida ascesa alla fama proprio in questo periodo. Ed è così che la prima musica per flauto registrata viene da Hotteterre (1674 – 1763), Loeillet, Couperin o La Barre. La maggior parte di queste sono suite per flauto e basso continuo, suonate sul flauto di legno, che ha al massimo una chiave.

E ora un primo inserimento per chi vuole saperne di più…

Cosa significa effettivamente basso continuo?
Il basso continuo forma il fondamento e il quadro armonico sotto la linea melodica. È scritto in note singole con uno o più numeri sotto, che indicano al suonatore quale accordo deve essere suonato. Il basso continuo può essere preso, per esempio, da un organo, una spinetta, un liuto, un clavicembalo, una chitarra o un’arpa, in breve: da uno strumento di armonia. Normalmente, la linea del basso è rinforzata da un fagotto o un violoncello. Questo crea questa situazione particolare di un duetto a tre. Anche nelle sonate in trio con b.c., 4 musicisti suonano poi tre voci.

Poco dopo, fu composto il primo vero concerto solista per flauto e archi. Fu composta da Michel Blavet, che aveva già scritto molte sonate in stile italiano. In Italia, si era sviluppata una notevole tradizione di concerti per flauto e di musica da camera. Vivaldi in particolare, ma anche Pergolesi, Popora, Vinci e Sammartini scrissero molto presto musica per flauto estremamente virtuosistica e di grande bellezza.

Ora inizia la prima grande fase della musica per flauto. Le numerose case reali tedesche con le loro cappelle di corte hanno reso possibile a numerosi strumentisti e compositori di alto livello di “guadagnarsi” da vivere con la musica. Ora la forma diventa più varia. Le suite e le sonate in più movimenti sono la maggioranza, ma si trovano anche fantasie e capricci in un solo movimento. Hotteterre ci ha lasciato le prime vere opere da solista. Si chiamano “L’art de préluder” e sono improvvisazioni brevi, cadenzate e molto libere – quasi annotate. Molto più spesso di oggi, la musica di quell’epoca era composta per un’occasione specifica e quindi anche per un musicista specifico. Di conseguenza, il contenuto del rispettivo lavoro era spesso orientato verso il luogo di esecuzione e l’eloquenza del musicista.

E qui in Germania? Johann Sebastian Bach ha regalato a noi flautisti 7 meravigliose sonate di musica da camera, una partita per flauto solo e diverse sonate per trio. Tutti loro formano il centro della biblioteca del flautista, ora già abbastanza grande. Handel e Telemann hanno anche composto molto per il flauto, quest’ultimo soprattutto le sue “12 fantasie per flauto solo”, che rappresentano una pietra miliare nella letteratura. Telemann scrisse anche queste fantasie per violino, viola da gamba e clavicembalo da solo, che ancora oggi appaiono frequentemente nei programmi dei concerti. Il flauto era anche spesso usato come strumento obbligato nelle cantate e negli oratori. Il passo verso uno strumento orchestrale è imminente.

Cos’è uno “strumento obbligato”?

Di solito questi strumenti si esibiscono insieme alla parte vocale. Uno strumento obbligato assume una seconda voce solista per un periodo di tempo fisso, suonando intorno, competendo e sostenendo il canto. “Obbligato”, che significa “indispensabile” o “indipendente”, significa anche che la voce non può essere omessa in nessun caso. Nell’epoca barocca, gli strumenti di accompagnamento erano più flessibili, a seconda della situazione e dei musicisti disponibili.

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787) fu uno dei primi compositori a integrare il flauto nell’orchestra. Qualche tempo dopo, il flauto divenne parte integrante dell’orchestra, e i compositori della Scuola di Mannheim (1747-1777) furono i primi a includerlo in una grande quantità di letteratura solistica e cameristica. Ma facciamo un passo alla volta…

Ci troviamo in un momento interessante. Johann Sebastian Bach e Georg Philipp Telemann (per citare solo due dei tanti) portano la musica barocca a un culmine travolgente. E poi improvvisamente appare la “generazione dei figli” e vuole fare tutto in modo diverso. Alcuni compositori come Quantz, Friedrich II e Benda usarono i flauti tecnicamente un po’ migliorati per iniettare un nuovo virtuosismo nelle loro composizioni. E i figli di Bach e altri compositori come Johann Gottfried Müthel, Anna Amalia di Prussia e Johann Stamitz mostrano chiaramente che ci stiamo allontanando dal barocco verso il pre-classico. Lo stile galante e poco dopo lo stile sensibile prendono piede.

