Un’introduzione alla musica del barocco

da Daniel Ungermann

La musica dell’epoca barocca è generalmente indicata come l’era del basso continuo. Anche se questo non è del tutto corretto – soprattutto nella musica da chiesa il basso continuo è stato usato ben oltre il periodo barocco, e c’è, anche se abbastanza raramente, musica senza basso continuo – il termine “età del basso continuo” è certamente una base utile. Il periodo della musica barocca è considerato il periodo compreso tra il 1600 e il 1760.

La musica barocca deve essere divisa in due direzioni diverse. La prima suddivisione riguarda la provenienza: i paesi più importanti sono Italia, Francia e Germania. La seconda suddivisione si riferisce alle epoche della musica barocca: primo barocco, alto barocco e tardo barocco; va da sé che i confini sono fluidi e geograficamente non congruenti. Il primo barocco può essere collocato nel periodo tra il 1600 e il 1650 circa, l’alto barocco dal 1650 al 1720 circa e il tardo barocco dal 1720 al 1760 circa. Anche il passaggio dal tardo barocco al primo classico non può essere definito con precisione.

Il primo barocco

Il punto di partenza più importante per l’inizio del barocco musicale è da ricercarsi in Italia, dove poco prima del 1600 si è tentato di far rivivere l’antica tragedia greca. Mentre fino ad allora il primato della musica sulla parola era stato indiscusso nella musica vocale (si veda, ad esempio, la complessa arte contrappuntistica della polifonia vocale franco-fiamminga, che prestava poca attenzione al testo cantato), l’ideologia ha iniziato a pensare che la musica avesse la funzione di sostenere gli affetti delle parole, che la parola fosse al di sopra della musica, in altre parole, che la parola fosse al di sopra della musica per rompere il proprio terreno.

Eccezionale è la disputa tra Claudio Monteverdi e Giovanni Artusi: Monteverdi coniò i termini “prima pratica”, per il predominio della musica richiesta dall’Artusi, e la “seconda pratica”, in cui la musica doveva essere “serva del testo”. L’idea della seconda pratica ha dato origine alla monodia, una forma musicale di musica vocale in cui una sola voce era accompagnata strumentalmente.

Qui inizia l’era del “basso continuo”, il basso profondo.

Si tratta di una pratica in cui la linea di basso in tutta la musica veniva amplificata con uno strumento capace di armonie (clavicembalo, tiorba, organo), per cui questo strumento da un lato suonava insieme alla linea di basso e dall’altro arricchiva le armonie in accordi, che venivano annotati da un numero sotto la linea di basso e – secondo precise regole – dava al suonatore entro certi limiti la libertà di improvvisare le armonie richieste. Questa pratica del basso continuo ha aperto la possibilità di creare forme musicali completamente nuove.

Una delle creazioni più importanti della seconda pratica era il recitativo, un brano accompagnato dal basso continuo, il cui ritmo e la cui melodia seguivano la metrica del testo ed era ritmicamente molto libero, cioè poteva essere eseguito “parlando”. Questo portò alla creazione della prima opera, “Dafne” di Jacopo Peri, scritta nel 1597, la musica purtroppo è andata perduta.

La prima opera importante che si conserva ancora oggi è “Orfeo” di Claudio Monteverdi del 1607, che ha aperto nuove possibilità per la musica strumentale, dando vita a composizioni per uno o quattro strumenti con basso continuo.

Qui si trovano gli inizi della “Sonata”, anche se la terminologia era piuttosto incoerente. Così il termine “concerto” era comune per varie forme – anche per la musica vocale. Anche “Sonata” e “Sinfonia” avevano significati diversi. Per lungo tempo, “Sinfonia” è stata utilizzata anche, ad esempio, per i movimenti di apertura di opere liriche e lavori ciclici (cioè multimovimento), e occasionalmente anche per la musica vocale.

Anche il termine “fuga” ha avuto vari precursori: i movimenti strumentali imitativi – spesso molto vicini al mottetto pre-barocco – si chiamavano Ricercare, Canzona o Fantasia. Il termine “fuga” si è affermato solo più tardi.

In Germania alcuni compositori hanno adottato l’idea della musica vocale che interpreta la parola.

Innanzitutto va citato Heinrich Schütz, che ha adottato gli accorgimenti stilistici della “seconda pratica” e ha scritto opere vocali accompagnate dal continuo per una o più voci soliste (che ha chiamato, ad esempio, “concerti sacri” o “Symphoniae sacrae”, anche qui si può ancora vedere la terminologia poco chiara), così come composizioni corali con ricche figure interpretative di testo.

Il contributo della Francia nel primo periodo barocco è consistito nello sviluppo della suite, una sequenza di danze, che è stata praticata in tutte le strumentazioni immaginabili, dagli strumenti solisti agli ensemble strumentali riccamente dotati. Tuttavia, la scelta dei balli era ancora piuttosto selvaggia.

