Le donne nella storia della musica francese del XIX secolo

da Anja Weinberger

Le donne nella storia della musica francese del XIX secolo

da Anja Weinberger

Un titolo così erudito e noioso! Le donne nella storia della musica francese del 19° secolo!

Ma anche dopo averci riflettuto a lungo, non sono riuscito a pensare a niente di meglio o di più adatto. Questo titolo dice semplicemente ciò che si suppone che dica; e presumibilmente, il lettore interessato teme ora che gran parte delle prossime righe tratterà della trascuratezza delle donne nella storia della musica francese. In realtà, però, questo non è affatto il mio obiettivo. In realtà…

Essendo io stessa una musicista – e una donna – avevo semplicemente voglia di tracciare queste biografie. Ho suonato io stesso la musica di alcuni di questi artisti, ho ascoltato opere di altri e ne sono rimasto entusiasta, oppure mi sono imbattuto nei loro nomi da qualche parte, mi sono incuriosito e ho voluto saperne di più.

Naturalmente, essendo nate femmine, erano di per sé svantaggiate in molte aree della vita. Tuttavia, si potrà anche leggere che ci sono state delle eccezioni. E bisogna dirlo chiaramente: In molte famiglie borghesi-conservatrici dell’epoca, l’aspirazione alla carriera di “musicista” non provocava necessariamente una tempesta di entusiasmo, anche tra i figli – presumibilmente poco è cambiato in questo senso fino ad oggi. È possibile che le figlie avessero anche un piccolo vantaggio in questo senso, dato che venivano volentieri date lezioni di musica o di disegno, se possibile economicamente, per prepararle meglio al ruolo di moglie e madre istruita ma dilettante.

Se ho imparato qualcosa dalle diverse ricerche degli ultimi anni, è che ci sono molte eccezioni ad ogni regola. O per dirla ancora meglio: quasi nessuna vita entra in una cassetta, tutti sono alla fine uguali, uomo o donna che sia.

Sono entrato in contatto con le opere di Mel Bonis e Cécile Chaminade abbastanza presto nella mia vita di musicista. Naturalmente, questo è anche dovuto alla mia professione, perché sono un flautista. Ed entrambi hanno composto bellissime opere per il mio bellissimo strumento durante la Belle Époque e gli Années folles. Di conseguenza, non sono affatto sicuro che i violoncellisti, per esempio, conoscano i loro nomi.

Vorrei includere anche Louise Farrenc nel giro, perché anche lei ha composto per noi flautisti in un’epoca in cui gli strumenti ad arco e il pianoforte superavano ancora il flauto – è vissuta mezzo secolo prima degli altri due, cioè nel periodo che oggi chiamiamo periodo romantico e quando la rivoluzione di Theobald Böhm nella costruzione dei flauti era ancora lontana.

Altre due compositrici – Augusta Holmès e Pauline Viardot – completano il tutto. Non hanno composto nulla per noi flautisti, ma hanno biografie interessanti e insolite da mostrare.

Infine, naturalmente, viene dato uno sguardo oltre i confini del XIX secolo.

Ed eccoci qui:

Louise Dumont è nata il 31 maggio 1804 in una famiglia piena di pittori e scultori. Presto prese lezioni di pianoforte e solfeggio e incontrò Ignaz Moscheles e Johann Nepomuk Hummel. All’età di 15 anni, riuscì ad entrare nella classe di composizione di Anton Reicha al Conservatorio di Parigi – a quel tempo insolito per una donna o addirittura una ragazza. Reicha era uno dei più rispettati insegnanti di composizione dell’epoca.

Nel 1821, Louise sposò finalmente il flautista ed editore musicale Aristide Farrenc e da allora porta il suo nome. Viaggiò molto con Aristide e suo marito la sostenne attivamente nella carriera che stava iniziando. Louise Farrenc pubblicò le sue prime opere per pianoforte e da tempo era diventata una pianista convincente.