A causa di ulteriori progressi nella fabbricazione dei flauti e l’interesse speciale di alcuni governanti per il flauto come strumento, una grande quantità di nuova letteratura fu creata durante questo periodo. Devo urgentemente riferirmi alla musica per flauto di Carl Philipp Emanuel Bach (1714 – 1788). Non solo ha composto molte sonate per flauto e clavicembalo obbligato, no, la sua “Sonata di Amburgo” per flauto e b.c. e la sua sonata solista in la minore sono particolarmente ispiranti.

Come il clarinetto, il pianoforte e l’arpa, il flauto è uno di quegli strumenti che è diventato quello che conosciamo oggi relativamente tardi. Nella storia della costruzione dei flauti, ci sono stati diversi punti di svolta che sono stati accompagnati da miglioramenti nella fattibilità tecnica e nella suonabilità. Nomi importanti qui sono Hotteterre (vedi sopra), Quantz e soprattutto Theobald Böhm, che rivoluzionerà la fabbricazione dei flauti all’inizio del XIX secolo. Fino ad allora, c’è ancora molta strada da fare…

Ma non furono solo Carl Philipp Emanuel Bach e Johann Joachim Quantz a contribuire a rifornire la biblioteca di flauti alla corte di Federico il Grande. Oltre a molti altri compositori come Benda e Agricola, anche il re stesso e una delle sue sorelle componevano assiduamente. C’è una sonata molto bella e impegnativa di Anna Amalia di Prussia nel nostro armadio musicale, interamente nello spirito di Carl Philipp Emanuel Bach.

A Mannheim e Schwetzingen alla corte di Karl Theodor von der Pfalz, Johann Stamitz e i suoi colleghi composero anche un gran numero di concerti per flauto, sonate e opere di musica da camera. Il nuovo genere del quintetto di fiati (flauto/oboe/clarinetto/corno/basso) emerse anche durante questo periodo. Anton Reicha e Franz Danzi furono i primi a fornire questa strumentazione con una musica che ancora oggi viene suonata frequentemente e con piacere.

Anche il quartetto di flauto, cioè quattro flauti, fu creato nel frattempo. Ancora una volta, Anton Reicha è da menzionare, perché il suo quartetto in re maggiore “Sinfonico”, giocoso e divertente, è noto a ogni flautista. Fino al XXI secolo, questa strumentazione è stata scoperta da molti compositori ed è anche così interessante perché in tempi più recenti, l’ottavino, il contralto e il flauto basso possono essere utilizzati con grande piacere e con l’entusiasmo del pubblico. Quartetti particolarmente belli sono stati scritti da Friedrich Kuhlau, Florent Schmitt, Eugène Bozza, Marc Berthomieu, Jaques Castérède, Mari Miura e, più recentemente, Tina Ternes.

Altrettanto popolare è un’altra strumentazione del quartetto di flauto: cioè flauto, violino, viola e violoncello. Fondamentalmente, questa è una variazione del quartetto d’archi in cui uno dei violini è sostituito da un flauto – questo è stato fatto anche con oboi e clarinetti alla fine del XVIII secolo ed è ancora popolare oggi. I più famosi quartetti di questo tipo sono probabilmente di Mozart, ma Cannabich, Danzi, Devienne, Reicha, Rossini e molti altri comporranno anche per questa bella ed equilibrata strumentazione in tempi successivi.

Nel frattempo, il nostro armadio della musica è davvero ben riempito.