Fu il tedesco Johann Jakob Froberger che, nelle sue suite per clavicembalo che combinano elementi stilistici francesi e italiani, utilizzò la sequenza di danze che poi divenne la base della suite: Allemande – Gigue – Courante – Sarabande, con Gigue e Sarabande che cambiano posto nella forma classica della suite. I movimenti di danza della suite erano spesso in due parti, ciascuna delle quali veniva ripetuta.

Nel barocco francese, il balletto era di grande importanza, il che spiega anche perché i nomi delle danze della Dance Suite sono rimasti francesi per tutto il periodo barocco, anche al di fuori della Francia.

L’Alto Barocco

Nell’Alto Barocco cominciarono ad emergere forme chiaramente definite.

Il “Concerto” ha assunto la forma di un lavoro orchestrale, di solito in tre movimenti, in cui uno o più strumenti solisti si alternano a tutti gli strumenti dell’intera orchestra – spesso una pura orchestra d’archi.

L’idea di dividere due gruppi giustapposti risale alla pratica del doppio coro veneziano, come già si praticava nella Cattedrale di San Marco a Venezia in epoca pre-barocca. Dalla Sinfonia, la forma italiana dell’ouverture lirica, il Concerto ha ricevuto l’ordine di movimento veloce – lento – veloce.

Il contributo più importante allo sviluppo del concerto è stato dato dalle opere di Arcangelo Corelli, chiamate “Concerto grosso”, in cui due violini solisti e un violoncello solista sono stati giustapposti all’orchestra d’archi con il basso continuo. Nel Concerto grosso, il primo movimento veloce aveva generalmente come schema formale la sequenza di tutti – ritornelli, che doveva essere completa e in chiave fondamentale solo all’inizio e alla fine, ed episodi degli strumenti solisti. Qui abbiamo una forma già matura che doveva durare fino alla fine del Barocco come principio di base.

Da lì non è lontano il concerto solista, in cui un solo strumento è giustapposto all’ensemble tutti (ripieno). La disposizione dello stampo è fondamentalmente la stessa. La sonata solista per uno (o più) strumenti e basso continuo ha iniziato ad assumere la sua forma classica, con la sequenza di movimenti veloci – lenti – veloci – spesso integrati da ulteriori movimenti, molto spesso da un movimento lento all’inizio della sonata.

Nel periodo dell’Alto Barocco vi fu un vivace scambio internazionale, cosicché le forme specifiche per paese furono rapidamente adattate da altri paesi. Ciononostante, nell’Alto Barocco esistevano alcune forme musicali specifiche del paese.

In Germania si è sviluppato un mondo diversificato di forme organistiche del canto protestante. Anche la musica libera per organo ha vissuto un periodo d’oro (Dietrich Buxtehude, Georg Böhm, Nicolaus Bruhns).

In Francia, i clavicembalisti chiamati “Clavecinisti” svilupparono la suite per clavicembalo in modo tale che i movimenti di danza – che in Francia erano molto spesso chiamati in più parti invece che in due parti con un couplet suonato all’inizio, alla fine e ripetutamente tra le ricapitolazioni – mutavano in veri e propri pezzi di carattere; di solito ai movimenti venivano anche dati titoli di vario genere (François Couperin come climax).

Attraverso Luigi XIV, il “Re Sole” e il suo castello di Versailles, la musica rappresentativa ha conosciuto una ripresa finora sconosciuta. Jean Babtiste Lully fu nominato Kapellmeister a Versailles e compose numerose suite, con la “Ouverture francese” come movimento di apertura. A differenza della Sinfonia italiana, la forma dell’Ouverture francese era lenta – veloce – lenta, con la parte lenta caratterizzata da linee tratteggiate nette e figure di apertura brevi e rapide.

L’opera inizia il suo corteo trionfale da Napoli, di cui Alessandro Scarlatti diventa il più importante rappresentante; nasce il “da capo – aria”: in due parti con – spesso decorato con ornamenti improvvisati – una ripetizione della prima parte dopo la seconda.

E con il trionfo dell’opera è andato il trionfo dei castratos, che sono diventati i veri protagonisti dell’opera. Soprattutto per i castrati, nell’opera sono state composte arie di virtuosismi esorbitanti, che hanno portato a una competizione di teatri d’opera che si sono scatenati come funghi.

Il contenuto dell’opera era solitamente tratto dalla mitologia – spesso dall’antichità – o erano racconti eroici di eventi storici reali. Oltre ai solisti e all’orchestra, il teatro dell’opera potrebbe ospitare anche un coro.

Legata all’opera lirica era la cantata e l’oratorio; in Italia la cantata solista viveva il suo periodo di massimo splendore, con recitativi e arie, spesso in forma di da capo.

L’oratorio si è sviluppato a partire dal gioco del mistero medievale e assomigliava alla forma dell’opera, con un coro che di solito forma la strumentazione insieme ai solisti e all’orchestra.