A partire dagli anni 1830, scrisse la musica orchestrale e da camera che la rese famosa. Aveva sviluppato uno stile completamente individuale, vivace ed elegante, che da un lato era nella tradizione classica della scuola viennese e dall’altro era influenzato dalle sue ricerche nel campo della musica antica. Inoltre, questo stile era caratterizzato dalla sua gioia per la strumentazione insolita. Le opere di Louise furono molto presto eseguite a livello internazionale.

Dal 1842, fu la prima donna in Europa a tenere una cattedra strumentale di pianoforte al Conservatorio di Parigi, fondato nel 1795, per oltre 30 anni. Per essere giusti, bisogna dire che ha dovuto lottare per la piena retribuzione rispetto ai suoi colleghi maschi. Molte delle sue allieve, compresa sua figlia Victorine, erano tra la crème de la crème del mondo del pianoforte. I Trente Études op. 26 di Louise Farrenc divennero poi materiale didattico ufficiale nei conservatori di Parigi, Bruxelles e Bologna dal 1845.

Aristide Farrenc sciolse la sua attività editoriale nel 1837 e da allora pubblicò solo opere di sua moglie. Da questo momento in poi, si dedicò principalmente alla ricerca storico-musicale e ad un’attiva attività di collezionismo nel campo della musica antica. In questo contesto, l’antologia pianistica Le Trésor des pianistes, curata congiuntamente dai coniugi Farrenc, è stata particolarmente apprezzata: una delle prime edizioni fedeli della musica europea per strumenti a tastiera dal XVI al XIX secolo.

Ci sono due cose da sapere su questo:

La musica di Bach o anche di Mozart non appariva quasi mai nei programmi di allora. Musicisti e musicologi come i Farrenc stavano appena iniziando a lavorare sulla musica del periodo barocco e del primo periodo classico e a pensare a una pratica esecutiva storicamente accurata.

E in secondo luogo, nel XVIII secolo, il fortepiano apparve accanto al clavicembalo, che fino ad allora aveva regnato praticamente da solo. Da questo momento in poi, la musica per strumenti a tastiera prese molte nuove strade. Louise Farrenc e i suoi colleghi erano pianisti, non più clavicembalisti. Il modo di suonare la cosiddetta musica antica era quindi piuttosto sconosciuto all’epoca.

Nel 1859, la figlia molto dotata Victorine Farrenc morì di tubercolosi a soli 32 anni. Era l’unica figlia di Louise. Da questo momento in poi, non si trova quasi nessuna rassegna stampa. Sembra che Louise Farrenc non dia più concerti, ma si dedichi principalmente alla redazione, alla pianificazione e all’esecuzione delle Séances historiques. Aveva iniziato questa serie di concerti insieme a suo marito e hanno suonato opere del Trésor des pianistes, alcune delle quali sono state anche spiegate al pubblico interessato.

Nel 1861 e di nuovo nel 1869 Louise ricevette il premio di musica da camera Prix Chartier dall’Académie des beaux-arts.

Infine, nel 1865, Aristide morì e Louise rimase sola.

Durante tutta la sua vita si è vista come pianista, compositrice e musicologa. Completa il lavoro sugli eccezionali 15 volumi del Trésor senza supporto e insegna al Conservatorio fino al 1872. Louise Farrenc muore a Parigi nel 1875 all’età di 71 anni.

In occasione del suo 200° compleanno nel 2004, un’edizione completa della sua opera è stata finalmente pubblicata da una casa editrice svizzera.

Nel 1821, sempre a Parigi, Pauline Garcia nacque da una nota famiglia di cantanti spagnoli – era l’anno in cui Louise Farrenc entrò al Conservatorio.

Il padre di Pauline aveva già successo come tenore e stabiliva nuovi standard con la sua abilità. Anche suo fratello Manuel era un cantante e probabilmente l’insegnante di canto più influente dell’epoca. Sua sorella Maria, di 13 anni più grande, divenne ben presto un celebre soprano e la prima diva della storia dell’opera con il suo nome da sposata Maria Malibran. Si è esibita ovunque nel mondo musicale, incantando il pubblico e attirandolo anche magneticamente. In questo ambiente artistico, Pauline prese prima lezioni di pianoforte e studiò composizione. Fu solo dopo la morte prematura di sua sorella, famosa in tutto il mondo, che iniziò a cantare.

