Ferdinando Carulli

da Thomas Stiegler

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli, meglio conosciuto come Ferdinando Carulli, è stato un compositore italiano dell’inizio del XIX secolo e uno dei più importanti chitarristi del suo tempo. Nacque a Napoli, che allora era la capitale del “Regno delle Due Sicilie” e quindi un centro di vita culturale nel sud della penisola appenninica. Essendo figlio di un personaggio di spicco della città [1], nacque in una famiglia benestante e così, oltre a un’educazione umanistica generale, gli fu possibile muovere i primi passi nel mondo della musica. Infatti suo padre assunse un prete che diede al ragazzo lezioni di teoria musicale e di violoncello, gettando così una base stabile per la sua vita successiva.

Anche Carulli entrò in contatto con la chitarra in tenera età. Certo, a quel tempo non era ancora lo strumento classico solista che trattiamo come in questo libro, ma era usato principalmente per l’accompagnamento delle canzoni ed era considerato uno strumento della gente comune. Così, anche se era estremamente popolare e risuonava in tutti i vicoli di Napoli (soprattutto di notte per accompagnare le serenate che gli amanti facevano ai loro amati), non era mai apparso come strumento classico.

Carulli sembra tuttavia esserne stato affascinato, perché all’età di soli sedici anni decise di dedicarvisi seriamente. Tuttavia, poiché non riuscì a trovare un insegnante che trattasse la chitarra come uno strumento da concerto a tutti gli effetti (circostanza che condivise con molti importanti chitarristi), fu costretto ad acquisire da solo l’intera tecnica esecutiva e a reinventarla parzialmente. Procedeva in modo così indipendente che già a metà dei suoi vent’anni la reputazione lo precedeva come il chitarrista più eccezionale di Napoli. Ben presto, però, sentì gli stretti limiti mentali che la sua città natale poneva ad un talento così straordinario, e così decise di lasciarla per cercare fortuna lontano.

Fu dapprima attratto dalla Toscana, dove si stabilì a Livorno nel 1796. Qui incontrerà la sua futura moglie Marie-Joséphine Boyer, che sposerà nel 1801. Nello stesso anno nacque il loro unico figlio, Gustave Carulli, che più tardi diventerà lui stesso un compositore e succederà a suo padre come professore al Conservatorio Nazionale di Parigi [2]. A Livorno, Carulli fu presto conosciuto come un importante virtuoso e insegnante, e trovò il coraggio di espandere la sua sfera di attività ancora una volta. Presto intraprese delle tournée di successo che lo portarono in tutta Europa, ma purtroppo ci sono pochissimi dischi di questo periodo. Sembra, tuttavia, che abbia trascorso un po’ di tempo ad Augusta e Milano, perché è ad Augusta che troviamo le prime opere pubblicate da Gombart [3]; e anche a Milano, alcune sue composizioni apparvero nel 1807. Dopo brevi soggiorni a Venezia e Vienna, fu finalmente attratto da Parigi, la “capitale musicale del mondo” dell’epoca, che non avrebbe più lasciato.

Nel 1796 si trasferisce a Livorno in Toscana, dove conosce la sua futura moglie Marie-Joséphine Boyer. Anche in questa città è diventato ben presto noto come maestro e virtuoso, e così ha iniziato le sue prime tournée di grande successo in Europa.

Le fonti di questo periodo sono purtroppo piuttosto scarse, ma sembra certo che abbia trascorso un po’ di tempo ad Augusta e a Milano. Qui pubblicò alcune delle sue prime opere nel 1807 nella già esistente casa editrice “Casa Ricordi”.

Dopo un breve periodo di tempo a Venezia e a Vienna fu attratto da Parigi, la “capitale mondiale della musica”, che non avrebbe mai più lasciato.

“L’artista arrivò a Parigi nell’aprile del 1808, diede diversi concerti e ebbe un successo travolgente. Divenne presto un homme à la mode, sia come virtuoso che come insegnante”. (François-Joseph Fétis, “Biografia Universale”)

In breve tempo è riuscito a far conoscere la chitarra all’alta borghesia della capitale francese e a mostrare ad un pubblico difficile da impressionare le possibilità di virtuosismo e di espressione musicale che la chitarra ha nelle mani di un suonatore dotato. Così fu presto considerato il primo chitarrista dei salotti aristocratici della città.

I dischi di quel tempo parlano di lui non essendo il musicista più inebriante e privo del temperamento, diciamo, del suo connazionale Giuliani. D’altra parte, il suo modo di suonare era caratterizzato da assoluta purezza e sicurezza, e i giornali riportavano la sua straordinaria padronanza dello strumento.

Caratteristica del suo stile è l’uso allora ancora insolito delle tecniche virtuosistiche della letteratura violinistica e pianistica, soprattutto delle più intricate figure arpeggiate, scale veloci su tutta la tastiera, glissandi o armonici.

