Bruegel il Vecchio

da Johanna Fischer-Wellenborn

Pieter Bruegel il Vecchio – Un breve tour della collezione del Kunsthistorisches Museum di Vienna

Pieter Bruegel il Vecchio: (nato nel 1525/1530 probabilmente a Breda, Paesi Bassi – morto nel 1569 a Bruxelles) è stato un pittore del Rinascimento olandese ed è meglio conosciuto per le sue rappresentazioni della vita contadina, motivo per cui è anche chiamato “Bruegel contadino”. Ci sono diverse grafie del suo nome, in parte perché inizialmente firmò le sue opere con “Brueghel”, ma più tardi con “Bruegel”. Sappiamo molto poco della vita di Pieter Bruegel. Fu probabilmente un allievo di Pieter Coeck van Aelst ad Anversa e in seguito lavorò nell’importante laboratorio di rame di Hieronymus Cock. Dal 1552 trascorse tre anni in Italia prima di tornare ad Anversa, dove continuò a lavorare nella bottega di Cock.

Nel 563 sposò a Bruxelles la figlia della sua ex insegnante, Maria Coecke van Aelst. Con lei ebbe due figli: Pieter il minore nacque nel 1564, Jan nel 1568; con loro fondò in seguito la dinastia di artisti Brueghel. Pieter (chiamato anche “Hell Brueghel”) era fortemente orientato verso lo stile di suo padre e fece molte copie delle opere di suo padre. Jan (più tardi chiamato “Jan Brueghel il Vecchio”, chiamato anche “Flower Brueghel”) sviluppò presto uno stile personale, in miniatura. All’inizio del XVII secolo era diventato il più importante pittore di armadi ad Anversa. Anche il figlio di Jan e cinque dei suoi sette figli hanno lavorato come pittori.

ma nessuno dei loro discendenti raggiunse la fama di Pieter Bruegel il Vecchio.

Lo stile caratteristico di Pieter Bruegel il Vecchio è difficile da definire con un unico termine stilistico come il manierismo. Il suo modello era certamente Hieronymus Bosch, un pittore tardo gotico o del primo Rinascimento noto per la sua pittura fantastica e il suo realismo simultaneo. La sua influenza è chiaramente visibile soprattutto nelle prime opere di Bruegel, ma anche nelle sue opere successive di ispirazione “satanica” (come in Die Dulle Griet o la Caduta dell’Angelo). Oltre ai soggetti contadini, Pieter Bruegel il Vecchio lavorò su numerosi temi religiosi e creò un gran numero di opere allegoriche in cui raffigurava proverbi (ad esempio I proverbi olandesi), costumi popolari o valori umanistici. La maggior parte dei dipinti sono estremamente ricchi di figure e sono caratterizzati dalla rappresentazione di numerosi dettagli minuti. Eventi e scene apparentemente banali diventano il soggetto principale. Sono famosi anche i dipinti di paesaggio di Bruegel, in cui la rappresentazione della natura è in primo piano.

Il Kunsthistorisches Museum di Vienna ospita la collezione più importante al mondo di opere di Brueghel. Faceva parte della collezione privata dell’imperatore Rodolfo II, che aveva rilevato gran parte dei dipinti da suo fratello Ernst, un tempo governatore dei Paesi Bassi. Alcuni dei quadri più famosi di Bruegel il Vecchio, come l’Inverno, le Nozze Contadine o la Battaglia tra Carnevale e Digiuno, così come la Torre di Babele, possono essere ammirati qui ogni giorno in originale.

Pieter Bruegel il Vecchio – Un breve tour della collezione del Kunsthistorisches Museum di Vienna

Bruegel è considerato uno dei principali rappresentanti della pittura di paesaggio del XVI secolo. I cosiddetti “quadri mensili”, che di solito raffigurano il lavoro contadino tipico del rispettivo mese, esistono dal Medioevo. Bruegel riprese questo genere, ma invece di dodici dipinse solo sei quadri mensili e combinò due mesi in ogni quadro. Questo corrispondeva alle sei stagioni che si distinguevano nei Paesi Bassi a quel tempo. I dipinti di grande formato erano originariamente destinati alla tenuta di campagna “t’goed ter Beke” dell’uomo d’affari e collezionista Nicolaes Jonghelinck nel “Marggravelei” vicino ad Anversa. Si presume che facessero parte della decorazione della sala da pranzo. Più tardi vennero come regalo all’arciduca Ernst al suo arrivo ad Anversa.

