L’arte del Medioevo

da Ulrich Henze

Nella storia dell’arte, il termine “Medioevo” è tradizionalmente usato per descrivere le opere d’arte create tra la tarda antichità, cioè la fine del IV e V secolo, e l’inizio del cosiddetto primo periodo moderno, iniziato nel XIV e XV secolo.

In passato, l’attenzione si è sempre concentrata esclusivamente sull’Europa; solo la produzione artistica dell’Impero Bizantino (395 – 1453) è stata inclusa nel canone storico dell’arte. Di recente, anche in seguito ai progressi della globalizzazione a tutti i livelli, si è verificato un ripensamento: L’arte europea – non solo quella del Medioevo – non è più vista come isolata nella ricerca, ma sempre più anche nella coscienza dei visitatori di musei e gallerie; ad esempio, il rapporto dell’arte europea con l’arte del Medio Oriente e del mondo arabo o con il continente africano è sempre più al centro degli studi artistici.

La situazione è simile a quella delle epoche in cui la storia dell’arte (e con essa la storia intellettuale in generale) ha diviso il Medioevo. In ordine cronologico, si tratta di grosso modo: tarda antichità o paleocristianesimo, arte carolingia, ottoniana e salsana, romanico e gotico, nonché l’arte bizantina già citata; tutte queste epoche, che sono equiparate a specifici fenomeni stilistici, sono state anch’esse suddivise in una fase precoce, alta e tardiva, ecc.

La ricerca di oggi è piuttosto critica nei confronti di questo pensiero epocale, poiché riconosce che queste singole fasi stilistiche non possono essere né chiaramente definite né chiaramente distinte l’una dall’altra. Così, “tardo gotico” nelle aree di lingua tedesca significa qualcosa di completamente diverso rispetto, ad esempio, ai territori e alle repubbliche urbane d’Italia: mentre il termine stilistico qui descrive il periodo intorno al 1300, è comune per le aree a nord delle Alpi fino al 1500 circa. Infine, di recente si è persino chiesto di considerare il termine “Medioevo” come un termine epocale completamente obsoleto, come si evince da una discussione tenutasi nella Frankfurter Allgemeine Zeitung nell’agosto 2018.


Si vede che ci sono alcune insidie quando si parla di arte “medievale”. Tuttavia, non esiste ancora un termine sostitutivo adeguato.

Inoltre, abbiamo tutti le nostre idee in testa quando parliamo di arte medievale, il che non è generalmente sbagliato, ma deve essere modificato e integrato qua e là. Con questa consapevolezza sembra legittimo continuare a usare il termine “Medioevo” e le sue implicazioni. Questo sembra meno appropriato per i nomi di stile tradizionale: Troppo è associato a termini come romanico o gotico, una definizione ampia dei fenomeni stilistici (ad esempio romanico significa “arco a tutto sesto”, gotico significa “arco a sesto acuto”), in quanto possiamo effettivamente conciliarli con l’aspetto delle opere architettoniche e pittoriche dell’epoca; per questo motivo ha senso rinunciare il più possibile a queste divisioni piuttosto rigide in periodi stilistici – vedremo che questo non sempre riesce – e utilizzare i secoli e i decenni come griglie cronologiche.

Cos’è che distingue l’arte medievale? C’è una parentesi superiore, un grande comune denominatore che si può concordare?

Per quanto riguarda l’architettura, sembra che il terreno comune sia che nei secoli qui in discussione, l’architettura sacra era la priorità assoluta. Ma attenzione: sono stati ovviamente eretti anche edifici profani rappresentativi, tra cui non solo fortezze e strutture urbanistiche, ma anche castelli, palazzi e residenze nobiliari progettati artisticamente, di cui purtroppo è sopravvissuto ben poco, il che restringe la nostra visione dell’architettura medievale.

Tuttavia, si può dire che la maggior parte delle energie sono state spese per la costruzione o la conversione di chiese, monasteri e cattedrali, ed è in questo settore che si possono trovare gli ultimi sviluppi dell’ingegneria strutturale e dell’architettura.

Per quanto riguarda le arti visive, la situazione è simile: Certamente c’erano temi pittorici profani che decoravano castelli e palazzi, ma anche municipi e municipi. Ma di gran lunga la maggior parte delle opere pittoriche può essere assegnata alla sfera sacrale. Anche qui, però, va detto che solo una piccolissima parte, circa il cinque-dieci percento, di tutto ciò che esisteva una volta è arrivato fino a noi. Le perdite e le decimazioni causate dagli effetti della guerra, dalle catastrofi naturali o dall’iconoclastia sono immense e devono essere sempre tenute presenti in tutte le nostre considerazioni sull’arte medievale.

C’è un altro aspetto da considerare: ciò che è stato conservato fino ad oggi non è per lo più né al suo posto né nel suo stato originale. Innumerevoli opere d’arte medievali sono oggi esposte e visibili in molti musei di tutto il mondo, grandi e piccoli, importanti e meno importanti. Questo è meraviglioso e lodevole, perché possiamo studiarli in questo modo, protetti e spesso da vicino. Ma sono isolati in un museo e completamente rimossi dal loro contesto precedente. Ma questo è estremamente importante per la loro comprensione. Possiamo ammirare una Madonna del XIII secolo scolpita e colorata in un museo per la sua abilità artistica, ma non riusciamo a capirla nel suo contesto funzionale – il contesto manca.