Sembrava eseguire tutto questo senza sforzo e anche con doppi stop, scale su più ottave o intere cascate di accordi è sempre rimasto il maestro freddo del suo strumento.

Inoltre, fu uno dei primi chitarristi a farsi crescere le unghie della mano destra in modo che le corde non potessero più essere battute con la sola punta delle dita.

Così Carulli rimase per molti anni il re della scena chitarristica parigina, anche se accanto a lui c’erano altri chitarristi popolari come Matteo Carcassi o Francesco Molino.

Perché oltre a tutti i suoi compiti, Carulli trovò ancora il tempo di creare un corpus completo di lavori per la chitarra. Oggi conosciamo più di 400 opere, ma purtroppo le più belle e importanti delle sue composizioni sono probabilmente perdute. Questo perché la maggior parte delle sue composizioni erano considerate troppo difficili per il chitarrista medio e gli editori evitavano il rischio di pubblicarle. Questo porta alla curiosa situazione che uno dei più importanti compositori per chitarra è conosciuto principalmente come creatore di letteratura per principianti. Anche se Carulli ha osato fare il passo di diventare egli stesso un editore nei suoi ultimi anni, la maggior parte delle sue “grandi” opere saranno probabilmente perse per sempre. L’affermazione di Carulli che non meritava la sua fama di compositore deve essere intesa in questo contesto.

Tuttavia, ci sono alcune opere che testimoniano la qualità della sua musica, come i “Sei Andantes” op. 320 (dedicati a Matteo Carcassi), o le “Improvisations Musicales” op. 265, che consistono in 45 preludi molto brillanti in diverse chiavi. Ma i pezzi più importanti della sua penna sono certamente le sue opere di musica da camera, in cui la chitarra viene utilizzata nelle più diverse strumentazioni, per esempio in duo con la voce o il pianoforte, o in trio e con orchestra. Le sue opere più famose sono certamente i due trii op. 9 e op. 12 per chitarra, violino e flauto, le tre serenate op. 96 e i sei notturni op. 128.

Ma il compito principale della sua vita era quello di perfezionarsi con la chitarra e di progredire nel suo sviluppo tecnico. Il frutto di questo lavoro fu il suo “Méthode Op. 27”, che passò attraverso quattro edizioni durante la sua vita e fu poi rielaborato nella sua Op. 241. Fu il primo metodo di insegnamento completo [7] per la chitarra e fu non da ultimo grazie a quest’opera che la sua reputazione di insegnante più importante del suo tempo crebbe fino agli angoli più remoti d’Europa.

Di conseguenza, soprattutto a partire dagli anni 1830, molti chitarristi si recarono a Parigi per studiare con lui, facendo del suo metodo di insegnamento il modello e lo standard per l’insegnamento della chitarra classica. Oltre al suo lavoro come insegnante e compositore, trovò anche il tempo di pubblicare altre opere teoriche, come un “Méthode complète pour le Décacorde” per la chitarra a dieci corde.

Oltre al suo lavoro di insegnante e compositore, ha trovato il tempo di pubblicare altri lavori teorici come un “Méthode complète, op. 293” per la chitarra a dieci corde, un trattato di armonia, un trattato sulla chitarra come strumento di accompagnamento e diverse raccolte di “Vocalises and Solfèges”.

Oltre alla tecnica di suonare la chitarra, si è occupato anche dei suoi aspetti strumentali specifici, diventando così uno dei pionieri della sua forma classica.

All’inizio del XIX secolo la forma della chitarra a noi nota non esisteva ancora. Il primo strumento di Carulli assomigliava probabilmente a un liuto e aveva cinque coppie di corde, il che significava che, sebbene producesse un suono potente quando veniva colpito sugli accordi, non era adatto per la riproduzione melodica della musica classica.

Inoltre, il corpo dello strumento era più piccolo e produceva un suono meno risonante, più simile a quello di un ukulele.

Dopo che Carulli aveva già abbandonato la doppia corda e sperimentato diverse forme durante il suo soggiorno napoletano, in seguito continuò questi sforzi insieme al liutaio francese René François Lacôte.

Hanno dato alla chitarra un corpo più piatto e hanno reso i rigonfiamenti sul fianco più prominenti, conferendole una superficie più ampia e migliorandone il volume e il suono.

Insieme a Lacôte ha anche sviluppato una chitarra a dieci corde (décachorde), cioè una chitarra con quattro corde di basso supplementari, per la quale ha anche scritto un libro di testo.

Carulli rimase molto onorato fino alla fine della sua vita e morì il 17 febbraio 1841, chitarrista e insegnante conosciuto ben oltre i confini di Parigi.

Il suo lavoro è a nostra disposizione in numerose registrazioni. Probabilmente il più noto è il Duetto per chitarra e flauto op. 190, la cui registrazione più bella, secondo me, è di Alexander Lagoya e Jean-Pierre Rampal.

Anche il suo Duo in sol op. 34 è stato registrato più volte, per esempio da Julian Bream e John Williams.