Di questi sei quadri mensili, tre si trovano al Kunsthistorisches Museum di Vienna: Inizio di primavera (o Il giorno cupo), Autunno (o Il ritorno della mandria) e Inverno (o Cacciatori nella neve). La primavera è considerata persa, l’estate (o fienagione) è nel Palais Lobkowitz a Praga, e l’alta estate o l’inizio dell’autunno (o raccolta del mais) è nel Metropolitan Museum of Arts di New York. In ogni caso, vengono rappresentati paesaggi di fantasia e in ogni coppia di mesi predominano colori diversi: Marrone scuro e giallo all’inizio della primavera, giallo, ocra e marrone in autunno e bianco, nero e blu in inverno.

Pieter Bruegel il Vecchio, Inizio di primavera o Il giorno cupo, 1565, © KHM-Museumsverband; link all’immagine

Nel Tardo inverno o Inizio primavera di Bruegel, sono raffigurate attività tipiche di questa stagione, come la raccolta della legna o il taglio delle canne di salice. In primo piano a destra, alcuni dettagli come la corona di carta del bambino, le cialde, la lanterna, il travestimento degli uomini con un calderone messo in testa e la scopa coperta di candele – questo motivo appare anche nella Lotta tra Carnevale e Quaresima di Brueghel – ricordano ancora il carnevale. La rappresentazione piuttosto cupa della natura spoglia che sta ancora per fiorire – nei Paesi Bassi a quel tempo il nuovo anno iniziava il 1° marzo – è da intendersi come l’inizio del ciclo dei dipinti.

Pieter Bruegel il Vecchio, Autunno o ritorno del gregge, 1565, © KHM-Museumsverband; link all’immagine

 

In autunno, il tema è l’abbattimento degli alpeggi, un evento importante nella vita contadina che in realtà è atipico per i Paesi Bassi. Forse Brueghel sta raffigurando le impressioni che ha acquisito durante il suo viaggio attraverso la Svizzera quando è tornato ad Anversa dal suo soggiorno in Italia. Negli altri due dipinti, Inizio di primavera e Inverno, si vedono anche le montagne alpine sullo sfondo.

Pieter Bruegel il Vecchio, L’inverno o il cacciatore nella neve, 1565, © KHM-Museumsverband; Link all’immagine

 

La più famosa delle immagini mensili è l’inverno. In primo piano c’è un gruppo di cacciatori con i loro cani esausti che ritornano al loro villaggio, che si trova nella valle sottostante. L’unica volpe che hanno ucciso è appesa al loro spiedo. Dietro a sinistra, un fuoco è acceso davanti a una locanda per la bruciatura di un maiale. L’insegna della locanda recita “Dit is inden Hert” (“Al Cervo”) e mostra Sant’Eustachio, il patrono dei cacciatori. Il fatto che penda storto potrebbe essere interpretato come un’allusione alla caccia meno riuscita. Una piccola trappola per uccelli è raffigurata vicino al centro. A quel tempo, i contadini erano autorizzati a cacciare solo volpi, lepri e uccelli. Nell’angolo in basso a destra la ruota di un mulino ad acqua è congelata nel ghiaccio spesso, accanto ad essa un raccoglitore di sterpaglie sta attraversando un ponte. Dettagli allegri come i piccoli pattinatori sullo sfondo hanno contribuito alla popolarità del dipinto. Se si guarda da vicino, si possono anche vedere persone che giocano a one-hockey e che giocano a curling. (Colt era il nome dato al gioco di sparare una palla il più lontano o il più vicino possibile a un bersaglio usando un bastone di legno. Potrebbe essere visto come un precursore dell’hockey su ghiaccio o – dopo essere stato giocato anche sull’erba – del golf. Nel klootschieten, un disco di legno doveva essere portato il più vicino possibile a un bersaglio, un gioco che oggi ci è sostanzialmente noto come curling). Il dipinto è dominato dal bianco e nero, così come dalle tonalità di blu e grigio, evocando l’impressione di freddo invernale e di privazione. Il dipinto raffigura probabilmente dicembre e gennaio e conclude così la serie di quadri mensili. È spesso citato in relazione alla cosiddetta “Piccola Era Glaciale” in Europa centrale, con l’inverno del 1564/1565 in particolare che si dice sia stato particolarmente freddo.