L’Inghilterra, la cui musica è stata influenzata principalmente dallo stile francese, ha conosciuto un picco nell’Alto Barocco in Henry Purcell, la cui opera “Didone ed Enea” è una delle opere più importanti dell’Alto Barocco.

Il tardo barocco

L’epoca del tardo barocco è il culmine degli sviluppi della musica fino ad oggi. Le differenze nazionali di stile musicale che erano ancora chiaramente riconoscibili all’inizio dell’epoca barocca si stanno ora fondendo in uno stile di una certa uniformità al di là dei confini nazionali.

La musica strumentale è ora dominata dal concerto, dalla suite e dalla sonata, forme in cui si è cristallizzata una certa struttura di base.

Nel concerto – con uno o più strumenti solisti – la sequenza dei movimenti domina veloce – lento – veloce.

Nella Suite, Allemande – Courante – Sarabande – Gigue formano la cornice (anche se le deviazioni da questa sequenza sono ancora comuni), integrate da movimenti di danza spesso definiti “galanterie” come Menuet, Gavotte, Bourée e molti altri. La suite è spesso preceduta da un movimento di apertura, come un’ouverture, un preludio o un movimento con un titolo diverso. Nella suite sono integrate anche forme polifoniche, come la fuga. Le suite sono disponibili in tutte le strumentazioni possibili, dalla suite per strumento solista (spesso il clavicembalo, occasionalmente uno strumento melodico senza basso continuo) alle suite orchestrali. I movimenti di danza di solito mantengono la loro forma a due parti con la ripetizione della rispettiva parte.

Le sonate sono scritte per vari strumenti solisti con o senza basso continuo, o per vari gruppi di strumenti (la sonata in trio per due strumenti e il basso continuo era popolare), di solito in tre movimenti con la sequenza veloce – lento – veloce, o in quattro movimenti con un movimento lento introduttivo.

Le possibilità tecniche e tonali degli strumenti sono spesso esplorate al massimo ed esaurite.

Antonio Vivaldi e Giuseppe Tartini scrivono concerti per violino di virtuosismi finora sconosciuti, Georg Philipp Telemann usa quasi tutti gli strumenti esistenti come strumenti solisti e ne trae possibilità di suonare in modo nascosto. Il Concerto Grosso – oggi più di tre movimenti – trova il suo culmine nei Concerti Grossi di Georg Friedrich Händel.

La musica del tardo barocco diventa sempre più complessa: ad esempio, in tutti i Concerti ci sono elementi di polifonia come forme fugali di ritornello, gli episodi solistici contengono materiale tematico del ritornello e molto altro ancora.

La musica di Johann Sebastian Bach rappresenta senza dubbio l’apice assoluto di tutta l’era della musica barocca. Le sue opere fondono tutti gli elementi stilistici nazionali nel modo più naturale, come i sei “Concerti Brandeburghesi” ne sono un esempio. Combinano la forma concertistica italiana con elementi polifonici in una grande varietà di strumentazioni, combinate con un lavoro motivico-tematico.

L’impareggiabile padronanza di Bach di tutte le forme musicali concepibili, dalla rigorosa fuga al galante movimento delle suite, che già indica la prossima epoca del primo periodo classico, culmina nella sua opera tarda: nelle “Kanonische Veränderungen” (“Cambiamenti canonici”) via “Vom Himmel hoch, da komm ich her” (“Dall’alto del cielo, ecco che vengo”) per organo con canoni a vari intervalli, il “Musikalisches Opfer” (“Offerta musicale”), una raccolta dei pezzi più diversi, dal Ricercar a sei parti per clavicembalo solista alla sonata del trio galante, su un unico tema, che il re Federico II gli suonò il flauto, e l'”Arte della Fuga”, una raccolta di fughe e canoni in cui l’arte contrappuntistica è portata all’apice assoluto – simile alla polifonia vocale franco-fiamminga del XV secolo. E del XVI secolo.

La musica vocale ha raggiunto il suo apice negli oratori scritti a Londra da George Frideric Handel, così come nelle cantate, nelle Passioni e nella “High Mass” di Johann Sebastian Bach.

L’opera italiana è stata superata dalle opere di Handel, e dalle due superstar tra i cantanti castrato Senesino e Farinelli.

La magnifica opera francese è culminata nei capolavori di Jean-Philippe Rameau.

Soprattutto, Johann Sebastian Bach ha sviluppato una forma nei suoi pezzi in due parti con parti ripetute, principalmente per clavicembalo solo – movimenti di suite, preludi e la Fantasia in do minore – la prima parte dei quali viene elaborata nella seconda parte, per poi finire di nuovo in una ricapitolazione (più o meno libera) della prima parte. Questo si è poi sviluppato nella forma di sonata del classicismo viennese, la successiva grande epoca della storia della musica.

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