Tuttavia, l’arte medievale si caratterizza proprio per il fatto che le sue opere pittoriche sono sempre state contestualizzate, cioè il luogo in cui si trovavano nella topografia sacra di una chiesa o di un luogo sacro paragonabile è indispensabile per comprendere il significato degli oggetti.

E anche se ancora oggi possiamo trovare opere d’arte in numerose chiese medievali che ovviamente risalgono all’epoca della loro costruzione, dobbiamo chiederci se originariamente vi appartenevano, se sono ancora oggi al loro posto originale e – molto importante! – se hanno ancora lo stesso aspetto di prima. Perché: raramente le opere d’arte si conservano, perché una volta hanno lasciato la bottega dei loro creatori.

Troppo spesso nel corso dei secoli sono stati modificati, riscritti, “modernizzati”, adattati a un nuovo gusto e alterati i riti liturgici o di pietà. Soprattutto nel XVII e XVIII secolo, la gente amava vestire le opere d’arte medievali con un abito moderno; ne sono un esempio i numerosi adattamenti barocchi delle chiese “romaniche” della Germania meridionale o, ad esempio, la rielaborazione della famosa Madonna bizantina di Luca nel tesoro della cattedrale di Frisinga nel 1629, già modificata intorno al 1330.

Oltre alle questioni del contesto e dello stato di conservazione, ci sono anche considerazioni di materiale e tecnologia da indirizzare a un’opera d’arte medievale.

I ricercatori lo hanno sempre più spesso riconosciuto, cosicché oggi non è più possibile trarre conclusioni fondamentali e di vasta portata sulla storia dell’arte su un’opera o su un complesso di opere – ad esempio quando si lavora su cataloghi di inventario – senza consultare esperti di restauro e di tecnologia dell’arte.

La conoscenza dei materiali e delle tecniche artistiche è importante anche per gli oggetti medievali, perché in questo periodo abbiamo a che fare con materiali e metodi di lavorazione molto preziosi e talvolta straordinari. Così, i metalli preziosi come l’oro e l’argento hanno avuto un ruolo importante, non solo nell’arte orafa, che è uno dei generi medievali più importanti, ma anche in relazione alla pittura e alla scultura.

Numerose opere pittoriche sono (o erano) riccamente decorate con foglia d’oro o d’argento, oltre che con la loro colorata ambientazione, che non solo evocava un aspetto nobile, ma sottolineava anche il significato del personaggio o degli eventi visibili nella foto.

In armonia con le pareti dell’architettura della chiesa, che in origine erano anche parzialmente o completamente colorate – e che oggi di solito sono difficilmente visibili – dobbiamo quindi immaginare l’immagine, un tempo estremamente solenne, di un’opera d’arte totale, composta da pitture murali o mosaici, arsenali d’altare preziosamente rivestiti, vetrate scintillanti come pietre preziose, e i reliquiari, le sculture e le pitture su tavola che brillano d’oro e colori con cui è stata arredata una chiesa medievale. Anche i pigmenti utilizzati per i dipinti, come gli esotici lapislazzuli importati dall’Africa, erano tra i materiali preziosi e costosi utilizzati sia nella pittura su tavola che nell’illuminazione dei libri, che fiorirono nel Medioevo e con i quali i manoscritti liturgici e profani degli scriptoria monastici e poi secolari furono decorati artisticamente in grande varietà.

Con il tema dell’illuminazione dei libri, che deve essere sempre visto in relazione al testo che decora e illustra, tocchiamo il cosmo dell’arte del tesoro, che ha avuto un ruolo speciale nel Medioevo.

Mentre in epoca postmedievale i generi predominanti erano i cicli di affreschi su soffitti e pareti, i dipinti di piccolo e grande formato, per lo più ad olio su tela, così come le sculture e le sculture, nel Medioevo, almeno fino al XIII secolo, abbiamo avuto a che fare anche con opere di piccolo e piccolissimo formato. Creati con i materiali più pregiati e prodotti con il massimo livello di artigianalità, comprendevano pannelli e dittici scolpiti in avorio, contenitori reliquiari in cristallo di rocca o in oro e argento, spesso riccamente decorati con pietre preziose, perle, pietre antiche tagliate, smalto colorato scintillante e altre tecniche di fusione, dipinti in miniatura su pergamena o piccole sculture in bronzo come crocifissi e aquamanilie.

Lo storico dell’arte Hanns Swarzenski (1903-1985) ha dimostrato in modo vivido il significato di queste microscopiche opere d’arte per il Medioevo in un’opera rivoluzionaria pubblicata nel 1954 con il titolo programmatico “Monumenti dell’arte romanica”, contribuendo in modo decisivo a portare queste opere di altissima raffinatezza artistica e contenuti e contenuti funzionali dal campo delle “arti e mestieri”, fino ad allora piuttosto denigratamente valorizzate nella storia dell’arte, al centro del dibattito scientifico sull’arte medievale.