I cacciatori nella neve di Bruegel è il primo e più importante dipinto invernale della pittura europea. I film Melancholia di Lars von Trier, Solaris di Andrei Tarkowski e Homecoming of the Hunters di Michael Kreihsl hanno anche fatto conoscere il quadro al pubblico del cinema.

Rappresentazioni dei costumi popolari contadini: Il matrimonio contadino e La lotta tra carnevale e digiuno

Bruegel è considerato uno dei principali rappresentanti della pittura di paesaggio del XVI secolo. I cosiddetti “quadri mensili”, che di solito raffigurano il lavoro contadino tipico del rispettivo mese, esistono dal Medioevo. Bruegel riprese questo genere, ma invece di dodici dipinse solo sei quadri mensili e combinò due mesi in ogni quadro. Questo corrispondeva alle sei stagioni che si distinguevano nei Paesi Bassi a quel tempo. I dipinti di grande formato erano originariamente destinati alla tenuta di campagna “t’goed ter Beke” dell’uomo d’affari e collezionista Nicolaes Jongelinck nel “Marggravelei” vicino ad Anversa. Si presume che facessero parte della decorazione della sala da pranzo. Più tardi vennero come regalo all’arciduca Ernst al suo arrivo ad Anversa.

Di questi sei quadri mensili, tre si trovano al Kunsthistorisches Museum di Vienna: Inizio di primavera (o Il giorno cupo), Autunno (o Il ritorno della mandria) e Inverno (o Cacciatori nella neve). La primavera è considerata persa, l’estate (o fienagione) è nel Palais Lobkowitz a Praga, e l’alta estate o l’inizio dell’autunno (o raccolta del mais) è nel Metropolitan Museum of Arts di New York. In ogni caso, vengono rappresentati paesaggi di fantasia e in ogni coppia di mesi predominano colori diversi: Marrone scuro e giallo all’inizio della primavera, giallo, ocra e marrone in autunno e bianco, nero e blu in inverno.

Pieter Brueghel il Vecchio, Matrimonio contadino, 1568, © KHM-Museumsverband; link all’immagine

 

Nel Matrimonio contadino di Brueghel, la semplice vita contadina è il tema centrale. È raffigurata la tavola nuziale di un matrimonio contadino fiammingo, al quale lo sposo non poteva tradizionalmente essere presente o comunque non era seduto allo stesso tavolo. (Gli sposi sono stati riuniti solo la sera del matrimonio). Gli ospiti sono seduti su semplici panche e sgabelli di legno al tavolo coperto di bianco in un grande fienile. La sposa può essere vista di fronte a un’appendice verde a cui è attaccata una corona di carta. Nei suoi capelli porta una corona nuziale. I suoi occhi sono chiusi, le sue mani piegate, il che la rende impassibile. Secondo l’usanza, prima di una vita di lavoro, almeno il giorno del suo matrimonio, dovrebbe letteralmente “non alzare un dito”, né mangiare o parlare, ma riposare. Ecco perché il vecchio proverbio fiammingo dice “È venuto con la sposa” e indica qualcuno che vuole sottrarsi al lavoro. Per l’ultima volta, la sposa è autorizzata a mostrare i suoi lunghi capelli sciolti in pubblico prima che vadano “sotto il cofano”. Solo il notaio siede in una comoda poltrona con giacca bordata di pelliccia e berretto. Accanto a lui, sono visibili un frate francescano e un proprietario terriero vestito in spagnolo con il suo cane (all’estrema destra). Due zampognari provvedono alla musica, uno fissa con desiderio il cibo che viene portato dentro su una porta appesa. Un cucchiaio è fissato nel cappello del portatore di cibo di fronte, contrassegnandolo come un lavoratore ambulante. (I cucchiai erano ancora rotondi a quel tempo, le forme ovali furono introdotte solo più tardi quando fu accettata l’idea che fosse più signorile non aprire troppo la bocca quando si mangiava. Le forchette non erano ancora comuni nel XVI secolo; le persone usavano cucchiai, le loro mani o i loro coltelli). Le porpore sono molto modeste, la postura piuttosto goffa dei portatori dà l’impressione che qui siano rappresentate condizioni da molto semplici a povere. Il bambino in primo piano ha già mangiato la sua ciotola.