Nel 1840, all’età di 19 anni, sposò Louis Viardot, uno scrittore, storico dell’arte, regista teatrale, traduttore (e nei primi anni della sua vita professionale anche avvocato) di 21 anni più vecchio di lei. I due si incontrarono tramite George Sand, un amico di Pauline di cui Louis stava promuovendo il divorzio come avvocato.

I Viardot avevano un matrimonio felice – almeno la maggior parte del tempo – Louis amava molto sua moglie e sosteneva la sua carriera con tutte le sue forze.

Pauline Viardot, come era conosciuta da allora in poi, aveva già fatto il suo debutto operistico un anno prima e aveva entusiasmato il pubblico non solo con il suo carismatico mezzosoprano ma anche con un talento interpretativo insolitamente forte. Ha intrapreso tour di concerti che durano diversi mesi, durante i quali sono state eseguite molte delle sue composizioni. In queste tournée ha cantato Norma, naturalmente in italiano, ma anche opere di Glinka e Tchaikovsky in russo. Meyerbeer compose per lei – in francese – il Fidès de Le Prophète. Inoltre, c’erano compositori diversi come Gluck e Verdi. Ha anche arrangiato opere straniere e canzoni tradizionali di varie origini nazionali per portarle a un pubblico più ampio. Già nel 1838, le sue composizioni e gli arrangiamenti furono pubblicati in diverse lingue e paesi, tra cui Copenhagen, Varsavia, Berlino, Parigi, Londra, San Pietroburgo e New York. Pauline Viardot fu una delle artiste più versatili del XIX secolo.

Durante uno di questi viaggi, nel 1843, Pauline incontrò a San Pietroburgo Ivan Turgenev, all’epoca giovane aspirante scrittore della migliore famiglia. Si innamorò immediatamente di lei e da quel momento dedicò la sua vita e la sua vocazione a Pauline. Questa relazione triangolare determinerà la sua vita fino alla sua morte nel 1883. Anche Louis, il marito molto più anziano di Pauline, rimarrà sempre in rapporti amichevoli con Ivan. La figlia di Turgenev, che proviene da un’altra storia d’amore, viene addirittura presa in famiglia da Pauline dopo la sua morte. Insolito.

Nel 1863, a soli 42 anni, Pauline si ritirò quasi completamente dalle scene e si trasferì con la famiglia a Baden-Baden. Lì insegnava e dava concerti e spettacoli d’opera con i suoi allievi e bambini in un ambiente piccolo e piuttosto privato. Un teatro da giardino appositamente costruito e la villa in cui vivevano erano ideali per questo scopo. Le matinée di Pauline lì erano famose. Wilhelm e Auguste Victoria di Prussia, Otto von Bismarck, Artur Rubinstein, Franz Liszt, Richard Wagner, Theodor Storm, Ivan Turgenev, che viveva con i Viardot in questo periodo, e naturalmente George Sand – erano tutti lì. Venne anche la cara amica di Pauline, Clara Schumann, e suonarono Chopin, Brahms – e naturalmente Schumann.

Pauline si dedica di nuovo alla composizione. La rappresentazione della sua operetta fantastica Le Dernier Sorcier (L’ultimo stregone) fu diretta da Johannes Brahms nel 1869. In cambio, ha cantato la prima della sua rapsodia per contralto. Nel frattempo, Pauline godeva anche di una reputazione altrettanto leggendaria come insegnante di canto, come aveva fatto suo fratello Manuel anni prima.

All’inizio della guerra franco-prussiana, la famiglia Viardot tornò a Parigi via Londra.

Nel 1874 Louis ebbe un ictus che lo confinò in casa fino alla sua morte nel 1883. Pauline allattò suo marito, gestì un salone, compose e insegnò fino alla sua morte all’età di 88 anni all’inizio dell’estate 1910.

Nel 1847 – quando la carriera di Pauline Viardot era già in pieno sviluppo – Augusta Holmès nacque, sempre a Parigi, da una famiglia di origine irlandese. Solo nel 1871, quando Augusta divenne cittadina francese, aggiunse l’accento grave al suo cognome.