E così siamo arrivati al periodo classico. Anche se gli ormai famosi compositori classici Haydn, Mozart e Beethoven (1770 – 1827) scrissero tutti musica da camera, Mozart fu l’unico a comporre due concerti per flauto solo e uno per flauto e arpa. Ci sono alcuni concerti dei compositori Stamitz, Danzi, Hoffmeister, Pleyel e Boccherini, che erano almeno altrettanto noti ai loro tempi, e una grande ricchezza è stata fornita da flautisti compositori come Francois Devienne e August Eberhard Müller. Probabilmente il concerto di Devienne più conosciuto e più bello è il Concerto No.7 in Mi minore. Gli strumentisti compositori si trovano fino ai nostri giorni, e più è complicato lo strumento, più frequentemente appaiono. Soprattutto nella musica per chitarra e arpa, la quota di questi compositori è molto grande. I rappresentanti più noti di questi due strumenti sono probabilmente Fernando Sor, Mauro Giuliani, Ferdinando Carulli, Manuel de Falla, Joaquin Rodrigo, Robert Nicolas Charles Bochsa, Francois-Adrien Boieldieu, Elias Parish-Alvars e, sorprendentemente per molti, Niccolò Paganini, che suonava la chitarra così come il violino e compose molta musica per chitarra.

Perché si dice solo concerto e solo sonata? Sì, davvero confuso. Perché solo una sonata solista rappresenta ciò che si suppone a prima vista: uno strumento suona senza accompagnamento, cioè da solo.

Ma un concerto da solista è fondamentalmente l’esatto opposto. Perché comporta la strumentazione dell’orchestra più un singolo strumento. Il singolo violinista o flautista o pianista sta in piedi o seduto davanti all’orchestra e fa musica in dialogo con essa. E poiché questo strumento è solo uno e affronta la grande orchestra di molti strumenti, il nome di concerto solo o semplicemente concerto per pianoforte (o violino o flauto) è diventato comune per questa forma. Non tutto ciò che si afferma nell’uso linguistico è anche logico.

Cose interessanti stanno accadendo anche nel campo della musica da camera. La versione più semplice oltre alla sonata solista è il duo. Molto spesso, uno strumento per la melodia e uno per l’armonia sono combinati. È così che nascono le strumentazioni flauto e pianoforte o flauto e arpa o flauto e chitarra.

I flautisti dell’epoca sono ancora in netto svantaggio rispetto ai suonatori di archi a causa della mancanza di tecnica e di intonazione dei flauti prima della rivoluzione Boehm. Tuttavia, alcuni compositori hanno scritto per noi flautisti anche in quel periodo. Friedrich Kuhlau è particolarmente degno di nota. Come nessun altro compositore degli albori del XIX secolo, creò una grande quantità di musica di alta qualità. Ha composto fantasie per flauto solo, così come per flauto e pianoforte, piene di progressioni armoniche audaci e di un uso libero del tempo. E anche se Kuhlau non era un flautista, conosceva molto bene lo strumento. La sua musica è facile da suonare ed è un vero favorito perenne per noi flautisti. Oltre alle opere sopra menzionate, ha lasciato un Grande Quartetto per 4 flauti, 9 trii per tre flauti, innumerevoli duo per due flauti e tre quintetti per flauto, violino, 2 viole e violoncello. Non si tratta affatto di musica amatoriale, ma di opere musicalmente e soprattutto tecnicamente molto esigenti.

Poiché Kuhlau è piuttosto sconosciuto al di fuori del mondo dei flauti – che peccato – ecco una piccola digressione:

Friedrich Kuhlau è vissuto dal 1786 al 1832. È nato nella città anseatica di Uelzen in Bassa Sassonia, che organizza ogni due anni il Concorso internazionale Kuhlau per giovani flautisti. Da bambino ha perso l’occhio destro in un incidente. Nel 1802 la famiglia si trasferì ad Amburgo e nel 1810 il ventiquattrenne Friedrich fuggì dalle truppe di Napoleone a Copenaghen, dove si sentì così a casa che vi avrebbe trascorso il resto della sua vita. Kuhlau fu un contemporaneo di Beethoven, Weber, Schubert, Rossini, Schiller e Goethe. La sua musica si muove tra il classico e il romantico. In letteratura, è spesso indicato come il “Beethoven del flauto” per sottolineare l’importanza delle sue composizioni per questo strumento. Le sue opere per flauto ebbero molto successo e la sua musica, facile da vendere, fu pubblicata da diversi editori. Lui stesso suonava principalmente il pianoforte e componeva molto anche per questo strumento. Theobald Böhm (vedi sotto) scelse una fantasia solista di Kuhlau nel 1832 per introdurre il suo nuovo flauto. In Danimarca, Kuhlau raggiunse la fama soprattutto con le sue opere, fu onorato dal re con il titolo di professore e compose la prima musica nazionale danese con il Singspiel Erlenhügel, che lo rese immortale nel nostro paese vicino. Quest’opera è ancora una delle opere di maggior successo del Teatro Reale di Copenaghen, con più di 1000 rappresentazioni.