Sono rappresentazioni come questa che hanno reso Pieter Bruegel il Vecchio noto anche come “Bruegel il contadino”.

Pieter Bruegel il Vecchio, Lotta tra carnevale e digiuno, © KHM-Museumsverband; link all’immagine

 

Nella lotta tra il Carnevale e la Quaresima, Bruegel mostra i costumi olandesi che sono effettivamente documentati nei secoli XV e XVI durante il Carnevale e la Quaresima. Tuttavia, il fatto che i due periodi consecutivi siano qui rappresentati fianco a fianco è insolito e un’invenzione di Brueghel.

In una piazza densamente popolata, viene mostrata una giostra tra il carnevale e la quaresima. A sinistra, il carnevale cavalca un barile, ben nutrito e allegro, con uno spiedo arrosto in mano come arma. Sulla destra, la figura magra ed emaciata di Lent punta una pala da fornaio e due aringhe contro il suo avversario. Indossa una veste da penitente e un alveare come copricapo e si siede su un banco di chiesa tirato da un monaco e una cameriera su un carro processionale. Dietro di lei, i fedeli escono da una chiesa. Sul lato sinistro dell’immagine, che è assegnato al carnevale, la gente si diverte con i costumi di carnevale davanti a due locande. Alcune figure sfondano i confini e si mescolano nel trambusto, come i decrepiti mendicanti accanto alla locanda o i bambini che giocano accanto alla chiesa. Dettagli individuali come il piccolo uomo vestito in un costume di carnevale al centro dell’immagine, che porta una torcia accesa in pieno giorno, rendono l’immagine particolarmente divertente. In letteratura, la figura è spesso interpretata come un’allusione al “mondo alla rovescia” in cui protestanti e cattolici si facevano la guerra, proprio come Bruegel ha sperimentato nel suo tempo nei Paesi Bassi. Poiché per i protestanti contava solo la fede e le persone non dovevano prima provare se stesse davanti a Dio attraverso la penitenza, l’astinenza e le buone opere, essi abolirono la Quaresima, che i cattolici consideravano immorale e moralmente depravata. Potrebbe anche essere che Bruegel si riferisca al modello dei due stati di Agostino, secondo il quale c’è uno stato divino (civitas dei) e uno stato del diavolo (civitas diaboli) nel mondo e il Carnevale rappresenta quindi i piaceri peccaminosi e la Quaresima il pentimento, la penitenza e la pietà.

Opere religiose: La torre di Babele

Pieter Bruegel il Vecchio, Torre di Babele, 1563, © KHM-Museumsverband; link all’immagine

 

La Torre di Babele è un testo del Primo Libro di Mosè nell’Antico Testamento (Gen. 11, 1 – 9). Descrive l’impresa del popolo di costruire un’enorme torre con una cima che arriva fino al cielo, per questo sono puniti da Dio per la loro arroganza con la confusione della lingua. A causa delle insormontabili difficoltà di comunicazione, i costruttori sono costretti ad abbandonare il progetto e successivamente si disperdono su tutta la terra. La parola “Babele” suona simile alla parola ebraica “balal”, che significa “confondere”. Bruegel sembra essere stato molto interessato a questo tema, e due dei dipinti che creò sull’argomento sono sopravvissuti, la cosiddetta “Grande Torre”, che si trova al Kunsthistorisches Museum di Vienna, è il più noto dei due. (Il cosiddetto “Small Tower Building” può essere visto nel Museo Boijmans Van Beuningen a Rotterdam). Una terza piccola opera, dipinta su avorio, è andata perduta.

Nella costruzione della Grande Torre, Bruegel traspone la scena biblica al suo tempo e alla sua casa. Anversa nel XVI secolo era una delle città in più rapida crescita e una delle principali città commerciali dell’Europa occidentale. Ci fu un grande afflusso di persone e un enorme boom edilizio. Il traffico nord-sud e il commercio d’oltremare hanno giocato un ruolo importante. I tessuti venivano venduti e spediti, c’era commercio di spezie dall’Oriente, ma anche di legno e grano, e c’erano molti stranieri che parlavano una lingua sconosciuta agli olandesi e si distinguevano per il loro strano abbigliamento. Inoltre, c’era l’emergente frammentazione del cristianesimo dovuta alle conseguenze della Riforma. Gli abitanti di Anversa forse si sono sentiti ricordati della torre babilonese, e questo è probabilmente anche da intendere come un simbolo per le paure nella rapida ripresa. Il tema non è mai stato rappresentato così frequentemente come ai tempi di Bruegel e nei decenni successivi.