Oltre a generi specifici come i reliquiari, le tombe o la già citata illuminazione dei libri, sono soprattutto le modalità di rappresentazione e le mutevoli fasi stilistiche che compongono l’arte tra il 600 e il 1400 circa.

In sostanza si può supporre che i committenti e gli artisti dell’epoca – a differenza delle epoche successive – si preoccupassero meno di una rappresentazione del mondo reale e visibile che di una forma di illustrazione dell’evento salvifico cristiano o di idee principesche di “mondo” e “regola” gerarchicamente ordinate sotto vari aspetti.

Ma questa affermazione generale non deve essere intesa come se le tendenze al naturalismo fossero state completamente estranee al Medioevo – al contrario. La rappresentazione di piante e animali, dell’uomo e dell'”ambiente” ha avuto un ruolo importante nel disegno pittorico, dove anche questioni come la prospettiva e lo spazio hanno avuto un ruolo importante, anche se in un senso diverso da quello a cui siamo abituati fin dal Rinascimento.

In questo contesto, anche il carattere esemplare dell’arte antica, che si può osservare per tutto il Medioevo, è di importanza decisiva.

Ciò può sorprendere, in quanto questo soggetto è solitamente associato per la prima volta all’arte italiana del primo periodo moderno a partire dal XV secolo.

Ma è proprio vero che l’antichità gioca un ruolo importante nell’architettura medievale e nell’arte pittorica. Dalla sala della porta di Lorsch e dalla Cappella Palatina di Aquisgrana fino alla cattedrale di Spira o al terzo edificio della chiesa abbaziale di Cluny, ovunque si trovano echi di antiche forme costruttive o elementi decorativi architettonici di origine romana. La situazione è simile con le opere pittoriche: Sia l’illuminazione dei libri carolingi che le opere orafe di Nicola di Verdun del 1200 circa mostrano modelli antichi – il che non sorprende alla luce delle antiche rovine e dei detriti ancora visibili in molti luoghi del Medioevo, soprattutto perché l’antichità e la sua cultura non sono mai state completamente dimenticate. Così, piccole opere d’arte di lusso e di grande valore dell’epoca romana, come gemme e cammei, vasi di cristallo di rocca o pietre preziose, monete e medaglie riempivano le stanze del tesoro sia secolari che ecclesiastiche.

Infine, c’è un’altra caratteristica che distingue l’arte medievale da quella dei tempi successivi: si tratta chiaramente di un’arte commissionata.

Fino al XII e XIII secolo, quasi nessuna opera d’arte è stata creata senza una commissione. Di norma, non è l’artista che si occupa dell’aspetto di un’opera, ma la persona su commissione della quale è stata creata e per la quale ha pagato. I principi, i re, la bassa nobiltà o anche gli imperatori romani ne sono responsabili tanto quanto i rappresentanti del clero, i vescovi e le badesse, le canonichesse e i canonici; dal XIII secolo in poi, le città e i loro rappresentanti compaiono sempre più spesso sulla scena come mecenati.

Gli artisti hanno svolto un ruolo piuttosto subordinato in questa struttura, motivo per cui – a parte alcune eccezioni – non sono stati generalmente tenuti in particolare considerazione e sono quindi solo molto raramente conosciuti per nome.

Nel Medioevo non esisteva un mercato dell’arte di carattere moderno; solo il commercio dei pellegrini è dovuto ad oggetti devozionali prefabbricati come le insegne dei pellegrini o le ampolle conservate a Monza; dal XIII secolo in poi, e sempre più nel XIV secolo, si sono avuti i primi tentativi di produrre opere pittoriche per il mercato. Ciononostante, il settore dei contratti è rimasto a lungo la forma predominante di produzione di immagini.

Al termine di queste brevi e generali riflessioni, vale la pena sottolineare un fatto troppo spesso dimenticato o troppo poco ancorato alla coscienza: il Medioevo non era un’epoca statica.

Molte delle persone a cui è stata affidata la produzione di opere edili e pittoriche – artisti come pittori, barilieri, doratori, scalpellini, capomastri e intere opere edili, ma anche falegnami e altri artigiani, orafi, smaltatori e tagliapietre, nonché clienti di ogni genere – erano estremamente mobili e spesso viaggiavano per lunghe distanze. Questo vale non solo per l’arte dell’epoca dei crociati e per lo stretto scambio tra Oriente e Occidente che le andava di pari passo, ma anche per quasi tutti i secoli e in tutte le direzioni.

Inoltre, anche i media come i libri di modelli, i modelli, i piani e le crepe sono migrati e potrebbero essere passati di mano in mano, da un laboratorio all’altro. In conseguenza di tutto ciò, si sono diffusi motivi e idee, planimetrie e caratteristiche iconografiche, nonché fenomeni e tecniche stilistiche, che ci pongono oggi di fronte a questioni spesso insolubili di datazione e localizzazione.

Allo stesso tempo, però, il riconoscimento della grande mobilità dell’arte medievale promuove la nostra comprensione dell’aspetto globale e di rete e delle condizioni di provenienza di queste affascinanti opere di un lontano passato.

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