La bella ragazza è cresciuta a Versailles. Lì dominava la musica militare e quindi era circondata principalmente da strumenti a fiato. Forse questo è anche il motivo per cui più tardi si appassionerà alle opulente strumentazioni a fiato.

Augusta non era solo eccezionalmente bella, ma anche una bambina molto talentuosa, imparando diverse lingue in tenera età e facendo grandi progressi nel suonare il pianoforte molto rapidamente. Era già in grado di usare i suoi testi per le sue prime canzoni auto-composte.

Le fu rifiutata l’ammissione al Conservatorio di Parigi a causa della sua cittadinanza irlandese. Alla fine riuscì a prendere lezioni di composizione con l’organista Henri Lambert e imparò l’orchestrazione con Hyacinthe Klosé. (Una piccola inserzione, soprattutto per i flautisti tra noi: Klosé, lui stesso clarinettista e professore al Conservatorio, fu colui che, insieme a Louis Auguste Buffet, trasferì l’ingegnoso sistema di Theobald Böhm dal flauto al clarinetto).

Le lezioni private di composizione le furono poi – finalmente – impartite da César Franck.

Da questo momento in poi, la sua sonora voce da contralto, con la quale spesso interpretava le sue stesse canzoni, fece scalpore nei salotti parigini. Ha anche fatto scalpore come pianista in patria e all’estero. Durante questi anni, le sue opere furono pubblicate con lo pseudonimo di Hermann Zenta, presumibilmente per nascondere il fatto che fosse una donna.

Wagner impressionò Augusta immensamente; si recò persino a Monaco per essere presente alla prima di Rheingold. Soprattutto, adottò per sé l’ideale del poeta-compositore, di cui si trovano tracce nella maggior parte delle sue opere.

L’apparizione di Augusta deve essere stata travolgente per molti. Il pittore Georges Clairin, che dipinse i famosi ritratti di Sarah Bernhardt, la definì “più una dea che una donna”. Non c’è da meravigliarsi, quindi, se il suo nome non appariva solo nella sezione cultura ma frequentemente nelle colonne di gossip della stampa.

Si dice che Liszt l’abbia corteggiata e che Wagner abbia giaciuto ai suoi piedi dopo la morte di Minna.

Augusta Holmès, tuttavia, rimase non sposata, anche se visse per un certo periodo in un matrimonio selvaggio con Catulle Mendès. La coppia ha avuto cinque figli. Un noto quadro di Auguste Renoir intitolato Ritratto delle figlie di Catulle Mendès mostra tre delle loro figlie insieme al pianoforte.

Augusta fu incaricata di scrivere un’opera per il centenario della Rivoluzione francese. Il risultato fu l’Ode triomphale en l’honneur du Centenaire de 1789, che fu presentata in anteprima al Palais de l’Industrie per l’Esposizione Universale del 1889. Cast: soprano solista, coro misto di 900 cantanti, orchestra (300 musicisti) – uno spettacolo gigantesco.

Nel 1895 ebbe il suo più grande successo con l’opera La Montagne noire, rappresentata al Palais Garnier.

La sua particolare voce compositiva aiutò anche la musica nazionale francese ad uscire dal suo intreccio con il wagnerismo. Dopo la morte prematura di Augusta Holmès nel 1903, le sue opere rimasero una caratteristica regolare della vita musicale parigina. Fu solo dopo la prima guerra mondiale e l’inizio di un riorientamento dell’estetica musicale che la sua musica cadde lentamente ma inesorabilmente nell’oblio.

Nel 1857, solo dieci anni dopo Augusta Holmès, Cécile Chaminade nacque a Parigi ai piedi di Montmartre. Nella sua famiglia troviamo soprattutto ufficiali e marinai, solo il padre apparteneva alla classe medio-alta.