E si sviluppò la nuova forma del thème varié: melodie popolari del repertorio canoro e operistico furono “riutilizzate”, per così dire, da molti compositori con brillantezza virtuosistica e accompagnamento di pianoforte, arpa o chitarra. Doppler, Fürstenau, Toulu, Drouet, Walckiers, Diabelli, Carulli, Giuliani e il grande flautista inglese Charles Nicholson, che fece pensare e “inventare” Theobald Böhm con il suo grande tono e la sua tecnica sorprendente, furono maestri di questo genere.

A quel tempo, il flauto giocava un ruolo importante nei circoli privati di appassionati ed era anche abbastanza comune nella vita concertistica. Tuttavia, per i grandi compositori, il “problema del flauto” era ancora in primo piano. Perché l’intonazione degli strumenti di quel tempo era molto problematica e non si poteva produrre più di un volume medio. Inoltre, e questo è almeno altrettanto importante, la gamma era abbastanza modesta e la modulazione illimitata attraverso tutti i tasti non era possibile a causa dell’esecuzione ineguale di alcune note.

Beethoven compose una serenata per flauto, violino e viola – Gabrielski e Kummer composero concerti e musica da camera (entrambi erano flautisti) – Louis Spohr lasciò l’unico nonetto op.31 e altra musica da camera per flauto e arpa. Inoltre, Carl Maria von Weber scrisse il Trio in sol minore op.63 (con il movimento lento particolarmente bello “Schäfers Klage”) e Felix Mendelssohn – Bartholdy il suo Trio in re minore op.49 per flauto, violoncello e pianoforte. Se per gli altri strumentisti, soprattutto gli archi, il periodo classico è un vero paradiso letterario, la situazione è molto diversa per i flautisti – la lista è piuttosto corta.

Un’opera, tuttavia, che in qualche modo rompe tutte le griglie e le categorizzazioni, deve naturalmente essere menzionata qui. Nel 1824, Franz Schubert (1797 – 1828) scrisse variazioni per flauto e pianoforte sulla canzone “Trockene Blumen” dal suo ciclo di canzoni “Die schöne Müllerin”. Quest’opera è estremamente insolita per il suo tempo. È vera letteratura di duo, il pianoforte non deve limitarsi a una funzione di accompagnamento, come spesso accade. Una cascata di toni e sentimenti fa esplodere quella che in realtà è ancora una struttura classica e vira decisamente verso il primo romanticismo. Un caso unico per noi in questo periodo, purtroppo.

Ma poi è arrivato Theobald Böhm. Ha finalmente inventato ciò che avrebbe liberato la musica per flauto. Tutte le note possono ora essere diteggiate – quasi – altrettanto bene, il volume è cambiato considerevolmente, il suono è più pieno e la gamma dal do 1 ad almeno il sol 3 può essere suonata bene. All’inizio, i flautisti francesi furono tra i protagonisti e, di conseguenza, i compositori francesi furono i primi a comporre per il nuovo flauto, il flauto Boehm. Ora il nostro armadio della musica si sta riempiendo ad un ritmo senza precedenti. E la maggior parte della letteratura flautistica non può più essere padroneggiata dai dilettanti, tanto sono cambiate le esigenze tecniche del suonatore.

Da un lato, si scrivono opere di musica da camera, e dall’altro, il flauto è improvvisamente spesso l’attore principale dell’orchestra. È chiaro che siamo arrivati da tempo nel periodo romantico. Fauré, Gaubert, Taffanel, Debussy, Chaminade – un po’ più tardi Pierné, d’Indy, Roussel, Ravel, in Germania Reinecke, Blumer, Juon e Rheinsberger compongono opere sonore, belle, piene, veramente flautistiche. Solo il genere “flauto solo” non ha nulla di nuovo da offrire (ancora). Fondamentalmente, però, questo non è sorprendente, perché quest’epoca di esuberanza e progresso ha favorito strumentazioni sempre più grandi, suoni sempre nuovi. Ma anche questo cambierà presto.