Nella “Grande Torre”, la città dietro l’edificio è circondata da mura – come Anversa – ed è situata in un porto dove c’è un intenso traffico marittimo. Il paesaggio piatto sullo sfondo ricorda le pianure delle Fiandre. Le piccole case sottolineano le dimensioni imponenti della torre. Sette degli otto piani sono già stati completati e sembrano molto solidi a prima vista. Il Colosseo a Roma, dove Bruegel visitò effettivamente durante il suo soggiorno in Italia, servì probabilmente come modello per la costruzione. Tuttavia, se si dà un’occhiata più da vicino alla torre, diventa chiaro che questa architettura è strutturalmente gravemente difettosa. Ci sono diversi difetti di costruzione, i piani sembrano sostenersi solo l’un l’altro, si tirano piuttosto verso l’alto come un guscio di lumaca, in modo che la torre dovrà probabilmente crollare prima o poi – l’impresa è quindi destinata al fallimento fin dall’inizio! Come in altre sue opere, Bruegel descrive qui con grande attenzione i minimi dettagli, trasmettendoci così preziose informazioni sulle condizioni di vita e sui metodi di lavoro dell’epoca. Sulla rampa della torre, per esempio, si vede una gru possente; tre uomini camminano nel tamburo anteriore, altri tre – invisibili allo spettatore – in quello posteriore, per tirare su una pietra che è stata tagliata a misura. Un operaio nel bovindo sottostante cerca di evitare che la pietra colpisca il muro con una corda. Si dice che una gru di questo tipo si trovava nel mercato di Anversa. Un’altra gru a pedali, più piccola, può essere vista su un piano inferiore. In alcuni punti della torre incompiuta si possono vedere capanne erette. Questo corrisponde anche alla realtà dell’epoca. In un grande cantiere, ogni gilda aveva la sua capanna di costruzione, dove si consumavano i pasti e si conservavano gli attrezzi. Accanto a questo, scale, impalcature e piccole persone che eseguono una grande varietà di lavori sono rappresentate in modo molto realistico. A sinistra, in primo piano, si vede lo scalpellino inginocchiato davanti al re, un cerimoniale insolito in Europa occidentale e che probabilmente si riferisce all’origine orientale della storia. A Babele, fu il re Nimrod, pronipote di Noè e primo grande sovrano nel riemergere della storia umana, a ordinare la costruzione della torre.

La Torre di Babele menzionata nella Bibbia potrebbe essere realmente esistita. Nel 1913, Robert Koldewey trovò le fondamenta di una torre a Babilonia, nell’attuale Iraq, e ci sono circa altre 155 pietre appartenenti alla costruzione che sono sparse in vari musei del mondo. Secondo questo, la torre aveva una pianta di un quadrato di 91 x 91 metri ed era – come indicano gli scritti antichi – probabilmente di sette piani e quindi alta circa 90 metri. Un seguace dello scrittore greco Erodoto vide ancora la torre nel 458 a.C. Quando Alessandro il Grande entrò a Babilonia circa 130 anni dopo, era già in rovina. Alcuni anni fa, un mattone di fango con un’iscrizione che si riferisce alla Torre di Babilonia è stato analizzato dalla tomografia computerizzata e datato al VI secolo a.C.

La Torre di Babele deve essere intesa come un simbolo dell’arroganza dell’umanità. Questo tema non appare quasi mai nelle stampe di Bruegel, ma nei suoi dipinti sì. Dato che i disegni erano poco costosi, mentre i dipinti ad olio erano costosi, si può supporre che indirizzasse il suo avvertimento di arroganza principalmente alle classi superiori. Il fatto che l’arroganza porta inevitabilmente a una caduta è stato tradotto in modo impressionante nel linguaggio pittorico da Bruegel nel suo lavoro con l’architettura minacciosa. Probabilmente non è stata la complessità del tema, compresa la sua moralità, l’architettura fantasticamente fantastica e la riproduzione meticolosa e dettagliata dei costumi contemporanei a rendere il dipinto famoso in tutto il mondo. Come in tutti i dipinti di Bruegel, uno sguardo attento rivela innumerevoli storie affascinanti…

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