Sua madre, una pianista, all’inizio insegnava da sola alla bambina e ben presto fu chiaro che qui si doveva coltivare un talento speciale. La bambina di otto anni suonò presto per George Bizet, che la soprannominò la “Petite Mozart”. Successivamente, Cécile ha potuto anche prendere lezioni private di armonia e contrappunto. Esistono alcune opere sacre molto precoci di Cécile Chaminade, quando non aveva ancora dieci anni, e a undici anni due delle sue mazurche per pianoforte apparvero in stampa.

All’età di 18 anni, Cécile dà finalmente il suo primo concerto, e due anni dopo si esibisce nella famosa Salle Pleyel di Parigi. A partire da questo periodo, anche le sue composizioni divennero sempre più popolari. Una cosa distingue ancora oggi la musica di Cécile Chaminade sopra tutte le altre: piace subito, al primo ascolto, ma non è mai banale. Più volte si sente usare la parola “musica da salotto” in senso peggiorativo, ma questo non rende affatto giustizia al suo lavoro. Piuttosto, Cécile aveva il raro talento di combinare l’eufonia con passaggi assolutamente virtuosistici ed era anche in grado di scrivere pezzi di carattere molto appropriati e canzoni onomatopeiche.

Divenne ora un membro attivo della Société nationale de musique, nei cui concerti furono eseguite alcune delle sue composizioni. Nel 1891, quando aveva 34 anni, la sua canzone di maggior successo L’Anneau d’argent (L’anello d’argento) fu pubblicata in ben 200.000 copie.

Dopo precedenti tour di concerti in Francia, Svizzera, Belgio e Olanda, il suo debutto inglese avvenne finalmente nel 1892. Lì, in Inghilterra, Cécile era tenuta in particolare considerazione. Ha suonato diverse volte per la regina Vittoria, che l’ha persino invitata a passare qualche giorno al castello di Windsor. I suoi abiti, spesso stravaganti, furono prontamente imitati dai fan inglesi.

Ora si è esibita nei paesi balcanici e infine anche negli Stati Uniti, dove è stata celebrata euforicamente dal suo pubblico non solo nella Carnegie Hall di New York – la gente ha fondato club Chaminade, scambiato souvenir Chaminade.

All’inizio, Cécile era molto scettica sul matrimonio, perché era consapevole che la sua vita era dedicata alla musica e che un marito avrebbe potuto avere altre idee sulla convivenza. Solo nel 1901, quando aveva già circa 40 anni, incontrò Louis-Mathieu Carbonel, un vecchio editore di musica, con il quale passò sei anni molto felici fino alla sua morte.

Anche una composizione commissionata per il Conservatorio di Parigi rientra in questo periodo. Il Concertino op.107 per flauto di Cécile Chaminade fu scritto nel 1902, e ogni flautista lo conosce e lo ama – anche oggi.

Nel 1913, fu la prima compositrice ad essere inserita nella Légion d’Honneur, quando la sua stella stava già cominciando a spegnersi. Solo in Inghilterra era ancora molto presente per qualche tempo.

Le esperienze della prima guerra mondiale misero finalmente a tacere Cécile. Nel 1914, assunse la direzione di un ospedale per soldati feriti, vi lavorò duramente e alla fine si ammalò lei stessa. Veniva a comporre solo di notte. E poi, dopo la guerra, il suo modo di scrivere non era abbastanza “moderno”; i suoi pezzi da pianoforte e da salotto, per lo più brevi, non erano più adatti ai tempi. La Francia ora “suonava” diversa, una nuova generazione con nuove idee era in attesa nelle ali. Cécile Chaminade ha composto relativamente poco, soprattutto musica per pianoforte. Nel 1937, si stabilì a Monte Carlo, dove morì in solitudine nel 1944.

Nel 1858, appena un anno dopo Cécile Chaminade, Mélanie Bonis nasce in una famiglia cattolica di artigiani, sempre a Parigi. Il suo talento musicale era poco notato nell’ambiente familiare non particolarmente amorevole e quindi non era naturalmente incoraggiato. Di conseguenza, ha acquisito le sue prime competenze musicali interamente da autodidatta durante la sua infanzia.