Per qualsiasi ragione, il flauto è diventato lo strumento sperimentale per eccellenza nella letteratura solistica dopo l’inizio del XX secolo. Claude Debussy (1862 – 1918) fece così nascere questa forma, che era stata trascurata per tanto tempo, ancora una volta nel 1913 con la sua opera altamente impressionista “Syrinx”. In questa “creazione perfetta della più piccola dimensione” (Gustav Scheck), una delle più belle metamorfosi dell’antichità è stata messa in musica – la ninfa Syrinx si trasforma in un giunco per paura del dio pastore Pan, Pan assembla un flauto dal giunco e ne ricava toni struggenti.

Ora i compositori sono inarrestabili, la musica per un solo flauto viene creata ovunque. In tutta la Francia, Ibert, Bozza, Jolivet, Kœchlin, Ferroud, Rivier e Varèse si rivolgono al flauto. In Germania, Karg-Elert pone l’antitesi espressionista alla “Syrinx” con la sua “Sonata appassionata” e Paul Hindemith compone poco dopo gli “8 pezzi”. In Svizzera, Arthur Honegger scrive la “Danse de la chêvre” e Willy Burkhard la Suite op.98. Tutto è possibile, si esplorano i limiti della tonalità, si espande lo spettro espressivo, i segni esecutivi si accumulano per sostenere l’esecutore nell’agogica. Come un filo rosso, la tradizione del pezzo solista quasi a più voci attraversa questo genere fin dal primo periodo barocco ed è ora spinta al massimo livello di difficoltà. E un secondo filo rosso diventa visibile: il flauto in relazione al suo carattere originale di strumento bucolico pastorale. Potremmo riempire molte serate di concerti con la letteratura per flauto solo senza ripeterci.

Soprattutto tra le due guerre mondiali, i compositori amavano attingere al potere simbolico e all’ambiente mitico del flauto, e anche al legame religioso-mistico menzionato all’inizio. Inoltre, c’era la tendenza verso l’esotico, lo straniero, che era molto diffusa all’epoca. De Lorenzo, Roussel, Delaney, Hahn, Ganne, Glass, Enescu, Jolivet, Nielsen, Dohnányi, Mouquet, Bartok, Gal, Fukushima e molti altri hanno composto e continuano a comporre.

Debussy ha aperto un nuovo mondo per noi flautisti, e non solo attraverso “Syrinx”. Con la sua grande sonata per flauto, viola e arpa, ha ispirato un’intera generazione di compositori a scrivere per questa meravigliosa strumentazione precedentemente sconosciuta. Probabilmente è stato il suono quasi orchestrale che l’ha portato. La strumentazione del quintetto di flauto/trio d’archi/arpa ha ricevuto una letteratura ancora più entusiasta. Jean Cras, André Jolivet, Alber Roussel, Leo Smit, Charles Kœchlin, Vincent d’Indy, Florent Schmitt, de Falla, Alexandre Tansman, Arthur Honegger, Jaques Ibert, Jean-Yves Daniel-Lesur – tutti hanno composto per il “Quintette instrumental de Paris”, fondato nel 1922, e la loro musica è stata accolta con entusiasmo e ascoltata spesso. Che peccato che questo gran numero di opere magnifiche sia ora così raramente portato in scena. Perché? Purtroppo è facile da spiegare. Lo sforzo è troppo grande, forse il compenso troppo alto per cinque musicisti da camera invece di due o tre soltanto.

Dopo Debussy, è stata composta musica molto diversa per flauto – la strumentazione più comune è probabilmente il duo pianistico, cioè flauto e pianoforte. Nella stessa Francia, Milhaud, Gaubert, Dutilleux, Ibert, Françaix e soprattutto Poulenc hanno composto opere di grande chiarezza e leggerezza fluttuante. La sonata di Poulenc è una delle cose più belle mai composte per flauto.