Alla fine, Mélanie ricevette lezioni di pianoforte. I suoi genitori speravano che questo avrebbe aumentato le sue possibilità sul mercato del matrimonio. All’età di 18 anni, divenne allieva di César Franck, che era così entusiasta del suo talento che le raccomandò vivamente di tentare l’esame di ammissione al conservatorio. Sotto gli occhi critici e dubbiosi dei suoi genitori, è passata – naturalmente – e ha continuato a studiare con successo in una classe con Debussy e Pierné. Ha vinto diversi premi e ha lavorato diligentemente. Quando finalmente si innamorò di un compagno di studi, i genitori di Mélanie misero bruscamente fine alla sua educazione e la portarono via dal conservatorio contro la resistenza dei suoi insegnanti.

Nel 1883 fu costretta a sposarsi con Albert Domange, un industriale vedovo di 22 anni più vecchio di lei, che portò cinque figli nel matrimonio. I doveri di casalinga e matrigna impedirono ulteriori composizioni negli anni a venire. Mélanie stessa diede alla luce altri tre figli fino al 1898. E: Monsieur Domange non aveva alcun interesse per l’arte e la musica – voleva solo una moglie e una madre funzionante. Così, per molti anni, Mélanie ha vissuto una vita molto borghese tra Parigi e le località balneari della Normandia.

Negli anni 1890, incontrò per caso il suo amore d’infanzia Amédée Hettich, che era diventato un critico musicale e un insegnante di canto e stava ora giocando un ruolo importante nella vita musicale parigina. Sposato lui stesso, sostenne energicamente i suoi tentativi di riconquistare un punto d’appoggio nel mondo della musica dominato dagli uomini.

Nel 1899, Mélanie diede segretamente alla luce la figlia di Hettich, Madeleine, che dovette crescere in clandestinità. La sua musica era cambiata durante questo periodo, divenne più emotiva e rifletteva sempre più la sua vita interiore. Perché Mélanie lotta con le sue convinzioni religiose e non potrà mai perdonarsi questo doppio peccato di adulterio e di nascita segreta. Fu solo durante la prima guerra mondiale che riuscì finalmente a prendere sua figlia con sé – ma solo con la pretesa protettiva che Madeleine fosse orfana.

Mélanie ha cercato di accelerare la sua carriera usando lo pseudonimo neutro di genere Mel Bonis. Anche se nel frattempo c’erano alcune pianiste professioniste, l’arte della composizione era ancora saldamente in mani maschili. Dal 1900 in poi, scrisse di più e nei 20 anni successivi furono scritte le sue opere più importanti. La sua musica sensuale, appassionata, ma mai sovraccarica, fu accolta molto bene, incontrò il plauso dei colleghi (soprattutto Fauré, Debussy, Kœchlin, Pierné) e fu suonata dai più famosi interpreti dell’epoca. La forma è solitamente austera, ma questa austerità è sovrapposta da una scrittura melodica straordinariamente fantasiosa e da una squisita comprensione armonica. Mélanie ha anche mostrato una sorprendente ingegnosità nella strumentazione.

Ricevette diversi premi di composizione e divenne membro della Société des Compositeurs, a volte anche segretario. Le sue opere sono state pubblicate da editori rinomati come Leduc e Max Eschig.

Mélanie era molto modesta, riluttante a parlare del suo lavoro, raramente lo promuoveva in prima persona e non si è mai spinta alla ribalta.

Nel 1918, suo marito, con il quale era stata infelicemente sposata per 35 anni, morì e nel 1932 suo figlio minore morì in un incidente. Questo, la sua educazione borghese strettamente cattolica e la fuga nella religiosità da un lato, la voglia di comporre, il “passo falso” con Hettich e i suoi sensi di colpa che non potevano essere messi a riposo dall’altro, lasciarono una donna gravemente depressa che difficilmente poteva gestire la lotta tra la convenzione e l’ambizione.

La vita di Mélanie fu oscurata da queste depressioni per molti anni.