E la musica per flauto francese, molto impressionista, che sembra sempre la “lingua madre” del nostro strumento, è arricchita da grande musica in duo di compositori di altri paesi, tra cui Hindemith, Reger, Juon, Genzmer, Schulhoff, Martin, Nielsen, Martinů e Prokofjev. È abbastanza chiaro che il “nuovo” strumento di Theobald Böhm ha scatenato enormi forze – nei compositori e nei musicisti. Le grandi sonate per flauto ora stanno in fila con quelle di altri strumenti. Una piccola curiosità a margine: la magnifica ed espansiva Sonata per flauto op.94 di Prokofjev fu arrangiata per violino e pianoforte dal compositore stesso su richiesta di David Oistrakh. Nei secoli passati, il percorso è sempre stato il contrario.

Le “grandi” sonate per flauto e pianoforte dopo il 1800, chi le ha scritte? Una tale lista può ovviamente essere solo soggettiva. Ma la mia lista è questa:

Friedrich Kuhlau: Sonate in mi minore e la minore (1826/27)

Carl Reinecke: Undine – Sonata op.167 (1882)

Charles Kœchlin: Sonata (1911/1913)

Philippe Gaubert: 1a Sonata per flauto e pianoforte (1917)

Sigfrid Karg-Elert: Sonata in Si bemolle maggiore op.121 (1918)

Paul Hindemith: Sonata (1936)

Bohuslav Martinů: Sonata per flauto e pianoforte (1937)

Heinrich Caspar Schmid: Sonata (1939)

Sergei Prokofiev: Sonata op.94 (1943)

Henri Dutilleux: Sonatine per flauto e pianoforte (1943)

Leo Smit: Sonate voor fluit en klavier (1943)

Pierre Boulez: Sonatine op.1 (1946)

Francis Poulenc: Sonata (1957)

Lowell Liebermann: Sonata per flauto e pianoforte op.23 (1987)

Salvador Brotons: Sonata op.21 (2006)

Daniel Dorff: Sonata (Tre Laghi) (2014)

Naturalmente, questa forma e anche la strumentazione è arbitraria e quindi trascura il meraviglioso repertorio standard al di là delle sonate come la Fantasia di Fauré, la Kanzone Sinfonica di Karg-Elert e la Ballata di Martin per la stessa strumentazione o semplicemente la straordinaria Sonata per flauto, viola e arpa di Debussy, la Histoire du Tango per flauto e chitarra di Piazzolla, i trii per pianoforte di Martin in diverse strumentazioni o le Serenate per flauto, violino e viola di Reger. La quantità di grande letteratura per flauto è cresciuta così tanto in questo secolo che una selezione è difficile e deve essere soggettiva, anche se le opere citate si distinguono.

Vorrei terminare qui la mia passeggiata nel mondo della musica; siamo arrivati da tempo nell’era moderna. La musica dagli anni 50 in poi è troppo confusa, troppo vasta, troppo diversa per poterla descrivere in poche frasi e metterla in relazione tra loro. Naturalmente, continuiamo a comporre per il nostro strumento.

Si provano anche nuove combinazioni, per esempio musica per flauto e fisarmonica. Stockhausen, Bernstein, Berio, Yun, Gubaidulina, Fukushima – tutti si sono divertiti a scrivere musica per flauto. E i giovani compositori di oggi compongono anche per noi.

Per gli alunni e gli studenti, non è affatto facile filtrare ciò che è giusto per loro in questo momento da questa abbondanza di musica. Forse questo articolo può anche contribuire un po’ a creare ordine nelle loro menti. Questo mi renderebbe molto felice.

Verwendete Literatur:

Adorjan, Andras (Hrsg.) u.a.: Lexikon der Flöte, Laaber 2009
Busch-Salmen, Gabriele (Hrsg.) u.a.: Handbuch Querflöte, Kassel 1999
Holmes Schaefle, Melody: Flute pedagogy of the eightteenth and nineteenth centuries, San José 1989
Nastasi, Mirjam: Die Soloflöte, Leipzig 1991
Saito, Hironaru: Das Quartett für 4 Flöten, Nürnberg 2005
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