Attualmente, il lavoro di Mel Bonis sta vivendo una rinascita dopo circa sessant’anni di oblio. È considerata una delle più importanti compositrici della Francia di fine secolo. Si trova la sua musica ancora e ancora nei programmi di musica da camera e la Fantaisie per pianoforte e orchestra mostra che anche le grandi strumentazioni non sarebbero state un problema per Mélanie. Che peccato che non abbia lasciato altre opere orchestrali.

Mélanie Bonis morì nel 1937 all’età di 79 anni. A causa della sua età avanzata, i suoi ultimi anni furono segnati dall’isolamento artistico, poiché non seguì la strada della musica più recente. Anche il suo corpo l’ha abbandonata alla fine, ha passato la maggior parte del tempo sdraiata. La sua ultima gioia: è rimasta in stretto contatto con sua figlia minore Madeleine fino alla fine.

Ora siamo arrivati al periodo intorno alla seconda guerra mondiale. La Belle Époque e gli Années Folles hanno già travolto Parigi.

Mai prima d’ora erano state create tante cose nuove in uno spazio così piccolo, e la vita pulsava in modo così colorato, come a Parigi in questi anni emozionanti. In pittura, gli artisti si stavano allontanando dal punto di vista accademico; i compositori si stavano allontanando dal Romanticismo verso l’Im- e l’Espressionismo. Scultura, pittura, letteratura, filosofia, architettura, arti e mestieri, moda e persino musica – tutto è stato infettato da questo desiderio, questa spinta in avanti, questa indulgenza nella materia, nel suono, nella parola e nell’immagine.

Cécile Chaminade e Mel Bonis hanno vissuto in prima persona quel periodo. Ora, però, sono apparsi sulla scena persone più giovani, musicisti e compositori che, sulla scia di questo periodo brillante, hanno gettato o getteranno la loro produttività artistica.

Per esempio, le sorelle Nadia e Lili Boulanger, Germaine Tailleferre, Jeanne Leleu, Claude Arrieu e Elsa Barraine. Tutti loro hanno contribuito alla storia della musica francese.

La dotatissima Lili Boulanger (1893-1918), proveniente da una famiglia di musicisti, vinse il Grand Prix de Rome e morì a 26 anni. È stata malata per tutta la sua breve vita. Le composizioni di Lili hanno la profondità e la bellezza delle opere di una persona matura e con esperienza di vita.

Sua sorella Nadia (1887-1979) visse fino a 92 anni e divenne una delle più famose insegnanti di composizione del XX secolo.

Germaine Tailleferre (1892-1983), da parte sua, era membro del Group des Six e fu una delle prime a conquistare il cinema e la televisione.

Anche Claude Arrieu (1903-1990) ha lasciato un’opera molto vasta, con una grande parte di musica per la radio e il cinema, ma anche opere sceniche. È stata anche produttrice per la radio francese.

Jeanne Leleu (1898-1979) eccelleva come pianista e vinse anche il Premier Grand Prix de Rome come compositrice. Ravel, profondamente colpito, le dedicò il suo Prélude in A minor.

E Elsa Barraine (1910-1999)? Era una delle più talentuose nella successione di Lili Boulanger, professore al Conservatorio di Parigi e ispettore dei teatri di stato.

Perché le sue opere sono così raramente ascoltate? Perché quasi nessuno conosce i loro nomi?

Queste domande ci lasciano completamente perplessi. Hanno vinto un premio dopo l’altro, hanno occupato posizioni importanti, il loro lavoro ha influenzato i compositori della generazione successiva.

Così le domande continuano a stare nella stanza, in attesa di risposte…

Farò un’osservazione – forse soggettiva – proprio accanto ad essa: Se sfogliate le opere di riferimento della musica o dell’arte, troverete che la proporzione di donne elencate è minuscola. Spesso non si trovano nemmeno nomi di artiste influenti e realmente conosciute.

E quanto segue è in ogni caso un fatto – oggettivo -: se il movimento delle donne non avesse lavorato attivamente alla riscoperta di Mel Bonis, questa meravigliosa musica sarebbe ancora oggi persa per tutti noi.

Eccoci di nuovo all’inizio… . Ritiro il mio commento iniziale e ridefinisco il mio obiettivo.